音乐研究论文范例（实用4篇）

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音乐优秀论文1

［关键词］ 少数民族音乐 西部开发 生存选择

我国少数民族有着丰富的民族音乐遗产。这里我就从这些音乐遗产生存、保护、发展的角度入手对少数民族音乐对中国传统音乐的影响及贡献，少数民族音乐文化遗产的价值及保护和发展的重要意义，如何在保护和发展少数民族音乐文化的同时进一步促进中华民族音乐文化的发展等内容进行研究。

一、少数民族音乐对中国传统音乐的影响和贡献

我国少数民族不仅有优秀的音乐文化传统，而且有卓越的音乐创造才能。由于历史悠久、民族众多，各民族又有着不同的文化背景，我国少数民族的音乐文化是十分绚丽多姿，丰富多彩的。

我国的民族音乐是各民族共同创造的。一方面，少数民族音乐对汉族音乐的发展有很大的影响，另一方面，汉族音乐的发展又促进了少数民族音乐的繁荣。许多少数民族音乐家为汉族音乐的发展做出了杰出的贡献，如藏族贵族登者班爵在中原学习汉族音乐，并将扬琴、笛子、二胡、京胡等乐器带到，使汉族音乐广泛流传，同时也促进了藏族古典音乐的发展。

总之，我国光辉灿烂的古代音乐文化，是各族人民共同创造的，少数民族在中国音乐发展史上作出了杰出的贡献。

二、少数民族音乐遗产的价值及保护的重要意义我国各少数民族大多能歌善舞，每个民族不论人口多少，历史长短，都拥有本民族创造和传承下来的优秀而独特的传统音乐文化，有着丰富的民族音乐遗产。如新疆维吾尔族音乐中的木卡姆，回、土、撒拉、裕固等族共有的“花儿”，以及深深根植于西部各少数民族之中的独特曲艺音乐文化等。

“中国新疆维吾尔木卡姆”，是对流传于中国新疆各维吾尔族聚居区的各种木卡姆的总称，是集歌、舞、乐于一体的大型综合艺术形式。载歌载舞，是维吾尔木卡姆最重要的特色。舞蹈技巧丰富多彩，集体舞的队形组合、步伐步态，双人舞中的摇肩动颈、闪转腾挪，单人独舞中的叼花顶碗、模拟动物等，形态各异，变化层出不穷。

木卡姆是维吾尔人民生活中不可或缺的组成部分。大街小巷、茶馆饭铺、村镇集市，驴车上、驼队中、篝火边，都飘荡着木卡姆的旋律。她更与民俗仪式息息相关，木卡姆的乐声起处，都是吸引人们聚集的地方。年轻人在木卡姆的乐声中喜结良缘，走过苦难的人民也在木卡姆的乐声中长眠于一生热爱的沙土中。木卡拇伴随着维吾尔人的降生、成长、死亡，与维吾尔人民生死相依。

“花儿”是流传于甘肃、青海、宁夏、新疆和陕西宝鸡以西、四川阿坝一带及部分地区，深受回、东乡、保安、撒拉、土、藏、裕固等民族喜爱的一种高腔山歌。这支由人民自己栽培的民间艺术之花，已深深融入当地各族人民群众的生产生活中，与西部各族人民情感相系，血肉相连，成为各族人民田间劳作之余、休息嬉戏时、旅途之中表达喜怒哀乐、抒发个人情怀、寄寓相思之苦的最佳方式。

面对如此丰富的“花儿”音乐文化，我们更要继续发掘、保护好现有的和蕴藏在民间的原生态形式的花儿资源，传承好各少数民族传统的和优秀的“花儿”，使原汁原味的花儿艺术永远根植于各民族之中，又要积极引导“花儿”向大众化、现代化、产业化方面发展，进一步丰富和发展“花儿”的表现形式和艺术魅力，使根植于各民族文化沃土的“花儿”世代相传，生生不息，让这朵扎根民间、源远流传的民间艺术奇葩根深叶茂、灿烂芬芳、飘香万里。

三、现代社会对少数民族音乐的保护与发展

在西部大开发的背景下，加上上世纪下半叶我们遭受了一场全民族的大劫难，在“破四旧”极左口号的错误引导下，优秀的民间传统音乐文化遭到了灭顶之灾！于是优秀的传统民族音乐文化的中断、消失、消亡、被遗忘……每日都在发生着。面对这一严峻现状，我们要调动全社会各界力量，要让全社会认识和了解博大精深、异彩纷呈的民族民间艺术资源，提高社会各界保护少数民族音乐文化遗产的自觉意识，营造有利于音乐文化遗产保护、传承的社会氛围，共同参与到抢救、挖掘、保护和发展少数民族音乐文化遗产中去。

1.加强合作，树立资源共享观念

我国西部少数民族的民族音乐文化丰富多彩，博大深厚，保护发展工作任务艰巨，单靠文化部门的力量很难担负这一伟大又艰巨的使命，只有联合各界，深入民间、深入生活、深入文化、深入时代，才能进一步更好地保护少数民族音乐文化遗产。因此，我们要放眼社会，树立资源共享观念，加强社会科研机构、院校、协会、学会的横向联系和合作，充分利用人才资源优势搭建民族音乐遗产保护的研究和人才培养平台，加强对民族音乐文化遗产保护的理论研究和队伍建设，积极开展学科合作、沟通与交流，在时间基础上进行思考、概括、总结，促进少数民族音乐文化遗产理论研究和学科建设，解决保护和发展工作中的理论问题和实践问题。

2.鼓励投资，拓宽资金投入渠道

保护发展工作要顺利进行，很大程度上取决于资金投入。面对许多濒危的、急需抢救和保护的民族音乐遗产，财政专项资金远远不能满足工作需要。所以要调动个人、集体、民间组织、社会团体、企事业单位投资民族音乐遗产保护项目的积极性，促进民族音乐遗产的挖掘、整理、保护和发展工作。鼓励企业、公司投资开发少数民族音乐文化，促进民族音乐文化价值的不断增长，让优秀的传统音乐文化“活”起来，融入新时代、新生活，找到新位置，活跃在人们的生活当中，并带动地方经济的发展。

3.政府资助，创办各类讲习所

少数民族中有许多优秀的民间艺人，他们精湛的技艺深受广大人民群众的喜爱，政府应通过生活资助和技艺传承资金资助的方法，帮助身怀绝技的民间艺术大师创办音乐、舞蹈、曲艺等各类讲习所，使喜爱民族音乐文化的青少年，能够有条件集中在讲习所里，接受“原汁原味”的艺术传习，使优秀的少数民族民间音乐文化得以传承和发扬。

所以，只有加强社会各界的联合与合作，依靠人民，依靠群众，才能调动社会各界对少数民族音乐文化遗产保护发展的积极性，赢得社会各界的关注和支持，形成政府主导、社会参与、民众自觉的良好机制，积极有效地开展少数民族音乐遗产保护发展工作。

描写音乐论文2

关 键 词：组曲 形象 形象美 音乐形式

音乐形象分析在理论上是以音乐美学中的“情感论”学说为基础的。音乐美学中将其定义为“音乐艺术通过乐音运动塑造的具有一定思想感情内容和审美意义的艺术形象，也就是通过有组织的乐音运动对人们在现实生活中的情感、印象和心理感受所进行的艺术概括”。①也有音乐理论家称之为“当音乐能够真切地表现出某种特定的情绪、场景或过程等，并能使听者在相应方面产生有关联想时，这种被表现的对象和所产生的联想就叫做音乐的‘形象’”。②这种对“音乐形象”的诠释与浪漫主义时期标题音乐的繁荣有直接关系。所谓标题音乐，是指用文字来揭示音乐内涵，阐明创作构思的器乐曲。也就是说，音乐形象分析即是对标题音乐（这里指器乐）对具体艺术形象“描绘”的分析。

《培尔·金特》组曲是作曲家格里格从诗剧《培尔·金特》的配乐中选编的两部管弦乐曲。作品取材于挪威的民间故事，讲述了培尔·金特的冒险故事。剧作家易卜生借培尔·金特这个典型的市侩形象揭露了利己主义者的口是心非、怯懦、残忍的人物面貌。作曲家为该剧作了二十二段配乐，并在公演后从中选出八段改编成两套管弦乐曲（《培尔·金特》第一、第二组曲）。这部作品成功地以音乐的表现形式描绘了自然景色、故事场景和几个不同性格的女子形象。

一、自然景色的“形象”

用语言文字来描绘自然景色可以非常细腻、准确，而用音乐语言来描绘自然景色，那只能是得其“意”而忘其“形”。也正由于如此，用音响的形式表现自然景色更能激发听者的联想，因为音乐的抽象性给欣赏者留下了广阔的再创造的天地。

《培尔·金特》第一组曲的第一乐章《朝景》结构是三段式：第一段（第1—30小节）采用牧歌的主题，由长笛、双簧管交替演奏。木管的音色使音乐充满田园气息。这个主题是按照色彩性的调性关系展开的：e大调—#g大调—b大调—e大调。作者用调性、音色和音区的对比来描绘旭日初升时的色彩变化。第二段（第30—55小节）是全曲的高潮，描写朝阳升起，由大提琴演奏。曲调来自第一段牧歌主题。在结尾中，法国号暗示猎人的号角，长笛和单簧管上的颤音暗示鸟鸣，最后长笛的牧歌音调由大管应和着，渐渐消失在早晨恬静的气氛中。这一乐章是一幅色彩鲜明的清晨风景画，直观地表现了田野风光的音乐形象，令人陶醉。

第二组曲第三乐章《海上风暴之夜》似一幅交响音画，描写了培尔·金特倦游归来，当船驶近挪威海岸时遇到飓风沉船的情景。作者在这一乐章中充分使用了各种音乐表现手段，在力度、和声、复调、音色、节奏、演奏形式的有机结合下描写了海上风暴之夜的“海浪”“孤舟”“暴风雨”等形象。在呈示段中（复乐段）由纯五接纯四度向上跳进的主题音调在清澈的和声背景上以强力度全奏，与另一平稳的音调在单簧及巴松以弱力度的演奏形成一强一弱、一浓一淡（织体）、一宽一窄（音域）的对比，并以模进的手法反复几次，宛如“冲击的海浪”一起一伏的生动形象。后部分采用主题音调，由双簧等乐器以单旋律的形态用卡农式的复调手法交替演奏。这种流动起伏的音响效果似乎让人看到一叶孤舟漂摇在大海上。乐曲中段是由两个乐段的构成与主题连续对比。前乐段主题是一连串的八分音符成半音阶的形式波浪式的快速进行。后乐段以半音阶形式快速下行的音调（木管演奏）及在八六拍子下的附点八分音符（不同演奏法结合）等形式，描写出一幅“滂沱大雨”的逼真画面。

在对自然景色的描绘中，作曲家调动了各种音乐的表现手段。他对不同的景色、景观采用了音乐的习惯表达方式，又融入了自己独特的创作手法。如木管演奏牧歌式的旋律来表现田园风光；长笛快速演奏半音阶表现刮风等，都是音乐的习惯表达方式。又如在表现“冲击的海浪”时采用一强一弱的“回音”式写法，这是格里格所喜爱的一种音乐表现手法。以上的两个乐章中，作者描绘了两幅不同的自然画面，塑造了不同的音乐形象，使人们在感受音乐形式美的同时也获得了极大的精神审美和愉悦。

二、人物“形象”

格里格在这两部组曲中多次用音乐语言对人物形象进行描写和对人物性格及内心世界进行刻画。

第一组曲第三乐章《阿尼特拉舞曲》，是一首具有玛祖卡性格的活泼舞曲。这是写培尔·金特在沙漠绿舟的阿拉伯帐篷中，美丽的女子阿尼特拉用舞蹈欢迎他时的情景。这一乐章的结构是三段式的，配器也很有特色：只有弦乐组（小提琴加弱音器）和三角铁；在三四拍子的节拍下使用小提琴演奏主题旋律。作曲家以此来表现活泼妩媚的阿尼特拉的形象。乐曲中长、短音的音色变化、复调手法的运用及格里格式的和声变换使整个舞曲形象生动、感人。

第二组曲第一乐章《英格丽德的悲叹》是描写英格丽德被培尔·金特拐走和她的哀诉。这个乐章的主要部分由一个乐段变奏发展而成。主题是在诗剧的配乐中第一分曲主题经旋律节奏与和声上加以改造而来的。作曲家使用木管乐器、圆号和弦乐的强烈重音与随后的小号和带弱音器的圆号轻微的余音表现英格丽德的悲痛的呼喊声；中段是只由弦乐器演奏；定音鼓的隆隆声引进英格丽德新的悲痛呼喊声。这一乐章用音响的模拟及热情的曲调对英格丽德的性格进行了深刻的刻画。

第二组曲第四乐章《苏尔维格之歌》，是格里格的最高创作成就之一。这一乐章描写挪威女子苏尔维格在茅屋前一面纺纱一面歌唱等待培尔·金特归来的心情。曲调来自挪威民歌音调，结构为“主歌——副歌”型的单二部曲式。作曲家用歌唱性的、优美的音调来表达苏尔维格的心情。曲调以沉思开始，然后流露出温馨、真挚的感情，后被细腻的、稍带娇媚的、怀抱光明希望的情态代替。在末尾曲调又全都沉没在幽静的朦胧沉思之中。

以上三个乐章，形象地塑造了三个不同女子的人物特性，如用舞蹈的节奏、律动的音调描写了活泼的阿尼特拉形象；用音响、音色的对比刻画出悲痛绝望的英格丽德形象；(转第77页）(接第84页）用优美的民歌音调“唱”出了一个真挚、温柔、忠诚的苏尔维格形象。

三、场景“形象”

在格里格的这两首组曲中有多个场景的描写，作者用特性的音调、特殊的音响向欣赏者展现出了一个个热烈、悲痛的场面。

第一组曲第二乐章《奥塞之死》，描写的是培尔·金特回到家中见到即将去世的母亲及母亲死后的场景。这是一首丧葬进行曲。主题曲调由简短的动机多次反复而成。其结构是三段式，包括三个八小节乐段和长、大的结尾。三个乐段可认为是同一主题在不同调性上的反复，由弦乐器加弱音器演奏。乐曲的第一段是上行的乐句，织体丰满，充满了真挚的歌唱性。第二段织体减薄，乐句开始下行，音调丧失了同民歌的联系，变成半音和自然音的下行叹息。长、大的结尾亦建立在下行叹息的音调上，整个曲调悲壮、音色暗淡、和声简单而表现气氛肃穆。这一切都深切地表现出了音乐的悲哀情绪和气氛。

第一组曲第四乐章《在山魔的宫中》，表现的是山魔舞蹈场面。乐章由单一主题的三段式构成。其风格是阴沉的舞曲。主题是非常富有特色的音调。切分音、半音爬行、调式的变换（从b小调到d大调）。低音弦乐器的拔奏与大管的断音相结合，还有大鼓的轻击声和阻塞的圆号的呼声。音响呈阶段性渐强。舞蹈场面的愈来愈热烈是由力度、速度、乐器的逐渐增加和音区的逐渐移高来达到的。其音乐形象的发展是靠力度的发展来表现的。

在格里格的这两组曲中，描写了多个音乐形象。令人不得不赞叹格里格高超的作曲技术：在描写这些形象时他采用了传统习惯的手法（如音色的特指），其中又充满了自己个性化的追求（如格里格式的和声“回音”式的手法。例如在“朝景”中，开始主题在不同的调性重复几次后，人们刚觉得音乐较多的重复会有单调之感，作曲家就忽然引入新的东西把早晨清晰、嘹亮的音响转向另外的意境。大提琴独奏从d大调转到f大调，长笛的颤音和圆号的号角声非常美妙！）。格里格极强的审美能力不得不令人佩服。作为欣赏者，在欣赏作品时必须“充分调动想象力和联想力，激发起丰富的情感，将自身与音乐融为一体，物我交融”③，从而“获得精神上的审美愉悦”。④

欣赏者脑海中音乐形象的建立必须是在其具备一定的音乐感受能力和充分发挥想象和联想之上的。因为用音乐的形式表现的形象并不是“具象”。王次炤先生认为，音乐形象是一种特殊形象，音乐中的这类内容是“非音乐性内容”即“主要指哪些音乐的音响本身不能包容的，便又能通过音乐提供给听众的内容成分，亦即接受者不是从音响中直接觉到的，而是由于音响而产生想象或联想获得的内容成分”。⑤如汉斯力克所说：“音乐的确有这样或那样的声音；它能窃窃私语，也能做出暴风雨或沙沙的声音，但只是我们自己的心情把爱憎带了进去。”⑥在欣赏格里格的二首组曲时，不但要了解一些音乐的习惯性表达方法，还需了解作者的背景及创作特点、特色并充分发挥想象，这样就能从作品中感受到更多、更深层次的美。

注释：

①王世德主编。美学词典。知识出版社，1986年9月版。

②彭志敏。音乐分析基础教程。人民音乐出版社，1997年9月版。

③④龚妮丽。音乐美学论纲。中国社会科学出版社出版，2002年12月版。

音乐优秀论文3

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音乐研究论文4

摘要竖笛是文艺复兴和巴洛克时期的重要乐器，虽然没能成为当今世界的主流乐器，但却是世界各地音乐教育家的不二选择，在音乐教育中被广泛运用。我国中小学音乐教育将竖笛作为音乐课的重要学习内容，并将其应用于音乐教学的各个环节。竖笛在华德福学校的音乐教学中占据重要地位，通过分析竖笛在华德福小学音乐教育中的运用，不仅能够进一步了解华德福音乐教育，还可以为我国竖笛教学的发展提供切实可行的参考。

关键词竖笛；华德福教育；小学音乐教育；教学；科乐耳

华德福教育是奥地利教育家鲁道夫•斯坦纳于1919年创立的一种新型教育体系，其教育理念建立在人智学这一哲学理论之上，致力于身、心、灵层面的全面发展。人智学是一门关于精神的科学，致力于用科学方法研究人的意识、人的生命实践以及宇宙万物之间的关系。近年来，华德福教育在中国蓬勃发展，其音乐教育体系有别于传统的教学模式，在华德福教育中具有重要地位，其中竖笛教学也是独树一帜。本文将从选择竖笛的原因、选择的竖笛种类、不同年级的教学策略三个方面分析竖笛在华德福小学音乐教育的运用。一、华德福音乐教育选择竖笛的原因斯坦纳认为人类是一种音乐性的存在，音乐是人类灵魂的归宿。[1]因此，音乐是华德福教育中的重要元素，音乐教育的目标不在于把所有的孩子培养成音乐人才，而是引导孩子欣赏和热爱音乐，唤醒和滋养孩子的内在生命，引导孩子成长为一个真正的“人”。大部分华德福学校的共识是不同类型的竖笛可以作为孩子的第一件乐器。因为与大多数乐器相比，学生在学习竖笛的初期需要克服的技术困难较少，容易入门，并且竖笛体积小、重量轻、便于携带、价格相对便宜，而这些也是竖笛在其他音乐教学体系中被广泛使用的原因。但不同的是，华德福学校选择竖笛还有基于人智学理论的考虑。斯坦纳建议孩子接触到的第一件乐器是管乐器，因为我们的呼吸正是声音的来源，过于鲜明的音色往往会形成很强烈的情感导向，例如马头琴的低沉深情，竹笛的灵动嘹亮等，这对于成人是没有问题的，但对处于感官保护期的幼儿和情感成长初期的少儿来讲，这样的音色显然不具备普适性。而竖笛温润梦幻的音色刚好满足了这一时期孩子的感官保护需要以及没有过多情感冲击的音乐教育需求。

二、华德福学校选择的竖笛种类

（一）科乐耳竖笛

科乐耳公司根据斯坦纳在音乐中平衡思考、感觉和意志的想法为儿童设计了专门的五音竖笛和七音竖笛。科乐耳竖笛具有温暖柔和的声音，更像是人的嗓音，而不像乐器的声音，与传统木制竖笛和塑料竖笛有时会出现的刺耳音色形成鲜明对比。学生在吹奏时只需要用自然的气息穿过笛子，嘴唇保持放松的状态。[2]科乐耳五音竖笛采用梨木制作而成，其音色较为轻柔，适合年幼的孩子，有六个笛孔，我们可以吹奏出d2、e2、g2、a2、b2、d3、e3七个音，有两个音是重复的，所以相当于只有D、E、G、A、B五个音，因此被称为五音笛。科乐耳七音竖笛音域更丰富，采用枫木制作而成，音色比较响亮清脆，适合年纪大一些的孩子，有九个笛孔，音域为c2—c4（两个八度），我们可以吹奏出完整的音阶。科乐耳竖笛从上到下被磨出了三个平面，笛孔分布在三个平面上，这样的设计可以保证手指能够稳稳地按在笛子上，防止打滑。

（二）巴洛克竖笛

巴洛克竖笛即八孔英式竖笛，是文艺复兴和巴洛克时期的一种重要乐器。与我国中小学生广泛使用的德式八孔竖笛不同，吹奏八孔英式竖笛要求采用交叉指法，入门难度更高，但它在转调和音准上比德式竖笛表现优秀。巴洛克竖笛根据大小和音高的不同可以被分为八种类型，华德福学校中最常采用的是高音竖笛（c2—d4）、中音竖笛（f1—g3），次中音竖笛（c1—d3）和低音竖笛（f—g2）。尽管它们的大小、音高不同，但构造、指法和演奏方法是基本相同的。[3]

三、不同年级的竖笛教学策略

华德福音乐教育理念认为孩子在不同的年龄阶段有不同的音乐需求，因此竖笛教学也会根据不同时期孩子的特点分阶段进行。

（一）一、二年级

在华德福学校里，一、二年级的孩子学习的是科乐耳五音竖笛。首先，五音竖笛的强弱对比度被限定在一个范围内，没有大幅度的强弱变化，音乐也就更为柔美，这正契合了低年龄段的需求。其次，科乐耳五音竖笛的音量较小，可以保护幼儿的听力。最后，传统竖笛在同一指法下加大气流时会出现高八度音或者泛音，但科乐耳五音竖笛在制作时则尽量避免了这一现象，这样也就更加适合儿童并不稳定的气息状态，使他们演奏起来更加轻松。斯坦纳认为一年级的孩子应该生活在第五氛围音乐环境中，这种音乐以GABDE五音音阶为基础，以除主G以外的音符开始和结束，一般以A开始和结束或以A为中心，旋律通常是下行的，第五氛围音乐这种漂浮的感觉适合一年级的孩子。到了二年级，孩子渴望“更直言不讳的音乐语言，更直言不讳的乐曲结尾”，第五氛围音乐逐步被更纯粹的五音旋律所取代，乐曲会有明确的结束音——五音的G大调和五音E小调。刚开始教学时，老师只教孩子们吹奏他们已经掌握的歌曲，课程通常会在唱歌和演奏之间交替进行。练习初期，手指和孔的紧密配合、笛嘴与唇的45度配合、坐姿和站姿等是需要老师在练习过程中反复帮助孩子调整的关键细节。教学课堂往往采用十几支甚至几十支竖笛一起齐奏的形式而非独奏，这种集体演奏有助于培养孩子关于“他是整体的一部分”的意识。一、二年级的孩子通过演奏竖笛体验节奏、旋律、音色，但不会学习抽象的音乐概念，也不会读谱。孩子通过老师的指法示范学习吹奏，通过重复的练习记住歌曲旋律，在以后他们将会有意识地逐渐理解这些音乐概念。教学内容也并非仅仅是用笛子演奏歌曲，还包括一些笛音传递游戏、聆听游戏。此外，由于科乐耳五音竖笛没有C、F音，除去了相对不和谐的音程，孩子怎么吹都不会出现不和谐的音乐，因此非常适合用于孩子的即兴演奏。当二年级结束后，这些8岁左右的孩子便能自如、整齐地吹奏出在这一学年里学过的十几首曲目，并通过竖笛即兴演奏短曲，与老师、同学进行音乐互动游戏。

（二）三、四年级

三年级时，孩子要经历斯坦纳所说的“九岁转变”的内在转化。孩子开始发现自己逐渐与自然而然结合在一起的世界分离，因此教师选择的音乐必须反映出孩子的这种变化。孩子即将告别五声音阶，进入全音阶音乐的世界。在一、二年级时使用科乐耳五音竖笛的孩子开始学习用科乐耳七音竖笛吹奏C调（也有一些学校会选择巴洛克高音竖笛，即八孔英式高音竖笛）以及全音阶的歌曲（包括大调和小调，主要是C大调和a小调、G大调和e小调），以充满想象力的方式通过乐谱了解音高、节奏和调性的概念。基于扎实的五音竖笛基础，经过大约2个月的转换期，大部分孩子都能适应从五音竖笛到七音竖笛的转变，并熟练演奏乐曲。在竖笛曲目的选择上，孩子会学习两种类型的乐曲：一种是用于歌唱的乐曲，主要与歌词文字有关。一、二年级学生学习的是五度氛围及五声音阶的歌曲，到了三年级之后，孩子开始接触全音阶歌曲。另一种是用以学习吹奏技巧以及乐谱的歌曲。教师对于这些歌曲的选择要充分考虑到技巧性。四年级时，教师要通过新音符、新调性、新的节奏概念等新元素来扩充学习内容。有些新音符需要孩子利用简短的练习曲反复练习，在身体习惯之后，孩子才能在歌曲中应用自如。如果新的音符已经出现过，那么当孩子在阅读新的乐谱时，老师最好不要在竖笛上示范指法，而且可以一边唱谱一边指挥，使孩子停止对指法示范的依赖，这样才有利于孩子学习读乐谱。孩子在歌曲中可以体验轮唱、对唱以及其他逐步接近分声部合唱的形式。相同旋律的重复交替可以营造出和声的感觉，为孩子以后学习和声打下基础。同样，竖笛训练也不再只有单一的齐奏方式，孩子可以像轮唱时一样，分成两部、三部或四部进行练习。七音竖笛相比五音竖笛音域更宽，表现力也更强，所以孩子在竖笛即兴演奏时可以进行更多个性化表达。

（三）五、六年级

进入五年级后，有些孩子的声音开始变低，他们对于高音可能有些厌烦，因此教师在音乐活动中可以加入一些较低的音符。科乐耳七音竖笛的音域为c2—c4，集中在高音区，无法演奏出低音，因此华德福学校在五年级时引入了巴洛克中音竖笛，即八孔英式中音竖笛。孩子学习中音竖笛时需要掌握新的指法，这段时间可以把高音笛放在一边，完全投入中音竖笛指法练习。通过练习简单的歌曲，孩子会逐渐掌握吹奏中音竖笛的能力。孩子从科乐耳七音竖笛过渡到中音竖笛时一般不会产生指法上的混乱。他们开始学习中音竖笛的时候就好像接触到了一个新的乐器，因而能够很自然地接受这种新指法，就像从科乐耳五音竖笛过渡到科乐耳七音竖笛时一样。孩子进入五年级后，并不是不再学习科乐耳七音竖笛了，老师会教学生吹出更多的音符，让学生可以利用这些音符吹奏不同调的曲子。在五年级时引入巴洛克竖笛还有一个重要原因，那就是孩子从五年级开始学习和声，并在歌唱和乐器演奏方面进行多声部练习。巴洛克竖笛不仅适合独奏，而且也有很多经典的双声部、三声部、四声部作品可以用于课堂演奏。巴洛克竖笛的音质和科乐耳竖笛很不一样，拥有丰富的泛音，更适合五、六年级的学生去欣赏和体验。竖笛四重奏（高音、中音、次中音、低音）会形成很美妙的音响效果，孩子也会更加享受吹奏具有丰富挑战性的多声部作品。次中音竖笛的指法与高音竖笛完全相同，但是因为笛身较长，孩子需要练习手指的延伸。低音竖笛与中音竖笛指法相同，其笛身比次中音竖笛要长，所以对孩子的身高和手的大小有一定要求。孩子学习低音竖笛时还需要认识低音谱号，因此学过大提琴或钢琴的孩子能够比较快上手。孩子在熟悉了三个升号和三个降号范围内的音阶后，就可以开始尝试更多伟大作曲家的经典作品。老师需要根据班级内学生学习的竖笛种类和演奏水平，寻找适合他们的二重奏、三重奏、四重奏作品。这样的合奏练习不仅丰富了学生的乐器演奏体验，而且还可以培养学生的多声部思维和团队协作能力。

四、结语

华德福教育体系充满着艺术气息，音乐是其中不可或缺的重要内容。竖笛作为华德福学校的孩子学习的第一种乐器，被广泛应用于音乐教学、晨圈、律动游戏和戏剧表演等各种教学活动中。华德福音乐教学活动选择的竖笛种类和独特的教学方法使得孩子在学习竖笛的过程更加愉悦，把鲜活的、治愈性的音乐融入孩子们的生活，不仅能让孩子掌握正确的吹奏方法，而且还可以引导孩子领悟音乐的本质。

作者：马昕 单位：南京艺术学院 音乐学院

音乐教育研究篇2

摘要随着我国经济社会的不断发展，我国人民生活质量逐渐提高，因此也更重视精神层面的提升。目前，我国教育行业不断发展进步，大部分高校都开设了音乐学科，音乐教育可以培养学生的音乐艺术素养，也是学生全面发展必不可少的一部分。音乐教师如果沿用传统的教学方式，就会导致音乐课堂枯燥无味，影响教学质量，而且降低了学生的音乐热情。因此在进行音乐教学的过程中，教师需要对课堂进行创新，提升课堂的趣味性，并提升教学质量。

关键词新时代；高校音乐教育；发展；创新路径探析

一、新时代音乐教育的重要意义

现阶段我国正在大力发展素质教育，其中必不可少的就是音乐教育，音乐教育有助于提升国民的综合素养，创建我国独特的社会主义精神，并且音乐教育有助于培养有素质、有文化、有理想、有道德、有纪律的社会主义传承人[1]。对经典音乐作品进行鉴赏，可以提升学生的审美能力和创造能力，而且音乐也体现了现实生活的本质，启发学生对于生活中的小事进行观察，也可以提升学生的综合素质水平。对音乐进行赏析，可以提升学生的审美能力，并且增强学生的创新能力，有效地开发学生的智力，有助于实现我国的精神文明建设。新时代背景下，各种文化相互融合，音乐教育也进行了相应创新和改革，音乐教育要能够调动学生的积极性，提升学生对于音乐的热情，帮助学生树立正确的价值观。

二、新时代高校音乐教育的发展特点

为了紧跟时展的步伐，大部分高校在音乐教育方面已经进行了适当改革和创新，贯彻落实“以人为本”的教育观念，坚持发展中国社会主义核心价值观，全面发展学用相结合的教育理念，只有这样才能提升高校的音乐教学质量和效率[2]。目前我国教育行业正在推动新课程改革，在这样的背景下，音乐教师需要对传统的教学方法进行完善和创新，融合创新性的教育理念，并且将音乐教育与思想政治教育工作巧妙地结合在一起，引导学生树立正确的人生观、价值观和世界观，帮助学生实现健康发展的目标。音乐作品一般都有独特的意境，能让学生敞开心扉，表达自己的观念想法。除此之外，音乐还可以充分调动学生的学习积极性，提升学生的音乐素养，帮助培养学生的创新能力，提升学生的音乐鉴赏能力。

三、高校音乐教育的现状

（一）音乐教学内容陈旧落后

从现阶段的高校音乐教育情况来看，在进行音乐教学的过程中，教师一般按照传统的教学观念，以教师为主体，以教师个人的主观意识为基础，将自身的教学经验与科研动态结合在一起，力求创建更科学化的音乐教育体系。受到传统教育观念的影响，教师的思想比较落后，忽视了对教学方法的创新和改革，降低了教学质量和教学效率，减少了学生的学习热情。现阶段我们国家大部分高校的教材内容不够完善，音乐素材比较陈旧落后，无法与新时展相结合，而且受到教学体质的约束，教材内容没有办法满足学生全面发展的需求。

（二）教学设备不完善，学生缺乏学习热情

从我国现阶段音乐教育的发展状况来看，大部分的高校缺乏基础音乐设施，而且学校也没有意识到基础音乐设施的重要性。在教师进行音乐教学的过程中，需要使用各式各样的设备以帮助完成教学内容，而且音乐设施的使用也有助于提升教学质量，营造轻松愉快的课堂氛围。但是部分高校教师在进行音乐教学的过程中不经常使用音乐设施，由于过长时间不使用导致音乐设施存在各种问题，比如老化、缺少零件等等。除此之外，即使教师在课上使用音乐设施，但是音乐设施比较老旧，无法保证教学质量，这也从根本上阻碍了高校音乐教育的可持续发展[3]。而且现在学生选择音乐专业进行学习的主要目的是获得学历，并且可以顺利求职，这种思想观念与学校开设音乐专业的目的并不相符，也造成了音乐教育的质量和效率较低。加上现阶段社会的飞速进步和发展，学生没有办法全身心地投入音乐学习中，也没有意识到音乐教育的重要性，对于音乐的学习缺少兴趣和热情。

（三）缺乏正确的教学方法

随着时代的发展，传统的“填鸭式”教学方法已经无法满足当代学生的发展需求，因此教师需要对自身的教学方法进行创新，创建更科学、合理化的教学方法。在传统的教学方法中，教师是课堂的领导者，而且教师在教学过程中更重视学生的理论知识掌握情况，忽视了对学生实践能力的培养。这种教学方法抑制了学生的全面发展，而且学生也是在被动学习，无法提升自身的创新创造能力，无法发挥学生的主体地位，进而降低了学生音乐素养。此外，这样的教学方式也导致了课堂氛围枯燥、单一，学生的参与性较低。

（四）课程设置缺乏合理性

纵观目前教育行业的发展状况，我国正在推行新课程改革，因此对于音乐教育也提出了新的要求。但是现在大部分音乐教师的职称几乎都和科研成果密不可分，这也造成了大部分音乐教师在进行音乐教学的过程中，更注重音乐方面的科研动态情况。教师进行教学的主要目的是完成科研任务，却忽视了教学质量和教学效率以及学生的学习吸收情况。而且现在大部分的音乐教材内容比较落后，无法和当前文化的发展相结合，学生在音乐知识学习过程中，没有办法很好地对知识点进行吸收理解，而且无法完善健全自身的知识结构。此外，现在教师在进行音乐教学的过程中，对于时间和精力的投入较少，而且教学课程设置缺乏合理性，这（）样也无法满足学生对于音乐学习的需求。

四、新时代高校音乐教育的创新路径探析

（一）加强音乐艺术实践性教学

在教师进行音乐教学的过程中，一定要紧跟时展的步伐，满足当代学生的需求，重视培养学生的实践能力。教师在详细讲解音乐知识之后，可以鼓励学生进行音乐创作，帮助学生扩展知识面，比如向学生介绍舞台设计、配乐朗诵等与音乐教育相关的知识点，增强学生的音乐素养。除此之外，学校也需要对音乐教育给予一定的支持，比如支持学生自行组建音乐合唱团，鼓励学生参与各种音乐活动，像歌唱比赛、创作比赛等，这样不仅可以提升学生的音乐素养，还可以培养学生的团队合作能力和竞争意识，增强学生的社会责任感和认同感，也帮助培养了学生的创新能力，进而实现全面发展的教育目标。

（二）应用“课内外学习”的教学方式

为了实现学生全面发展的教育目标，教师需要对自身的教育方式进行创新改革。教师在进行教学的过程中，可以应用“课内外学习”的教学方式，采取多元化的教学方式进行教学。在进行音乐赏析时，教师可以选择不同类型的音乐，因为不同作品表达的内涵和思想感情也是不同的，音乐的类目也具有一定的差异性。因此，教师在进行教学的过程中一定要重视选择多种音乐类型，引导学生用心感受音乐带给我们的情感波动，这样也可以有效地提升学生的学习质量和学习效率[4]。随着我国科学技术的不断进步，在音乐教学时教师也应该积极应用多媒体技术，帮助学生拓展音乐学习，教师可以利用多媒体技术为同学播放与教材内容相关的视频或者音频，这样可以让学生对音乐更有兴趣，调动学习积极性。课下教师也可以利用新媒体技术，帮助学生巩固复习课上的知识点，教师可以推荐学生观看学习相关的音乐曲目或者音乐剧。这种学习方式不受时间、地点的限制，对于学生来说相对自由，也不会耽误学生时间，学生可以合理利用课余时间进行学习。

（三）对教学理念进行创新改革

高校教师在进行音乐教育时自身需要具备较强的音乐素养和综合素质，同时需要具有较强的教学能力，全面发挥教学的作用和优势，对传统的教学理念进行创新改革，创新音乐教学体系，并明确当前的教学目标以及教学内容，全面培养学生的音乐素养、审美能力和艺术细胞。同时教师也需要培养学生的艺术情趣以及创新意识，增强学生对于音乐的兴趣和热情，调动学生的积极性，培养学生的创新创作能力以及自主思维能力[5]。教师在进行教学的过程中，需要完善优化教学模式以及教学理念，全面调动学生的积极性，进而提升学生对于音乐学习的兴趣和热情，调动学生的主观能动性，这样也有助于培养学生的创新能力以及独立思考、解决问题的能力。除此之外，教师在进行教学的过程中可以应用分层教学法，针对不同学生的学习强度以及特点进行教学，对于音乐基础较为薄弱的学生，教师需要加大教学力度。教师在进行歌曲教学的过程中，需要积极发挥自身的引导作用，设计有趣的教学活动，与学生共同完成教学任务，这样也在一定程度上也增强了学生的综合实践能力，培养了学生的独立思考能力，并进一步挖掘学生的音乐潜能。当学生完成演唱之后，教师需要对学生进行客观评价，并给予相应的意见和建议。我国科学技术水平的不断进步和优化也在一定程度上促进了音乐教育的发展，因此教师在进行音乐教育的过程中，可以结合信息化手段和科学技术丰富教学内容，完善教学条件，将现代化、智能化以及信息化的时代特点融入音乐教学中，丰富教学资源内容。

（四）合理融入德育教育理念

受到时展的影响，高校音乐教育为了更好地顺应时代潮流，跟随时代前进的脚步，以及实现学生全面发展的目标，教师需要不断创新和完善教学理念以及教学模式。教师在进行教学的过程中需要与德育教育理念相结合，完善课程教学模式，对教学内容进行科学合理规划，以学生的差异性为基础，考虑学生个性特点的不同以及对知识的实际需求，根据实际教学情况对教学内容进行整改，选择更适合学生发展的教学内容和教学素材。教师可以应用全新的教学方式开展教学活动，同时也需要选择最为合适的教学模式以及教学手段，这样可以充分调动学生对于音乐学习的积极性，提升学生的学习热情。与此同时，融入德育教育理念的音乐教学更符合当今时代的发展，利用音乐课堂的教学活动，教师可以在课上教学生演唱爱国歌曲、红色歌曲等等，这样做可以有效地提升学生音乐水平，同时也在无形之中引导学生树立正确的人生观、价值观和世界观，养成正确的思想行为观念，还可以培养学生的爱国主义思想。比如教师在进行课堂教学的过程中，可以教授学生演唱歌曲《我的中国心》。在进行演唱之前，教师可以先对歌曲的创作背景进行详细讲解，使学生全面了解歌曲的中心思想，同时需要向学生介绍歌词的实质性含义，引导学生正确理解歌曲内涵，并且让学生投入歌曲之中，反复琢磨歌词的意境。教师还可以让学生在课上进行讨论交流，最后教师对其进行总结，这样不仅加深了学生的印象，而且也在一定程度上培养了学生的爱国主义情怀，推动了音乐教学的改革发展。除此之外，高校也可以根据自身的实际情况，开展课外活动，比如组织红歌竞赛、班级表演等活动，教师可以鼓励学生积极参与到活动中，让学生在活动中了解歌曲的历史性意义，这在很大程度上提升了教学质量和教学效率，在丰富学生精神世界的同时，促进学生的全面发展。

五、结语

综上所述，在新时代背景的影响下，高校进行音乐教育是实现素质教育的重要环节，但是在实际教学过程中依然面临着各种问题。为了妥善解决这些问题，首先学校要意识到音乐教育的重要性，并且创新教学模式，采用多元化的教学方法进行教学，同时教师在教学过程中可以融入德育教育理念，这样也有助于提升教学质量和教学效率，帮助培养学生的审美能力，促进学生的全面发展。

音乐教育研究篇3

作者：刘昱君  单位：广西师范大学 音乐学院

摘要奥尔夫教学法作为当今世界最具影响力的三大音乐教学系统之一，其世界领先的音乐教学思想与独到的教学模式始终被全球音乐教育工作者所青睐。奥尔夫音乐教学法强调以儿童为中心的教学宗旨，其多样化的音乐教学方法可以充分调动儿童的音乐兴趣并发掘其音乐潜力，以适应儿童的心理特点。奥尔夫音乐教育理念遵循学龄前儿童的心理特点，顺应了儿童的音乐天性，在课堂教学中善于利用游戏来调动儿童的音乐兴趣，引导教师将本国音乐文化融入其中，并且在课堂中启发儿童创新即兴音乐写作的训练方法和教育理念，应该被相关教育工作者加以总结和推广。

关键词奥尔夫教学法；学前教育；应用研究

奥尔夫教学法是当今世界上十分常用的音乐教学方法，以其独特的教学理念和创新的教学方法，成为学前教育专业音乐训练的良好参考，其强调创新的特色适应了新时代的人才培养方向。探究奥尔夫教学法在儿童音乐教育中的实际运用和在奥尔夫音乐理念引导下的儿童音乐教育改革创新的基本思路，对于全面提高幼儿园的音乐教育质量，提高孩子的音乐技能与综合素养，以及培育孩子们活泼开朗的性格具有特殊意义。奥尔夫教学法是一种新的音乐教学方法，在音乐教育实践过程中得到了广泛应用，其优点是在应用方面十分灵活。奥尔夫教学法在学前音乐教育中的应用将有效地改善中国学前音乐教育现状，从而提高学前音乐教育质量。

一、奥尔夫音乐教学法的意义和特征

（一）奥尔夫音乐教学法的意义内涵

歌声是表现一个人内心世界的窗口，可以将人的思想感情完全展现出来。奥尔夫教学法在一定程度上改变了传统常规的幼儿音乐教学方法，更全面地将音乐理论知识和实际教学活动相结合，把由老师领唱主导，孩子们被动模仿的传统教学方法，转化为更加强调孩子们在音乐学习过程中的实践经验的科学教学方法。奥尔夫音乐教学法将幼儿情绪通过不同形式表现出来，使孩子们更全面地发展了想象力、创造力与实践能力，进而提升了孩子的音乐才能、情绪意识与情感体验能力。

（二）奥尔夫音乐教学法的特征

兴趣是最好的老师。只有从一开始就充分激发幼儿学习音乐的兴趣，才能为儿童未来的音乐学习奠定基础。奥尔夫教学法的核心是为儿童发展提供更广阔的空间，在课程中融入音乐旋律语言等，充分挖掘音乐作品的内容，促进孩子脑部发育，激发孩子逻辑能力、逻辑思维和身心协调能力，培育孩子团体协作精神，使孩子获得自主掌握音乐作品的能力的同时，培养孩子体验与鉴赏美的能力，使得孩子的综合素养能获得进一步提升。

二、奥尔夫音乐教学法在学前教育中应用的重要性

当下，我国大部分学前教育专业教师依然使用传统教学方法。以音乐教师为例，在进行学前教育专业的音乐教学时，他们往往只采用教授基本乐理知识和演唱练习的传统教学模式来进行课堂教学，严重忽略了学生在音乐学习过程中的自主性、创造力和积极性，从而大大降低了学生对音乐学习的兴趣。音乐教学在中国当前的幼儿教育中占有很大比重，因此如果教师能够合理利用奥尔夫音乐教学法，将会极大地促进学校幼儿教育专业学生日后在音乐教学方面的全面发展，使其在实际进行音乐课堂教学时能够更加得心应手，从而全面培养学生的音乐学习兴趣。

三、奥尔夫音乐教学法应当注重培养方式和教学方法

（一）应当注重创造性培养

奥尔夫音乐教育法比较关注儿童的学习兴趣与音乐体验。对于教师而言，怎样培养儿童的音乐创意以及对音乐生命的感受才是奥尔夫音乐教育法的主要侧重点。在音乐教学中，老师不过分要求音乐音准的正确与否以及儿童对音乐表达技巧的熟练程度，但是即使在音乐教学即兴课堂中，老师对于儿童的音乐创作也常常缺乏全面引导。这正是奥尔夫音乐教学法所倡导的最纯正的音乐探索，因此奥尔夫音乐教学法更注重这种最古老自然的即兴表达。

（二）应当注重参与性培养

奥尔夫音乐教学法应当注重参与性，从而使儿童积极主动地参加音乐活动，通过音乐和人体动作的结合来表现自身情感，最终与自身音乐思维引起情感共鸣并产生自我音乐感受。奥尔夫音乐教学法同时也突出了音乐和肢体动作之间天人合一的状态。这不仅是因为音乐与动作结合才是儿童对人类本质情感的最直接表达方式，而且还因为奥尔夫音乐教学法正希望儿童能够回归音乐艺术中的最原始自由的美。

（三）奥尔夫音乐教学法的基本方法

奥尔夫音乐教学法与我国当前的教学理念保持一致，都强调音乐要以人为本，都能够帮助音乐学习者更全方位地投入音乐艺术中，从而切身感受到音乐的特殊魅力，锻炼艺术实践能力。这样也可以更有效地启发学校老师将音乐教育与其他专业课程互相结合，进而提高学校各个领域的音乐教学水平。

四、当下我国音乐学前教育存在的弊端

（一）教育资源使用不充分

目前，传统的儿童器乐创作教学模式对于中国儿童音乐教学的整体发展没有足够贡献。在音乐教育活动开展前，许多学校关于教育资源的利用是不充分的，导致孩子们不能积极参与整个音乐教育流程。音乐教师只有充分利用各种各样的音乐教育资源，增强孩子对音乐的感知，给予孩子充分的情感感受，激发孩子对音乐活动的兴趣，才能实现良好的音乐活动效果。

（二）忽略了情绪情感

音乐老师过分关注孩子掌握的歌曲技巧，而忽视了孩子经过歌曲练习所产生的实践经验和情绪情感。在音乐教育实践活动中，很多教师和父母都期望孩子能够以最快速度完成音乐学习目标。在孩子们比较迅速地掌握了一些歌词含义之后，就形成了由教师指导学生进行歌曲训练的现象。这些教学方法往往忽略了音乐教学活动的基本要求，儿童无法对音乐教学活动产生浓厚兴趣，最终影响了儿童对音乐美的感受。

五、奥尔夫音乐教学法的具体应用策略

（一）利用教学主导作用强化学生主体地位

现阶段，幼儿教育专业的学生普遍缺乏规范化的音乐教育经验，在入校前没有经过艺术考试，只是依靠对幼儿教育热爱，因此对音乐基本技能的了解并不充分。因此在培训学前教育专业学生时，老师们应该发挥教师的主导作用，以提高学校的本体地位，同时吸取奥尔夫音乐教学法的精华，从而真正做到以学生为本，向学生们提出适合其实际状况的音乐教育课程目标和音乐教学计划。随着奥尔夫音乐教学法的深入普及，对各个年龄的音乐学习者也会有所侧重。针对学前教学专业的学生，老师首先要指导本校学生更加深入地探究学前教育时期幼儿所特有的生理与心理特点，探索如何调动幼儿的内心情感，为孩子们创造一种较为轻松的音乐学习环境，使孩子们能够以自由开放的心态融入音乐学习课程。

（二）激发音乐学习兴趣

开展学前音乐教育的关键目标是培养幼儿学习音乐的兴趣。在学前音乐教育活动中，教师应该全面了解孩子的天性，同时根据学前阶段孩子们兴趣强、好动好玩、擅长展示自我能力等特征，进一步设定目标，更加科学地开展音乐教育活动。奥尔夫音乐教学法在应用过程中，要求以培养孩子的音乐兴趣和感受能力为先，从而形成有趣的学习体验。老师能够引导孩子们发出不同特点的声音，这就是儿童对于音乐最直接的了解和最单纯的体验。

（三）融合艺术才能，提高音乐素质

奥尔夫音乐教学法的运用，有利于孩子们综合能力的培养。教师要根据学前幼儿活泼好动、兴趣强烈的特征，坚持理论知识和实践经验相结合的基本原则，使孩子们可以在多方面运用各种方法来表现自己对音乐的认识与感受。通过各种手段进行音乐教学，比如把音乐元素运用在儿童故事讲解等教学活动中，使音乐和各种艺术表现方式融为一体，使音乐教学活动变得更加丰富多彩，更具有趣味性，有效提升教育效果。

六、结语

奥尔夫音乐教学法作为先进的音乐教育理念，强调多样化的教学方式，调动充足的教育资源来适应学龄前儿童的心理特点。针对学龄前儿童的音乐文化教育可以提高儿童的音乐综合素养。通过奥尔夫音乐教学法，家长能够更多地参与音乐教学活动，加强了家长和孩子之间的联系，从而更好地培养孩子的个性和社交能力。

作者：曹晓宁 刘燕 单位：固原市职业技术学校

音乐教育研究篇4

摘要钢琴诞生于西方，传入我国后，经过百余年的发展，我国钢琴艺术正逐渐走向成熟，出现了一大批钢琴艺术人才。如今，我国的不少高校开设了音乐教育专业，音乐教育专业将钢琴课程作为重点的课程。钢琴课程能够提升学生对音乐的领悟力，使其艺术修养得到提升，但是目前我国不少的高校钢琴课程还存在着一些不足，影响了钢琴课程教学的开展，本文主要研究钢琴课程的教学改革，针对现状，提出了一些适当的措施。

关键词音乐教育专业；钢琴课程；教学改革

钢琴是一种能够提升学生音乐技能的乐器。钢琴教育在音乐教育中占据着重要的地位。改革开放以来，我国社会经济迅速发展，人们的物质生活水平得到了很大的提升，在此背景下，人们逐渐开始追求精神世界。如今，不少的高校开设了音乐教育专业，这为学生音乐素养的提升提供了良好的保障。在音乐教育专业中，钢琴教育发挥着至关重要的作用，钢琴外观精良，是一种具有良好旋律感的乐器，适合不同音乐基础的学生练习使用，本文重要研究音乐教育专业中钢琴课程的教学改革，并针对教学现状提出了一些适当的策略。

一、钢琴教学中的音乐艺术技巧

音乐是一种注重听觉的艺术，能够调动听者的感官与想象，听者跟着音乐的节奏游走于音乐的旋律中，会产生一种精神上的愉悦与享受。钢琴是一种优质的乐器，兼具多重功能，学生在钢琴的练习中将会提升自身的音乐技能，并通过钢琴演奏掌握一些音乐艺术技巧，学生的音乐视野也能得到拓展[1]。在钢琴音乐教学中，经常会出现这样一种现象，即不能协调好音乐与技术的关系。有时，钢琴演奏者只重视钢琴演奏的技术，如当前的一些高校教师只重视教授学生钢琴技术，在钢琴课程的设置上，一味注重难度训练和技巧训练，忽略了对音乐风格、音乐内容的讲授，这就导致学生没有良好的音乐表现力，虽然技术较为成熟，但是在演奏时没有感情色彩，不能带给人一种情感上的享受，这就背离了钢琴教学的初衷；有的高校在课程设置上只重视音乐表现能力的培养，忽略了钢琴技术的塑造。此时，学生往往对音乐演奏内容有着较为深刻的理解，对音乐风格、应当投入的感情非常熟悉，但是自身的演奏技术却不尽如人意，长此以往，这对学生的发展将带来不利影响。对于钢琴教学来说，技术与音乐表现力是相辅相成的，二者缺一不可。

二、当前高校音乐教育专业钢琴课程教学中存在的主要问题

（一）教学模式僵化，教学方法单一

钢琴教学应当注重培养学生的积极主动性，使得学生在学习中能够领悟音乐美，能够提升自身的音乐演奏技巧，并提升自身的音乐素养和音乐技能。但是现阶段有的高校受到传统教学理念的影响，依然采用传统的灌输式教学模式，即教师在课堂上讲授演奏技巧，讲授音乐知识，并为学生示范演奏的方法，学生在课堂下听讲，并跟随教师的步伐来走，这种传统的教学模式已经不能适应现在钢琴教学的需要了。现在的钢琴教学注重培养实践性和技术性人才，但是这种教学模式忽略了学生的主观能动性，最终学生的学习水平和创新能力都会下降。灌输式教学忽略了学生的实际掌握情况，教师不能充分了解学生的学习效果，而且在这一过程中不能和学生进行良好的互动，长此以往，就会降低学生的学习积极性。因此，灌输式教学不能满足学生的多元化发展需求，不能达到理想的教学效果，会降低学生对学习钢琴的积极性，不利于他们学习质量的提高和音乐素养的提升[2]。

（二）教学理念需要得到改进

当前，在高校的钢琴教学课程中还存在着教学理念落后的情况，严重制约了钢琴课程教学质量。所谓教学理念，顾名思义，是对教学活动内在规律和外在表现的集中认知，并将其落实到具体的教学实践中，从而提升教学质量，同时教学理念还是教师和学校恪守的准则和信念[3]。高校钢琴教学理念即教师把握和掌控好钢琴教学的规律，并运用正确的思想和方法使学生具备一定的钢琴能力，并最终提升音乐素养。在当前情况下，高校的钢琴教学的教学理念严重滞后，具体体现为以下几个方面：一是教师无法营造良好的教学情境，大多数教师秉持机械式的教学方式，尽可能地向学生讲授钢琴的知识内容，而不能将学生吸引到钢琴教学的意境中去，大多数学生认为学习钢琴课程是一种负担和复杂的任务，而不能发现钢琴学习的乐趣，不能领略钢琴艺术之美；二是只重视理论教学不重视实践教学，钢琴教学需要学生亲身体验，需要学生操作钢琴来提升自己的钢琴水平，但是有的高校钢琴理论课很充足，实践课程却比较匮乏，长此以往，学生会变成理论知识中的巨人，实践中的“矮子”，学生的钢琴能力和音乐技能都会受到影响。

（三）钢琴教学目标出现偏差

在高校的音乐教育专业中，教学方向比较特别，设置钢琴教学的目的是培养具有师范性质的钢琴人才，这部分钢琴人才偏社会实践性，将来会从事钢琴教学工作。因此，在这个教学目标的引导下，钢琴教学的目标就会出现一定程度的偏差，主要体现在以下几个方面：一是不少的高校在设置钢琴课程时，教学内容仅仅局限于教材上的知识和一些基础的演奏技巧，不能深入地理解钢琴教学的内涵及初衷，认为钢琴教学课程只需完成最基本的教学任务即可，这样培养的钢琴人才就不能适应时代和社会发展的需要；二是有的高校在设置钢琴教学目标时，只重视钢琴技术的教导，而不重视学生综合钢琴素养的提升，综合钢琴素养包含对钢琴乐曲的理解力、钢琴音乐的创造力和欣赏力等，这些钢琴素养需要慢慢培养，需要耗费一定的时间，但是不少的高校就忽略了这一点[4]。

三、提升高校钢琴教学质量的具体策略

（一）改革教学方法，合理设置钢琴课程

高校应当根据钢琴课程教学的实际，以提升钢琴课的教学质量、提升学生的钢琴能力为原则，不断地对钢琴教学方法进行改革，并合理设置钢琴课程。因此，应当从以下两大方向来开展：教师应当改变过往的机械的“灌输式”教学方法，提升学生的学习积极性，使学生主动参与钢琴课程教学，提升学生的兴趣，从而取得良好的教学效果。首先教师在课堂上应当营造良好的氛围，注意使学生成为课堂的主导者，发挥其主观能动性，教师在讲完课程的理论内容后，应当留给学生自由讨论的时间，例如，将学生分为好几个小组，使其能够自由、充分地讨论学习的内容，并能够交流自己的意见和想法，当学生遇见不理解的地方时，能够在相互合作中加以解决，使学生在自主探究中提升钢琴知识素养。在此过程中，教师作为一个引导者，积极地帮助学生解决不懂的难题。通过这种方式钢琴课堂教学也变得丰富多彩，也给了学生一个展示自我、互相学习的机会[5]。此外，还应当合理设置钢琴课程。高校音乐教育专业的钢琴课程的设置应当遵循客观实际，除了满足教学大纲的要求外，还要注重对学生实际能力的培养。首先，应当合理设置专业课程和基础课程，应当根据不同学生的钢琴能力适当地优化钢琴课程的设置，学生的钢琴能力和基础可以分为三个层次，分别为优秀、良好和及格及以下，因此，教师应当根据这三种情况来设置课程。基础课程主要面向及格及以下的学生，这部分学生钢琴基础和能力一般，应当通过基础课程的强化，使其具备一定的钢琴基础，从而为以后的学习打下基础，专业课程主要面对优秀及良好层次的学生，这一部分学生往往具备一定的钢琴基础，良好层次的学生需要提升钢琴技能，优秀的学生往往具备一定的钢琴技能，此时应当注意提升其钢琴演奏技巧，并拓宽他们的专业知识面，使其能力更上一层楼。此外，还应当将理论课程和实践课程结合起来，并合理优化课程的布局和时长，理论课程的学习是为实践课程打基础，因此，理论课程的设置应当围绕实践课程来展开，实践课程应当注意提升学生的钢琴技术，既要注重提升钢琴的演奏技巧，还要注重培养学生的钢琴音乐表现力，使得学生的综合钢琴素养循序渐进地提高。

（二）提升学生的实践演奏能力，使得钢琴教学音乐性更强

在钢琴教学中，实践演奏能力是关键，因此高校应当注重培养实践能力，使得钢琴教学体现出较强的艺术性和音乐性。首先，高校应当加强实践课程的应用，将国际上先进的钢琴教育方法融合到实践教学中，使实践教学充满更多的可能性，此外，还应当尽可能地为学生创造实践的机会，如积极鼓励学生参加文艺汇演活动，在活动中提升其钢琴技能，此外还可以在校园内举办钢琴比赛，使学生踊跃参加，营造良好的钢琴文化氛围，使得学生在潜移默化中提升钢琴能力；其次，应当注意提升学生的钢琴音乐理解能力，学生在钢琴演奏中会暴露出各种问题，教师应当根据具体情况进行指导，帮助学生及时改正错误，此外还应注意提升学生的钢琴演奏表现力，教师在指导学生练习演奏时，不仅要注意技巧上的训练，还应使学生充分理解钢琴乐曲中所包含的思想情感，使学生知其然还要知其所以然，使学生能够领悟和欣赏乐曲中的艺术美，并恰如其分地表现出来，获得一个较好的演奏效果，久而久之，学生的钢琴能力就会突飞猛进[6]。

四、总结