声乐演唱论文（汇总8篇）
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声乐演唱论文【第一篇】
摘要：声乐演唱是一种以声音为物质材料来塑造形象、表达思想的艺术表现形式，它是人类心灵对世界感应的产物，体现着人类情感表现的自我创造和追求。那么演唱者如何才能将声音与情感融为一体，去揭示作品的思想内涵，并将审美感受和情感体验倾注在表演之中，这就需要演唱者具备较高的人文素养，以此为基础来增强对声音、作品、内容和表演形式等的综合理解能力，从而使演唱富有生命力，表现出震撼人心的艺术效果。
关键词：声乐演唱；人文素养；情感表现。
声乐是音乐艺术中一种将语言与音乐结合起来，用人声的歌唱形式来表达思想情感的音乐形式，它是人类在意识的支配下，通过艺术化的嗓音来发挥音乐性能、表现音乐形象的审美创造活动。声乐艺术建立在演唱者一定的音乐理论知识与音乐素养的基础之上，又通过科学的方法进行演唱技能的训练，使嗓音达到一定的艺术表演标准，并通过力求完美的技能技巧与艺术审美规范，达到表现作品思想与情感内涵的实践过程。
由此可见，声乐演唱不仅仅是一种技术技巧的表现，它的生命还在于传达音乐中丰富的思想内涵和情感。所谓人文素养是指由知识、能力、情感、意志等多方面因素综合而成的一个人在人文方面所具有的内在品质或达到的发展程度。在这里，“人文”是指包括哲学、政治、文学、历史、经济学、法学等科目的“人文科学”；“素养”是人长期实践和训练所形成的“能力要素”和“精神要素”的组合。
因此，人文素养是人所应当具备的基本品质和基本态度，外在表现为一个人的人格、学识、气质、修养等成为人的相对稳定的精神品质，它对人的思维方式、心理机制、情感世界、意志能力、价值取向、审美体验、意识形态和理想模式都具有深刻的影响。声乐演唱是一种综合性的艺术表现形式，绝非只是简单地将音符和文字符号演变成声音的过程，而一定是歌唱者自身思想情感与人生体验的外化，更是其艺术观、审美观等人文素养的综合。演唱者只有从歌唱声音、音乐感觉、情感表现、艺术形象等多方面去领悟和体会歌唱艺术的独特魅力，去挖掘作品表达的思想内容、艺术意境、音乐主题、语言韵律、风格特点，并将自身的审美感受和情感体验倾注于演唱中，才能将美的声音与情感融为一体去呈现作品的思想内涵和情感，从而赋予音乐真正的生命力，表达出震撼人心的艺术效果。
一、人文素养在声乐演唱中的作用。
人文素养是声乐艺术的灵魂。众所周知，声乐演唱是歌声、音乐和文学语言三者的结合体，这其中，演唱者的知识水平和人文素养往往决定着对音乐作品的理解、感悟和表达，如若演唱者的人文素养低下，文化底蕴欠缺，那么在演唱中他对歌词及创作背景的理解、对作品音乐风格的把握以及在对作品演绎中的情感处理等方面都会受到一定的影响。
（一）理解作品。
声乐作品的内在表现是词曲作者的写作宗旨，而最终所要实现的是欣赏者从演唱中体会到歌曲所表达的思想和情感内涵，从而获得美的享受。这就要求演唱者首先理解作品，了解作品的创作背景与歌词内涵，以及创作者意图通过作品向欣赏者所表达的思想情感，这就必然要求演唱者具备深厚的文化内涵和理解能力。优秀的声乐作品大都体现着极强的文学性特征。要演唱好声乐作品，演唱者首先应该了解的是作者的创作初衷、作品产生的背景以及作品所要表现的思想内容和文学内容，在充分理解和把握的基础上，才能运用声音正确表现出作品的思想境界，表达出作品想要表达的意境与内涵。
而在此方面，演唱者的人文素养越高，对作品的理解就会越完整和准确，在演唱时也会更加细腻。反之，如果演唱者的人文素养低下，仅凭自我感觉来表现作品的情感内涵，只会使作品的处理变得随意和虚浮，演唱出来的音乐也只是缺乏理性把握的情感宣泄，更有甚者，则会完全违背作品的内在逻辑，与作品真正想要表现的思想内涵背道而驰。
（二）把握风格。
声乐作品的风格是指作品本身在思想内容和艺术手法等方面所体现出的某种特点，包括作品的历史风格、时代特征、地域特点、民族风格、音乐创作风格等。作为一种艺术表现形态，声乐作品的风格是从作品本身的个性特点出发的，在对风格的表现上要求演唱者的`声音既要符合作品的风格，又要适应欣赏者的听觉需求，既要与歌唱者的主观表现相吻合，又要联系到声乐作品本身的内容和形式。如果没有对作品风格的正确把握，即使有再高的演唱技巧也很难完整地表现出作品的真正内涵。然而，演唱者对于声乐作品风格的把握往往受到其文化层次、知识水平、思想领悟等多方面因素的影响，这必然要求演唱者应当具有相应的人文素养，能够清晰地了解音乐风格的差异和特性，在此基础上结合自身的领悟以准确地把握住作品风格，从而演泽出作品的独特风貌和神韵。
（三）创造情感。
“感人心者，莫先乎情”。情感体验是人类的一种心理现象，是人对客观事物的态度以及相应的行为反映，它能积极地影响和推动人的认知，激发想象和联想，提高思维的能动性和创造性。音乐的本质就是人类情感的表达和抒发，没有情感就没有艺术。一首好的声乐作品往往会浓缩着作者的一些精神生活记录，是创作者基于自身对现实世界和内心深处有感而发地通过作品表达的思想感情。作为演唱者，对所演唱的作品一定要有全面的理解和认识，并使自身情感受到触动，从而产生强烈的身心感受，产生出表达情感的强烈欲望，进而唤起表演时再创造的热情，才能更好地进行艺术的再创造。这一情感创造的过程可归纳为三个阶段，即理解情境，获得感受，表达情感。而深厚的人文素养有助于演唱者准确把握歌曲的情感和情绪，帮助演唱者更好地完成对于作品的情感创造。
人文素养对于声乐艺术的发展和促进具有重要的作用。对于一名声乐演唱者来说，除了要有扎实的理论功底和声乐演唱技术技巧之外，其自身人文素养的培养也是同等重要的。因此，声乐演唱者应不断增强自身的文化底蕴，提高自身文化道德素养，加深人文修养，才能更好地诠释和理解音乐作品，激发出内心歌唱的热情，从而淋漓尽致地表现出完整以至完美的音乐形象。
（一）在知识的熏陶中丰富人文素养。
众所周知，音乐艺术所要表现的最本质的属性即是文化，音乐艺术以其丰富多彩的形式与内容表现着人类文化的多元性特征。声乐演唱是综合性的音乐艺术形式，同样肩负着表现人类文化特性的任务。声乐作品对于文化意蕴的表现范围涉及文学、历史、民族、地域、风俗习惯、自然环境等多个传统和现代的文化领域，这就要求声乐演唱者首先应当找准文化的契合点，努力创设音乐知识的文化氛围，建立起文化意蕴演绎的环境，在知识的熏陶中自觉地丰富自身的人文素养。
如演唱者可以通过阅读多了解一些不同国家、不同民族的历史文化以及音乐家传记与音乐理论等方面的知识，多去听听中外音乐作品赏析，在音乐知识的渗透中学习文化知识，扩大文化视野，提高文化修养，以此来提高自身对于音乐作品的理解和欣赏能力，增强对演唱作品在历史背景、创作背景、音乐风格及内涵方面的正确认知和了解，以帮助其在演唱中更好地去诠释和演绎作品的思想和情感。
（二）在生活和演唱的实践中提升人文素养。
不同的人有着不同的生活经历。对于声乐演唱者来说，生活的实践和阅历可以增强演唱者对于作品的理解，在情感表达上也会表现出不同的差异。同样的歌曲，不同生活经历的人去演唱，其韵味会是完全不同的。生活是艺术创作的源泉，有着丰富生活经历的人才会对音乐有着更为深刻的理解，并在演唱中将自己对于生活的理解和感悟反映到作品当中，其唱出的歌曲才更加富有灵魂，才能更加打动人心。生活的体验丰富多样，包括生活阅历、文化活动、学习经历、社会交往等等，丰富的生活实践可以将人的思维带入到更加广阔的时空之中，开阔人的视野，提升人的素养。作为一名声乐演唱者，演唱的实践更是提高演唱者人文素养的重要形式之一，在声乐演唱中，演唱者在对音乐形象的演绎中用心去感悟，穿透音乐的表象去领会其背后所蕴含的思想内涵和情感表达，进而去领略音乐的文化意蕴，在对音乐情感与音乐美感的体验中，在音乐意蕴的表达中，自然而然地领悟到音乐文化的内涵，并从中积累丰富的文化底蕴，提升自身的人文素养。
（三）在情感的体验中培养人文素养。
情感活动是人类非常重要的一种心理活动。任何情感都是由客观事物引发的，都是人在认识客观事物的过程中对其所产生的一种态度和体验。声乐表演一方面是声音与语言的艺术，另一方面又是情感的艺术。声乐演唱的情感来自于声乐作品的内容，产生于演唱者对于作品的“认知”“态度”和“体验”的基础之上，情感产生的浓厚与淡薄，反映着演唱者对于作品的理解和感悟，即演唱者的人文素养。
随着声乐艺术的不断发展，声乐演唱的专业技巧在不断得以突破，通过科学的学习方法，要达到一定的演唱技术水平似乎变得比较简单。然而，越来越多的声乐演唱者们却更加关注歌唱艺术的情感表达。在声乐演唱中，优美的旋律通过歌词的引导和表现，能激发演唱者心中对于生活的热爱和真情，增强对于音乐的表达兴趣，从而提高演唱者的审美素养，促进其人文素养的形成和发展。一首好的声乐作品，只有通过声情并茂的歌唱表演才能具有真正的生命活力，而这能够传递情感的声音只有在歌唱者自身动情的前提之下，才能情牵动着声，传递出情，最终达到声情交融的动人效果。当演唱者具有了广博的人文素养基础，才能将丰富的情感灌注到每一个音符之中，才能赋予作品更多的生命力和想象空间，才能真正把作品唱活、唱好。
人文素养是声乐艺术的灵魂，无论是从声乐艺术的产生根源还是从声乐演唱的实践来看，都需要人文素养的积淀。人文素养越广博、越深厚，声乐艺术的境界就越高，声乐表演的世界就越宽广。因此，一位优秀的声乐表演者必须要努力提高自身的人文素养，并从中汲取营养，获得情感，丰富想象，这样才能真正地触摸到声乐艺术最深邃、最本质的内涵。
参考文献：
[1]杨忠.《歌唱的灵魂——情感体验》.赤峰学院学报，（06）.
[2]邹文丽.《声乐艺术与文学修养的关系》.影剧月报，（05）.
声乐演唱论文【第二篇】
发声训练是歌唱发声的一种综合性基本技能训练，学习唱歌必须从最基本的发声训练开始。无论是美声唱法、民族唱法、通俗唱法还是原生态唱法，我们在学习歌唱曲目前都必须进行发声训练，只有掌握了科学的发声方法，才能为演唱曲目打下良好的基础。发声训练是声乐教学中非常重要的教学内容，也是声乐专业学生必须掌握的基本功。本文主要探讨大学声乐教学中发声训练的有效方法，以提高大学声乐专业学生的声乐能力。
大学声乐教学;发声训练;有效方法。
声乐是以人的声带为主，配合口腔、舌头、鼻腔作用于气息，发出悦耳的、连续性、有节奏的声音。发声训练是声乐教学中非常重要的组成部分，进行发声训练的目的是为了更好的为演唱者与演唱作品服务。由于每个人的发声习惯、音色音域、嗓音条件都会有所差异，因此发声训练必须是有针对性的、有意识的训练。声乐学生在进行发声训练时要做到呼吸、发声及共鸣互相协调配合，以练就纯净而富有弹性的声音。但是发声训练并不是说只有长期坚持就能够达到理想的发音状态，而是要讲究发声练习的方法。我们只有掌握了科学的发声训练方法，并反复加强训练，才能用正确的发声位置进行歌唱，从而更好地演绎歌唱曲目。
掌握正确的发声姿势。
掌握正确的发声姿势有助于歌唱者对气息的运用与共鸣腔的协调，因此，正确的发声姿势可在很大程度上提升总体的歌唱效果。在进行发声训练时，首先要学习正确的发声姿势，这是歌唱者声音通畅、纯净的关键，也是声乐教学中的基本内容。据调查发现，部分大学声乐专业学生过于注重声乐技巧而忽视了最基本的发声姿势练习，这不利于声乐学生发声能力与声乐演唱能力的提高，所以，在日常的声乐教学过程中应加强学生对发声姿势的练习。要想掌握正确的发声姿势，则必须学会科学、正确的站立姿态。所谓正确站立姿态，就是我们在演唱时身体自然直立，全身处于自然放松的状态，头部微抬保持在眼睛平视前方时稍高的位置，两肩自然下垂，胸部自然挺起，小腹微微内收。两脚一前一后稍分开，前脚着力，身体的重量平稳落在双脚上。面部表情与眼神要生动传神。在演唱过程中眼睛应稍稍张大一些，不要眯起眼眼睛虚着唱歌。歌唱时确保颈脖与后背、腰部在一条直线上，使得气息畅通无阻。演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当的动作，但动作要简练大方，切忌矫揉造作，避免出现歪嘴、瞪眼等不良表现。因此，教师在开展声乐教学时，必须严格对学生的不良姿态进行纠正，积极引导学生培养正确、科学的发音姿势，养成良好的发音习惯。
加强共鸣腔体训练。
共鸣腔体的运用对提升歌曲演唱效果有着至关重要的作用。教师在对学生进行共鸣腔体训练时应时刻关注学生的训练方法是否正确，一旦发现学生的训练方法错误或有偏差应及时引导与纠正。例如，在进行头腔共鸣训练时教师应注意观察学生的训练状态，避免学生过于追求音量的宏亮或音色的饱满而压低喉咙，造成喉部肌肉的损伤;再比如在进行胸腔共鸣训练的过程中，也会有部分学生不能完全掌握胸腔的张合技巧而出现肢体僵硬的现象。在训练时，教师应及时察觉学生容易出现错误的地方并及时给予正确的引导。此外，为了更好的训练学生腔体共鸣技巧的运用，教师可以让学生尝试通过打哈欠来感受口腔自然张开的状态，并且向学生详细讲解人体口腔自然张开时具有哪些特征，让学生通过反复练习与感悟来协调身体的各个腔体的张合状态，以确保气息能够在口腔、咽腔和鼻腔之间自由流动。“微笑训练法”也是进行共鸣腔体训练的有效方法，进行微笑训练有助于放松脸部肌肉，使得鼻腔自然扩张，下巴与喉头不会处于紧绷的状态，有利于声带的自然震动，从而将声音传送至口腔上颚再产生声音的共鸣。训练共鸣腔体运用的方法还有很多，教师应注重引导学生找到适合自己的方法，并督促学生反复加强训练，以提高自身声乐歌唱能力。
进行咬字、吐字训练。
咬字、吐字训练也是大学声乐教学中的一个重要内容。掌握咬字、吐字技巧，除了是将字音准确清晰地传达给听众之外，更重要的是通过正确的咬字、吐字与歌唱发声有机结合起来，以达到“字正腔圆”与“字正腔纯”的目的，从而生动形象地传达歌曲的情感，使歌声更富有感染力。而咬不准字头，吐不准字腹，归不好字韵，是声乐专业学生中普遍存在的问题。在进行咬字、吐字训练时，声乐教师首先要让学生正确理解咬字和吐字的理论技巧，然后在引导学生学习正确的发音口型，口型的张合应该与字的声母、韵母的发音部位紧密结合。例如，韵母在演唱时要适当延长且要保持口型不变，否则会出现声音不清晰的现象。为了训练学生正确的歌唱口型，教师可以让学生带一面小镜子，边练习边看自己的口型，一旦发现口型错误便可及时纠正。此外，声乐教师还可以指导学生通过时胸廓慢慢向里收，此时膈肌上移，加快气体从胸腔径内通过朗读歌词来找到正确的发音方法，再让学生结合正确的发声的速度，将气体由肺部排出，进而完成呼气过程。此外，教师方法用高位置的半声或轻声演唱字少、母音变化不多的乐曲还要引导学生正确运用声乐呼吸技巧，以确保学生进行演唱或练声曲，以提高学生的咬字、吐字能力。在咬字、吐字训练时能够保持气息与乐曲的节奏一致。中，教师要注意对一些容易混淆的字音及地区方言进行单独3结束语的训练，以及时纠正学生不良的读音，从而获得最佳的演唱效综上所述，发声训练涉及到发声姿势、腔体共鸣、咬字吐果。字及声乐呼吸等方面，这些都对提高大学声乐教学的发声训。
强化呼吸训练练水平有着重要的促进作用。
所以，教师应当在声乐教学中呼吸训练是声乐教学的重要组成部分，也是声乐演唱的加强对发声姿势、腔体共鸣、咬字吐字及声乐呼吸等方面的训基础与动力。呼吸除了是满足人体的生理功能需要之外，还练，引导学生掌握正确的发声方法，提高学生的声乐演唱能要满足声乐演唱的不同需要，根据演唱曲目的要求学生要学力。会调整不同的呼吸节奏，从而确保演唱时的气息能够饱满富有张力，从而使得歌声更具感染力。教师可以采用“胸腹式联合呼吸法”对学生进行呼吸训练。在训练过程中，教师要向学生明确进行呼吸训练的要领，让学生保持上半身处于自然放松的状态，协调呼吸群肌之间的运作，两肋微微舒展，腰部和上腹部自然放松挺立，胸部与肩部自然扩展，腰部往外膨胀，膈肌位置向下移动，将口腔慢慢打开，口腔与鼻腔同时打开吸气，从而顺利完成吸气过程。
声乐演唱论文【第三篇】
文化产业化给我们文化教育事业提出了许多必须思考的问题。作为具有中国文化传统和文化特色的民族声乐教育，在中国的文化产业发展中应当居于什么地位？有什么职能？有何种发展机遇？本文从民族声乐教育与文化艺术生产者、当代科技、文化资源、文化市场四个方面，以文化产业的理论视角，初步提出了发展民族声乐教育的新思路。
文化产业作为当代人类社会创造财富的一种新的产业形态，是伴随着全球工业化和现代化的进程而发展起来的，是一个集中代表了现代经济、社会文化发展的全球化新兴产业，因此，引起了社会各方面的普遍关注。近年来，中国文化产业实践与理论的勃兴，为各项文化艺术事业提出了若干新的问题。对这些问题的深入思考与探讨，将有利于我们在文化艺术事业发展中辨清方向，明确目的，增加动力，取得实效。
21世纪的国际竞争实质是文化的竞争，文化竞争力成为了综合国力不可忽视的组成部分。文化产业是文化竞争力的载体和直接体现，发展文化产业竞争力的首要前提就是要全面提高艺术生产力。
艺术生产力的基本要素之一是文化艺术生产者。民族声乐教育是培养文化艺术生产者（歌唱者）的具体手段。中国的民族声乐教育为当代中国培养了众多的歌唱人才，一批优秀的歌唱者创造了一个民族声乐的时代，但这却没有构成相应的艺术生产力和文化竞争力——我们的民族声乐作品有多少打入国际市场？我们的民族声乐艺术家每年有多少人能在世界各地巡演？这些国际性演出又有多少经济回报？即使是在国内，问题也很严重：民族声乐的唱片出版远不如“通俗”畅销；民族声乐的专场演出很少且影响不大；民族声乐作品的创作风格手法单一且题材近似；而整个声乐教育界更为尴尬的是大多数声乐学生毕业后要改行……这些现象的存在给民族声乐教育提出了现实性的课题——我们到底该培养怎样的文化艺术生产者！
当今社会，在全球文化产业的环境下，作为文化生产力基本因素而显现出巨大能量的人已经不再仅仅特指歌唱艺术家群体，而是包括与之相关的策划者、制作者、管理者、经营者、传播者、批评者等等。正是由于众多从事文化艺术生产各个环节的人们的合力，才推动了艺术产业繁荣兴盛。民族声乐教育要成为综合国力发展的强大促进力，就要改变现行的教育理念：其一，民族声乐教育要培养具有声音控制表达能力的歌唱者，更要培养民族声乐艺术的歌唱家，他们作为艺术生产者，应能够完成某些特殊时代或地域文化风格的表达；其二，民族声乐教育在以培养歌唱技能为主的基础上，还要拓展教学内容和方法，使歌唱者懂得艺术价值的实现途径与手段——策划、制作、经营管理、传播等，以主动的姿态投入到文化产业的实践中去，改变目前民族声乐艺术产业的外行化和单纯追求经济利益的操作模式，使民族声乐学习者在文化市场中具有更多的主动权和更为广泛的生存发展空间。
当代科技的发展决定着现代文明具有技术品格，从而也决定着民族声乐艺术的生产传播方式的技术化特征。最先进的技术、设备、手段和方法在文化艺术生产各行业的广泛应用，也给民族声乐教育提出了如何使用科技手段提高教育质量的新课题。
面对激烈竞争的文化艺术市场，唯有能掌握科技手段进行艺术生产、积累和传播的艺术工作者，才能够脱颖而出。民族声乐艺术的传播在科技时代已不再是人际传播方式为主，而多为大众传播（广播、电视、网络，cd、vcd、dvd等）方式。现代数字技术为歌唱者创造了无处不在而又简便易用的各种录音、录像、制作加工、编辑合成等设备，每一位歌唱者首先都应该学会怎样使用录音、扩音设备，让自己的歌声符合常规的拾音效果（尤其是那些特别轻柔或特别强烈的声音的表达）。通过录音手段反复磨练具有自己特质的声音，让声乐的传播更富有准确、流畅、细腻、动人的魅力。另外，民族声乐的表演特征可通过数字录像设备得到深刻而丰富的锤炼。歌唱者面对镜头和面对镜子是完全不同的感觉，通过录像，客观地审视自己，才能准确地把握表演的要领和分寸，创造感人的视听效果。这自然需要对声乐教学设备的投入。一架钢琴作为声乐教学设备的全部家当，已显得原始和落后。培养现代化人才需要先进的思想，更需要现代化的设备。学校应对声乐教学提供高科技的教学设备，为培养新时期现代化科技含量高的声乐人才奠定物质基础。
当今的世界是一个由传播媒体结构而成的信息化世界，加拿大学者麦克卢汉把它称作“地球村”。由于传播技术的发达与普及，人们对于传播媒体普遍具有一种特殊的依赖性：信息、知识、文化娱乐等，都依赖于媒体的传播。民族声乐的发展也毫无选择地依托于传媒。因此，掌握传媒技术方法，提高传播意识和传播能力，是文化产业发展的重要基础，也是一切文化教育事业的紧迫任务。当下的网络媒体已经造成了音乐传播的火爆态势，网络不仅传播速度快，且传播面广，影响力之大已超过广播电视。在此情势下，民族声乐为什么要沉默？为什么不去传播自己而甘当受众？是自以为清高吗？不是！这一方面是传播意识不强，另一方面则是对当代技术比较陌生。声乐教师应熟悉并掌握当代科学技术，引导学生去学习、去实践。但事实却相反，有些教师对当今科学技术的发展状况不去主动了解，沉醉于传统的声乐教学模式，不思进取，有的甚至落后于学生，造成了教与学的被动局面。教师队伍现代科学技术知识的落后，是培养文化艺术生产者的一大障碍。其实，网络艺术传播手段也是文化产业的重要组成部分，各种各类音频视频编辑软件应用十分便捷且效果丰富，流媒体压缩格式的播放效率也越来越高，网络艺术传播已形成了强劲的潮流，冲击着传统的主流媒体。鉴于此，民族声乐教育应当开阔科学教学理念，开拓技术教学内容，加大技术设备建设力度，提高教师队伍素质，从而在人才培养、文化积累、艺术交流、媒体传播、产业提升等各个方面作出新尝试、新探索和新贡献。
当代科学技术的发展带动了文化产业的迅猛发展，但要使文化产业取得强大的竞争力，还必须注重保护、开发和利用文化艺术资源。在发展文化艺术生产力的过程中，文化艺术资源可以超越时间、地域、国家、民族等条件的限制，成为全人类的共同精神财富，以求得开发利用，同时促进世界范围文化消费、文化交流、文化贸易。
中国几千年的文化遗产是当今文化产业的巨大宝藏，如能开发得好，不仅能创造可观的经济价值，同时又能实现良好的社会价值；既能够保持文化生态平衡，同时又能创造出新的文化艺术品类，从而全面加强中国的文化竞争力。在这方面，民族声乐教育有着不可推卸的责任。
首先是保护。保护文化遗产，是开发和利用资源的先决条件。人类的音乐文化遗产是一种特殊的资源，是人类口头的非物质文化遗产。在中国音乐发展史中，宋朝以前的音乐主要是在歌舞形式中发展的，宋朝以后的音乐主要是在戏剧形式中发展的，显然，这些都与歌唱有关。所以说，在当今文化产业的环境中，民族声乐教育有着保护音乐文化资源的责任，这种保护不是封存或遮盖，相反，要动用一切可能的手段将它们展现起来并沿传下去。每一位民族声乐的学习者都应该掌握大量的中国民歌文献和唱法技巧（甚至包括原生态唱法），以使文化物种尽可能持久保留，从而保留住中国音乐文化的发展之源。这或许是民族声乐教育的艰深课题，但却是历史的使命与时代的责任！
有人质疑，现今有多少学生会唱自己家乡的歌？这虽然是一个非常简单的现象，但它却反映了一个深刻的、引起人们反思的社会问题。著名音乐教育家谢嘉幸老师在《寻找家乡的歌——音乐教育的现代化观念之三》一文中提到：“如果一种文化一开始就丧失它的个性，它的性格，它的‘灵魂’，这将是一个巨大的损失。”（《中国音乐教育》2001年第11期）这应当引起所有民族音乐教育工作者注意。“音乐是文化的灵魂，音乐是民族的血脉”，它融进了人们的情感，倾诉着人的喜怒哀乐，反映着民族的心理与性格，是具有民族独特风格的精神财富。今天我们提倡重视和保护民族民间音乐并不是封闭保守，是要为这个色彩斑斓的世界保留一份美丽的风景；如果作为文化灵魂的音乐有一天“进化”得没了个性与民族特色，带给人们无限欢乐的音乐将变得索然无味；我们曾经“只为那今天的村庄，还唱着过去的歌谣”而惆怅，如果不保护“文化生态环境”，中国在多元文化世界里将处于什么位置？谢嘉幸老师倡议，“为了使每一个学生拥有最优化的音乐素质结构”，音乐教育应该“先学乡土音乐，再学民族音乐，再了解外国音乐”。我们的学生既是民族民间音乐的传承者、表演者，又是欣赏者和创造者，重视本民族音乐文化的传承已成为国际音乐教育的发展趋势。国际音乐教育学会（isme）认为“世界音乐的丰富多样性给国际理解、合作与和平带来机遇”，而“我们的音乐教育中缺乏文化观念，我们的民族音乐观念一直很糊涂”的现象依然存在。
其次是开发利用。文化产业的主要竞争力，来源于对文化资源进行合理的开发和利用，使之物化为精神产品，传播于世。所谓“合理”的开发利用，主要是禁止一切破坏性的开发。对于民歌艺术的开发而言，一方面，忠诚于历史，保护其原貌；另一方面，尽可能全面地开发，让非物质文化渐渐长大。关于民歌艺术的利用。我们主要从民歌艺术所蕴含的历史特征、文化韵味和民族精神方面加以利用——现代戏剧、歌剧、舞蹈、电影、电视剧、电视小品、民族史诗等。一切艺术传播样式都能承载大量的音乐文化资源，只要利用得好，增值同时又能实现社会价值。大型现代吕剧《补天》以史诗的气魄、酣畅的叙事结构和精巧的选材，生动再现了建国初期8000名山东籍赴疆垦荒女兵为改造西北荒原奉献青春、汗水和泪水书写的悲壮历史，弘扬了人性的宽容、坚忍、和谐之美。现代吕剧《补天》的创作汇集了三位国家一级编剧、全国著名青年导演、获得梅花奖的一批优秀中青年演员等。艺术表演、舞美、灯光和音乐创作一起创造了入选2006年国家舞台艺术精品工程十大剧目之一，实现了艺术创作上的历史性突破，为传统吕剧增添了时代特色，震撼了到场观众的心灵。但它的经济效益又如何呢？此剧在广大爱好艺术的人群中知之又是多少？这样一部优秀的、大投入的戏剧为什么没有产生巨大的艺术与经济效应？是我们的戏不够优秀，还是我们对文化产业的意识不强？拿大型现代吕剧《补天》2004年11月在上海美琪大戏院的演出和李宇春2006年5月在上海大舞台的演出票价来比较，吕剧《补天》的最高票价是280元一张，而李宇春的最高票价则是980元。“超女”现象应当承认是文化产业成功运作的范例，它给我们带来的启示是多样的。我们民族民间的传统艺术应有文化产业手段的积极保护，当代中华民族声乐教育也应把保护、开发和利用音乐文化资源并使其充分增值作为自己的分内之责，因为只有民族声乐教育具有这种功能——培养民族音乐艺术的生产者。
在文化艺术活动中，只有形成文化市场的消费需求，才会有文化艺术的大规模生产。文化消费的需求促成市场的形成，巨大的消费市场空间对于艺术生产力的发展提出了新要求。文化生产力的发展使人类不再以物质资源为核心，而是以知识、智力等精神性资源为核心资源，它在一定程度上能够突破物质资源的有限性及其制约，充分发挥人的创造力和潜能，使人的主体地位普遍显现和提升，使个体能够自觉地追求个性的自由和自我的实现，这才是人们精神的最终消费需求。
民族声乐教育应面向市场，这或许不是个新话题，但却是个新课题。市场在哪里？怎样去面对？实际上，艺术生产按照美的规律创造出文艺作品，满足了艺术消费者的审美需求，而这种需求的满足又形成并提高了艺术消费者的审美能力和新的审美需求，反过来推动艺术生产向着更高、更美的境界发展。对此，马克思曾经作过一番形象的解释，他说：“钢琴演奏者生产了音乐，满足了我们的音乐感，不也是在某种意义上生产了音乐感吗？……钢琴演奏者刺激生产；部分地是由于他使我们的个性更加精力充沛，更加生气勃勃，或者在通常意义上说，他唤起了新的需要，而为满足这种需要，就要用更大的努力来从事直接的物质生产。”（《马克思恩格斯全集》第46卷上册，第264页）由此可见，文化生产力作用于人的影响远大于物质生产力的作用，它对人的心理、情感甚至对人的生理都会产生影响。
培养具有现代市场意识的民族声乐人才，不仅要使他们在理论上了解市场循环的规律，更要锻炼他们具体的市场操作能力。文化产业是专门为大众消费而生产产品的现代产业部门，它的产品从一开始就是作为供市场销售的可互换物而加以生产的。因而其中包含两层生产关系：一个层面是艺术创造者——艺术家、制作者、管理者、传播者及批评者之间的关系。在这当中，艺术的个性表现或风格寻求与把握占主导地位。另一层面是产业生产——包含文化艺术生产与消费的关系、艺术生产资料所有制关系等等。在这当中，文化的命运与资本的命运紧密相连，一切要按市场规律运转，制造需求、占领市场、获取利润成为文化艺术生产的重要方向。要使民族声乐教育能够培养出具有市场意识的人才，就要不断地让学生观察市场、调查市场、策划市场，摸清创造需求的路径和方法，探索营销手段，计算生产成本，锻炼市场意志，从而以专业的技术、全面的能力和全新的姿态，展现出新时代中华民族声乐艺术创造者应有的风采。
声乐演唱论文【第四篇】
民族声乐艺术的“韵味美”具体从“文字、声音、感情”三个方面来体现，具体一点来说就是文字的表达、声音的表现以及感情的体现。一方面三者同时做好，才能完整表现出民族声乐艺术的“韵味”。而另一方面，一首民族歌曲的好坏也要通过字、音、情这三个重要的审美特征来评判。
汉族的语言表达讲究“字正腔圆”，民族声乐艺术的表达也同样重视“字正”。字的“韵味”体现在语言的规律和表达上，咬字清晰有力是传递歌词意思，表达感情的良好途径，而选择对的字也是正确表达意思的首要考虑。另外，歌词的语气、情态、语势等方面的处理和表现也能促进民族音乐的韵律表现，只有拥有深厚的文化修养的作词者才能创作出与音乐旋律相符合的歌词。中华文化博大精深使得文字的表现有着多种方法，也为民族音乐创作提供了巨大贡献。在民族声乐艺术进行表演时，如果观众只闻其声，不见其字，则根本无法完整理解演员要表现的意思和情感。而字的选择稍有偏差也会影响观众对整段歌词的理解，甚至会误导听众对整个歌曲的感情表达。如何用耳鼻口等发音器官发音是每个民族歌唱艺术家的必修课，而歌词的描述也是民族歌曲能否达到人人传唱水平的重要因素。因此，文字不仅是民族声乐的精华，也是民族声乐艺术的重要审美特征之一。
仅仅在文字上的完整表达并不能使民族歌曲受人喜爱，生活中往往一段好的曲子即使没有文字也会令人听之难忘。例如90年代全球畅销的金曲”myheartwillgoon”，其英文歌词并不是多数中国听众能够理解的，但是其旋律越感情却征服了一大批人，由此可见声音的“韵味”可以说是歌曲的灵魂。所谓音韵是通过文字发声的长短、婉转等技巧来控制和表现的，民族声乐中的技巧运用尤为丰富，最突出的特点是声音高亢、响亮的同时又不失优美。在民族声乐艺术中，讲究声音的发声技巧、共鸣、腔体等表现手段，这些手段是感情表达的有效方法。现代的一些歌厅的歌唱者，没有对歌唱技巧进行掌握练习，只一味追求民族声乐中的声音高亮，常常让听众感到声音刺耳和疲惫，不能把民族音乐的优美传达给听众。好的歌唱家拥有深厚的歌唱技巧，唱起歌来表情甜美，无论唱怎样的歌曲都带有自己的声音“韵味”，即能提升自身的音乐形象，也能和听众形成情感共鸣。由此可见，声韵是打动观众的不可或缺的因素，是民族声乐的最高审美特征。
作为一种情感艺术，感情是否投入自然可以成为评判民族声乐艺术的标准。唱歌讲究“声情并茂”，通过情感的表现可以为艺术家与听众建立起一个不分距离的沟通桥梁。一首歌曲是否受欢迎不仅仅因为其词曲的精妙，更因为其情感的表达，比如现在的一些选秀歌手往往唱歌无瑕疵却不能得到观众的喜爱，这种情况正是由于歌者过于重视比赛，无法体会歌曲创作者的情感表达，也无法将歌曲原本的情感的“韵味”带给听众。人类判定美是由于情感的波动，情感也就成为了民族音乐艺术审美的重要特征。而感情的体现也是艺术家自身修养的表现，通过感情的判断不仅仅可以对民族音乐进行审美，也可以对其演唱者的艺术修养进行衡量。生活中常常用“动人心魄”的词语来形容一首好的歌曲，正是因为其情感的“韵味”使人心动、情动，情感不仅仅是艺术的表达，更加是艺术的创作来源，只有充满情感的民族音乐演唱才能拥有巨大的音乐魅力。总之，情感的“韵味”是民族音乐创作的意义所在，魅力所在。
中华民族声乐艺术的“韵味美”是字韵、声韵、情韵的共同表现，字韵使得听众意动，声韵使得听众耳动，情韵使得听众心动。因此，字、声、情三者的协调融合，才能确保民族音乐的韵味之美。从“韵味”的角度对民族声乐艺术进行解读，一方面能够对民族声乐艺术的审美特征有着更好的认识，另一方面也可以为推动民族声乐艺术的发展做出贡献。
声乐演唱论文【第五篇】
呼气的方法就是利用横膈膜的力量把腰腹扩张的感觉一直保持住。想象自己手里拿一大瓶香油往另一个小瓶里灌时那种小心翼翼，憋住气息的感觉，呼气要均匀，舒缓。各位可以准备一张10平方大小的薄纸片，放在墙上，距离它4---6cm，吸气后保持一下，然后用口吹气使之不落地，半分钟以上便为合格。也可以代之以一只燃烧的蜡烛，对着火苗发“u”音，正确的气息是火苗倒而不灭，时间越唱越好。
声乐演唱论文【第六篇】
少儿声乐可以简单的理解为少儿歌唱，但是又远远没有那么简单。今天网友就给大家讲讲儿童声乐演唱技巧，希望大家喜欢。
首先，在教学术语的选用方面，要采用大胆的设想、形象的比喻与描述的手法，把抽象的方法、位置和感觉具象化，并用十分简洁的语言表达出来。
最好具体到某一物象，用一句话或一个词汇来表达，甚至还可以用手势、动作来表达。用很简单的词汇代替繁琐的理论，发挥儿童的优势，避开儿童的弱势，把复杂抽象的声乐教学变得简单而轻松，简洁、形象、准确的教学术语，是打开儿童声乐思维之门的“金钥匙”。
气息训练是指腹式呼吸训练和歌唱时的气息保持训练。从气息训练开始，是指在正式声乐训练前，应对儿童进行必要的歌唱气息的准备训练，使之先体会到气息的位置，形成一定的气息概念与实践经验。这样，在以后的'声乐训练中，儿童可以自觉地用上气息，或在教师的指导下，很快把气息与其他的方法融为一体，在声乐学习中起到事半功倍的效果。
有步骤分层次地展开教学，是指根据儿童思维的特点，教师要把气息、喉头位置、声带感觉和头腔共鸣等方法根据儿童的学习程度和理解能力，按照从易到难、先分后总的顺序，分层次、分阶段地进行训练。
对于每个具体方法的学习，都要先做独立的专门训练，再与其他方法相结合，而不是所有的方法一拥齐上，避免儿童因不能控制多种意念，顾此失彼而找不到感觉，教师只要在当前的训练内容不受影响的前提下加以肯定，就能收到“鱼和熊掌兼得”的效果。
儿童的声带短、薄、韧性差，十分稚嫩，在儿童声乐教学中要时刻注意的就是保护儿童的声带。
保护儿童稚嫩的声带，不仅要以正确的发声方法、巧妙得当的教学方法以及对错误发声的及时纠正来完成，还要求在声乐训练的时间、强度和歌曲的难易程度上加以把握。因为，即使发声方法正确，长时间的训练也会使声带疲劳，粘膜受损;即使发声方法正确，大声或高声的重机能发声也会增大气流对声带的冲击力，增大声带的张力。对于儿童稚嫩的声带，长期这样的训练是难以承受的，会导致声带粘膜充血，声带局部增厚，声带小结等病变。
因此，要根据儿童的具体情况适当地把握训练的音高、音强和训练时间。
一般来讲，儿童的声乐训练应以学习和掌握正确的发声方法为目的，以自己的自然声区为基础，音域不超过一个半八度，中等音强，尽量使用轻机能唱高音，每次的训练时间在半小时左右，并且中途要休息两次，让声带得到休息，恢复弹性。
另外，还要根据儿童的具体情况选择适合的歌曲。要根据儿童的音域和学习情况及演唱能力来选择在演唱中没有障碍又能充分展示其发声技术的歌曲。因为儿童刚刚学到或掌握一些发声方法，概念还没有形成，位置还没有巩固，额外的发声难度会导致儿童感觉的偏移和发声的失败。
对于初学声乐的儿童，一般选择音调适中，旋律优美、上口，没有大跳音，闭口音不多的歌曲。因为这样的歌曲不但不会给儿童增加额外的发声难度，而且还在不伤害儿童声带的同时起到巩固发声方法的作用。
自然的童声是两片短小的薄薄的声带振动发出的纯净的基音，加上口腔共鸣形成的明亮清脆的个性音色，稚气可爱，非常迷人。但这是一种自然的音色，缺少科学发声方法的支持，头腔共鸣比较少，因此歌唱时高音上不去，喊的成分比较多。
学习了科学的发声方法，加入气息和头腔共鸣，音色就会有所改变，变得圆润、浑厚，但会失去一些明亮度和稚气感。但是，解决了高音，并且头腔共鸣能产生一种饱满和通畅的感觉，因此，在儿童的声乐教学中，不能因为怕改变明亮可爱的自然的童声音色而在发生方法上有所保留。
学声乐学的就是科学的发声方法，如果因为自然的童声音色好听，就不学头腔共鸣，对儿童来讲，最终会得不偿失。因为，随着儿童身体的发育，自然的童声最终会失去，而科学的发生方法会使他终身受益，是他永远的财富。
因此，不盲目追求音高或音色，变尖亮为通透，追求童声的艺术美，把科学的发声方法放在第一位，才是儿童声乐教学的正确的指导思想。
声乐演唱论文【第七篇】
爵士乐是西方音乐中一种具有代表性的音乐，它有自己独特的音乐风格和特点。并且流传广泛，是非常有感染力的受人喜爱的一种音乐形式。下面，我们先来了解一下爵士乐的特点。
1.即兴演奏的特点。
爵士乐是自发的、多样性的、独立的段落演奏手法，是一些非洲音乐和大部分爵士乐的一个鲜明特点。
2.节奏切分。
这种节奏现象最为人熟知的是重拍出现在非主拍上。爵士乐的节奏律动形态有两种：一种是平直节奏(straight)；另一种是摇摆节奏(swing或shuffle)。这两种节奏形态的区别主要体现在八分音符的演奏方式上，而这一区别也决定了爵士乐的风格。摇摆节奏是建立在每一拍平分三个音(即三连音)的基础上。最常见的节奏型是将三连音的中间音省去。以平直节奏演奏的爵士乐主要为拉丁风格的爵士乐，节奏律动以八分音符为基础。
3.和声。
即兴演奏是爵士乐的一大特色。但是，爵士乐的即兴不是任意的，而是在一定的和声基础进行框架内的自由发挥。其中约有60%出自音乐知识，20%出自创造灵感，10%出自观众的反映，10%靠的是运气。作为爵士音乐家，他不仅必须具备演奏技巧，还必须掌握大量的有关爵士乐的理论知识。和声语言是最复杂和最重要的部分。
4.音色的选择。
为了增强听觉上的吸引力不断地变化音色的粗糙度、振动频率以及响度。需要指出的是许多萨克斯手在追求音色变化的过程中会倾向于刺耳的影响效果。还值得一提的是，爵士乐小号手和长号手有时候会以“咆哮”的方式来演奏。
中国音乐教育课堂存在的问题有三方面：一是教材导向与学生审美需求之间存在矛盾。大多数学生喜欢音乐，却不喜欢音乐课。现行音乐教材的部分音乐作品政治色彩过分浓重，使原本轻松的音乐课堂变得沉闷，情绪低沉；音乐艺术的技巧过分深奥，学究气浓重，不太适合学生的年龄特征。这就必然影响学生学习音乐的兴趣。二是社会需求与教学目标之间不协调。音乐本身不能引起学生的兴趣，更谈不上创造力和灵感。三是升学考试的压力是原本应该净化心灵、陶冶情操、培养发现生活之美的灵感的音乐教育，陷入夹缝，而失去音乐本身的意义。
1.从爵士流派中吸取。
爵士乐流派众多，新奥尔良爵士最简单易懂、单纯快乐；摇摆爵士动感强劲，适合年轻人的年龄特点；节奏较强劲、感情丰富，很容易被接受；很容易唤起观众听众的情绪；自由爵士风格激进、缺乏思维逻辑性，也适合容易激动的学生的年龄特征；对于课堂中培养学生的审美观，陶冶学生的情操无疑不是一个很好的音乐表现形式。中国音乐课堂要想融入爵士乐的教育风格，在中国广泛传播，除了已有的高等院校理论教育体系、面向大众的纯爵士器乐演奏等方式作为依托外，还需要将深受大众追捧喜爱的流行歌曲作为传播载体，更全面地传递爵士乐的精髓品质；适当引入爵士乐教材，紧紧抓住学生的身心特点进行教育，才能达到音乐的渗透之美，真正激发学生的创作能力和热爱生活的道德修养。
2.从爵士特点中吸取。
爵士乐相较于其他音乐，其自身有很多独特之处，如：
1)即兴演奏或者是演唱；
2)爵士乐节奏的极其复杂性；
3)独有的爵士和弦；
4)独特的音色运用等。由于爵士乐是一种自觉的、自发产生的、富于创造性和表现力的音乐。爵士乐是一种非常有代表性的群体创作过程，如果在中国音乐课堂中加入与爵士乐的相关内容，受爵士乐创作过程的熏陶，势必会培养学生的集体合作意识和音乐创新意识，最大限度地开发学生的音乐天赋，使其热爱音乐艺术成为一种主动的行为，毕竟创作才是人类的灵魂。
世界上任何一种音乐文化的主体性都不是一成不变的，开放，交流，融合，这是人类音乐文化发展的本来面目。反观中国传统音乐教育的不足，学习和借鉴西方教育的精华，转变教育思想和教育观念，自上而下地深入进行音乐教育改革，以更快地适应世界教育发展的潮流，培养出更多符合我国现代化建设的栋梁之才。音乐教育，关键是培养有创造力的人才。对于中西方音乐教育的未来，有以下几点可能会影响下一代的音乐素养：
(1)对旋律、节奏、和声和乐器学的新型式的实验，反映出新的能源形式和各种新的机械发明对现在和未来生活的有利影响。
(2)对音乐的民族性格的更大强调，伴随着更广阔的国际听众，导致所有国家的人民之间更深刻地相互了解。
(3)音乐教育的普及，协助那些在音乐上有天赋才能的人们达到最高的发展。
声乐演唱论文【第八篇】
摘要：声乐演唱临场的表演不仅仅是技术的问题，还需要对演唱者心理进行完善。在这两者结合的基础之上加上临场经验的积累，才能够培养出比较完善的声乐演唱者，从而可以进行完美地声乐艺术表现。
关键词：演唱心理演唱技术。
声乐演唱者的临场表演由演唱者演唱技术与演唱心理两个元素组成。演唱心理是指演唱者在演唱过程中的心理活动。这种心理活动是建立在演唱者实践基础之上的认识活动。诸如演唱者演唱的欲望、动机；演唱者情绪的表现力与感染力；对音乐作品的记忆与想象；克服“杂念”以及演唱者的应变心理、临场状态等等。只有把演唱者良好的演唱心理与科学与正确的演唱技术相结合，才能够准确、完美的表达声乐作品的艺术内涵。
一、正确、科学的演唱方法是临场演唱成功的基础。
正确、科学的演唱方法是临场演唱成功的基础。它包括认真、严格地阅读作品；科学、准确地记忆作品；对作品整体的感受、分析、处理和克服技术难关这三个方面。
1、要认真、严格地阅读作品，科学、准确地记忆作品。
认真、严格地阅读作品和科学、准确地记忆作品一样，贯穿学习和演唱的始终。当学生已经可以记忆演唱作品后，再让他们看谱练习，进而再仔细的分析、研究、推敲作品。
记忆作品的基本方法有：“视觉的记忆”、“听觉的记忆”、“运动神经的记忆”和“理智的记忆”等。
a．视觉的记忆方法。视觉背谱的方法是一种依靠看谱记谱的背谱方法。舒曼说过：你必须练习看到乐谱就懂得音乐的进行和音乐所需要使用的技术、方法。著名男高音歌唱家多明戈依靠眼睛的力量记忆演唱百部以上的歌剧作品。
b．听觉的记忆方法。科学研究发现：用听觉的方法来记忆是效率最高的一种记忆方法之一，听觉和视觉结合起来的方法次之，而只用视觉记忆的途径则是效率较低的一种方法。
c．运动神经的记忆方法。一般声乐演唱者学习一首作品总是需要一遍又一遍地重复，直到他们可能完全离开乐谱为止。他们在很大程度上依靠着运动神经的记忆。
d．理智的记忆方法就是人们在背谱时对演唱作品进行理性的分析，对动机、乐句、乐段、曲式结构、作品伴奏的和声、织体、调性、调式……等等都进行认真的分析，使记忆建立在清晰的理性分析基础上，将上述方法综合起来，使思维、情感、肌肉、神经、听觉、视觉达到最理想的协调。
2、对声乐作品进行整体的分析、处理。
如果说处理歌唱作品是学好一首乐曲的关键，那么攻技术难关是学好一首乐曲关键中的关键。在演唱时技术上的不完善，仅仅凭侥幸心理和一时的表演热情是不够的，但技术难关是否能彻底攻克与演唱者表演的成败有着密切的关系。
完善的心理机制是声乐演唱者临场表演成功的重要保证。声乐演唱者临场表演成功它包括强烈的表演欲望与自信心；丰富的表演经验的积累；做好临场演出前的充分准备。
1、演唱者的'表演欲望和自信心。
对演唱充满信心、欲望和充分的表演准备又是演唱效果良好的保障。此外还要丰富演唱者的审美经验、艺术素养的深度和广度，挖掘演唱者艺术创造的个性，鼓励他们发挥主观能动性，自觉地去感受、思考和表现作品。
长期的训练习惯有利于保护学生演唱的自信心、表现音乐的欲望和音乐表演的整体性与连贯性。要培养声乐表演者良好的表演感觉，还要让他们公开表演，而不只是关在教室里训练。即使是最好的课堂教学也代替不了这样的舞台表演的锻炼。
准备工作做得再充分，再细致，临场都有可能出现偶发性的情况，这就要求演唱者有良好的应变能力即“表演机智”。应变能力来自丰富的临场演唱表演经验的积累，这种经验也是依靠教师在教学中、舞台实践中指导、帮助学习者去进行主动思考与积累的。
4、做好临场演唱前的准备工作。
由于声乐演唱具有：场地的不确定、演唱时段的不确定、歌者自身心理生理条件不确定、听众的不确定因素。所以首先是要求演唱者尽最大可能熟悉表演的环境。歌唱者除了在演唱前必须休息好，积蓄充沛的精力，还要适应演出时间的变化而主动服从演出的时间对自身的影响；演出时演唱者的生理与心理有自己的问题，但也要主动地把自己的生理与心理调节到适合表演的最佳状态，才能完美地进行艺术创作；在演出中特别要求与观众的交流要和谐，因为不管那种唱法都是为观众、听众表演的，听众的地区不同、年龄不同、临场的气氛不同等也要求演唱表演要灵活，在演唱时在技术、曲目、表现力等方面都要有所充分准备。
参考文献：
[1]贝内特雷默著《音乐教育的哲学》民音乐出版社.7。
[2]邹长海著《声乐艺术心理学》人民音乐出版社.8。
[3]王次昭著《艺术概论》高等教育出版社。
[4]曾遂今著《音乐社会学概论》文化艺术出版社.3。
[5]石惟正著《声乐学基础》人民音乐出版社.7。
[6]曹理著《音乐教育学》首都师大出版社。
[7]李嘉禄著《钢琴表演艺术》人民音乐出版社。