实用绘画技巧和心得体会范文精选8篇
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绘画技巧和心得体会【第一篇】
绘画艺术在二度平面上创造物象与空间，展示现实生活与想象世界的多样景观，传达人的思想感情。下面是网友为你带来的如何提高绘画技巧 ，欢迎阅读。
有些人画了好多年的画，真正领悟到绘画的真谛可能只在一瞬间。
——前言
很多时候，我们问别人如何学好画画时，往往只得到一个答案：就是多画多练多观察。当然我也知道多练多观察才能画出好画，但是我总感觉里面还有些什么东西隐隐需要我们去了解，不然盲目的去画去练，我们越画越糟糕，心情也变得烦躁，不想再画下去了。
这里把我的学画的经历和感悟写出来与大家分享，希望能帮助更多还困在里面的朋友走出来。
当初我还是一个初学者的时候，虽然我很喜欢画画，但是无论我怎么画怎么改，就是画不好，更要命的是，明明知道不好看，就是找不出原因。
我没经过正规的美术培训，所以学画时比一般专业生要累很多。虽然以前有上过美术课，老师也只是简单教我们画些基本立方体和苹果，然后我们就跟着画，很多都是靠我们自己的感觉去画画，结果发现越画越不对劲。
画了好长一段时间，我的画画水平一直没有多大的进步，顶多也就把整体画得看起来舒服一点。水平一直上不去。很是苦恼。
直到后来我悟出了下面几点绘画要领之后，我的绘画水平才慢慢走上专业轨道。
我的绘画技法突然间提高经过几个转折点，这几点说起来很简单，却是花了我好长的时间断断续续摸索出来的。
采用长线作画。
刚开始学画的时候，总喜欢一点一点慢慢的描，花了很多时间，终于把一个物体画完了，最后一看，很不专业，线条看起来很乱。这段经历延续了好几年的时间，后来经一个人的无意中的一句话，才知道应该采用长线画画，顿时发现好轻松，以前花一两个小时才能打完的线稿，用这种方法，半个小时就可以画好了。用长线作画，第一次让我感受到的画画的快感。
整体作画。
以前画画的时候，习惯从上往下画，或从左往左画，或先把一个细节画得非常好，再画其它的。最后花了几个小时画下来，发现走型了。
后来我开始采用定点，用长线连起来，从整体入手，先把大体轮廓打出来，再刻画细节，从此画面整体效果及物体结构再很少出现变形或变歪的情况，速度也提高了好几倍。
暗部尽量加深。
很长一段时间画画时，暗部不敢涂黑，担心会把画弄脏，而最后画面都是灰色的，没有立体感。后来采用电脑画画时，才敢画黑。从此我的画体积感要比以前强很多，画面再也不是灰色的`。
学会铺大调。
以前不管是上色还是上明暗，总喜欢一块一块的上，上好这一块，再上另一块，整张画上完色下来，发现很不协调。后来因为偷懒，想画得更快一些，就给它大体明暗，结果不小心发现了这种方法，很科学，很实用。从些绘画技术又更上一层楼。
理解透视原理
以前画画时，总找不出图变形的原因，其实变形80％都是因为透视错误，百分之20％是因为结构错误，当我研究了透视原理后，不但知道近大远小，近实远虚，近疏远密等原理，还知道什么是一点透视，两点透视和三点透视。到后来研究的四点透视，五点透视，曲线透视，对我的创作都有相当大的帮助。现在想画什么角度就画什么角度，很轻松。学透视，关健在于理解。理解透了，你的作品效果也会极速提高很多倍。
光影的一致性
很长一段时间，一直观察不好光线，总感觉这里光那里也有光，最后画的时候也都留光，结果一幅画下来，到处都是黑点和光块，很乱很脏。
有时候是上半身光从左，下半身光从右，经常发生光影混乱。虽然当时感觉挺好，但是后来看多了大师级作品，才发现自己的作品很不符合常理。从那开始，我才注意到画画必须要设定一个主光源，光和影必须要一致，我的作品又提高了一个层次。
放松心情作画
以前画画时，总喜欢看个东西画（临摹），才能画得出来，如果什么都不看，自己想脑子就会一片空白。不知道从哪下笔。
后来一次搬家，很多书都没带，自己很无聊就拿笔乱画，自己想到什么画什么，突然间发现好轻松，再也没有那么多的条条框框约束，那个时候起，我才第一次体会的画画是件最快乐的事。想什么就画什么，那种感觉很舒服。 从此我再也没有临摹过任何东西，也喜欢上了原创，相反我还感觉临摹是一种痛苦。
采用电脑作画
以前画画的时候，什么都是一笔一笔画的，往往一幅画下来，花了很长时间，效果都不是很理想，后来开始接触电脑绘画后，发现以前用很复杂的方法表现的一个效果，电脑只用一个滤镜几秒钟之内就可以表现了，从此我发现了一个神奇的绘画世界！
后来再去研究物体的结构，体积，透视，光影，空间，质感，力学，色彩等等，绘画手法也越来越成熟，发现绘画的世界真的很精彩。
初学者要一下子改掉以前的绘画习惯，估计得经过很漫长的心理斗争。
什么时候突破了以上几点，你的绘画水平肯定会闪电般的提高！
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绘画技巧和心得体会【第二篇】
xxxx年xx月xx日上午，有幸能够听到王中年大师在乐东中学的有关于中国绘画和他的艺术人生讲座，这次讲座对于我们非美术专业老师来说，是一次非常难得的学习机会，时间虽短，但感收获颇丰。
接触美术最早是从素描开始，所以慢慢就觉得画得越像就是越好的，但是现在才发现其实不然，就像王中年大师讲中国绘画和西方绘画的时候说：“中国绘画注重意境而西方绘画注重写实。”西方绘画是表象的，具体的，非常的写实，讲究的是对自然的真实表现。所以西方的画很像十分逼真。而中国绘画不同于西方绘画重于写实，中国绘画重在写意，这个写意可不是大概其意，写的是意象、理想，写的是画境、意境，更是一种境界。所以有那么一句“诗中有画，画中有诗”的说法。所以中国画光靠技术是不行的，你不仅要画得好还得有文化。他涉及到诗、书、画、印各方面的修养，这也是中国画中总是有着深刻的内涵！同时中国绘画是圆中求方而西方绘画是方中求圆！
美术对于我来说一直只是一种兴趣爱好，虽然它现在成为我工作的一部分，但是我却从来没有系统的认真的去学习它、接触它。而我们在教学的时候也只是教一些简笔画和手工之类的，很少教学生学习中国绘画，可能这和学生的能力程度有关，但是不可否认这也是我们的存在的'缺失，我们不了解中国绘画，同时在美术的教学中我不能以像与不像来评价孩子的作品，要多去看看学生作品所表达的意思，而王中年大师的讲座正好为我们打开了这扇窗！在以后的教学中如果有机会可以让学生都接触和了解中国绘画，在教学的过程中和学生一起了解中国绘画，让人生充满艺术！
绘画技巧和心得体会【第三篇】
莫奈油画印象派油画的代表，他一直是印象主义画家集团的核心人物，以下是网友为大家精心搜集和分享的“实用绘画技巧和心得体会范文精选8篇”，希望大家喜欢!
莫奈， 是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部分都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技 法。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法，在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影，看不到突显或平涂式的轮廓线。除此之外，莫奈对于色彩的运用相当细腻，他用许多相同主题的画作来实验色彩与光完美的表达。莫奈曾长期探索光色与空气的表现效果，常常在不同的时间和光线下，对同一对象作多幅的描绘，从自然的光色变幻中抒发瞬间的感觉。
印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰，也可以看作是现代艺术的起点。克劳德·莫奈的名字与印象派的历史密切相连。莫奈对这一艺术环境的形成和他描绘现实的新手法，比其他任何人贡献都多。这一点是毋庸置疑的`，印象派的创始人虽说是马奈，但真正使其发扬光大的却是莫奈，因为他对光影之于风景的变化的描绘，已到出神入化的境地。
莫奈曾说过：作画里，要忘掉你眼前是哪一种物体，想到的只是一小方兰色、一小块长方形的粉红色、一丝黄色。因此，就出现了画家的创作中的注意力，不是集中于要表现的景物上，而是放到了景物周围的空间环境、光线、烟雾、气流所产生的效果上，或只是局限于表达在一定条件下，景物着光给画家留下的瞬间印象上。因此，就有可能导致只抓住了细微的变化，而失去了解对全局的把握；只反映了微妙的色彩层次，而忽略了景物形体的后果和全局。
：莫奈很喜欢反复画在不同时间与光线下的同一景物来捕捉瞬息万变的色彩印象，他在这方面的能力似乎无人可及，不愧为印象派的领军人物。莫奈又是最典型的外光派画家，几乎所有重要作品都是在户外完成的，甚至连有人物的大型作品也不例外。
：由于莫奈忠实于印象派的原则，只画眼睛所感觉到的，所以他往往会同时画好几幅画，但每一幅画则分几天画完，而每次少到只画十几分钟，甚至几分钟，以便保持光线的同一性。在已经干燥了底色上，莫奈使用稠厚的油画颜料而不加调色媒介剂，为的是保持色彩的饱和鲜明。
莫奈的用笔松动灵活，时而薄擦，时而厚涂，点，划、堆、抹、随心所欲。但是这一切都是建立在坚实的造型功底、科学的色彩理论、过人的勤奋努力和莫奈个人独有的色彩天赋基础之上的。
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绘画技巧和心得体会【第四篇】
绘画构图是绘画创作中至关重要的一环，它决定了画面的结构、平衡与美感。有着丰富经验和技巧的画家们在实践中总结出了许多有效的构图方法，今天我将分享我的一些心得体会。
首先，构图的基本原则是平衡与对比。画面的平衡是指画面元素在空间上的平衡感，对比则是指画面元素之间的对比关系。在构图时，我们需要让画面的元素分布均衡，避免画面左右重量不平衡或者密集与稀疏不均的情况出现。同时，通过对比关系的设置，可以突出画面中的主题，增强视觉效果。例如，可以通过色彩对比或者明暗对比来增强画面中的层次感和立体感。
其次，给画面添加一个主题或焦点是构图的重要手段。画面中一个突出的主题或主体可以使观者更加容易理解画家的意图，同时也能增加画面的吸引力。要实现这一点，可以通过各种手段来突出主题，如放大、夸张或者通过对比使主体更醒目。
此外，透视是构图中常用的技巧之一。透视是指在二维平面上通过画出一些特定的线条，使画面呈现出三维空间的感觉。透视可以使画面更具有立体感，增加观者的投入感。这个技巧需要我们通过学习和实践不断积累，掌握合理运用的方法。
还有一个重要的构图技巧就是使用线条引导视线。线条可以在画面中引导观者的视线，从而实现画面的层次感和引导视线的作用。我们可以利用线条的形状、长度或者方向来引导观者的目光，达到画面中元素关系更加流畅与和谐的效果。这种技巧在绘画中经常被使用，可以帮助观者更好地理解画家的意图。
最后，构图时的整体感觉也是必不可少的。画家在构图时需要关注整体画面的效果，而不仅仅是个别细节。通过调整画面的整体构图，画家可以达到整体与部分之间的和谐，从而更好地传达画家的情感和意图。在实践中，我们可以通过多方位的锻炼来提高对画面整体效果的把握。
绘画构图技巧是一项需要不断实践与学习的技巧，因此画家们需要在不同的创作过程中不断探索，积累经验。通过实际操作和不断反思，我们可以逐渐提高自己的构图技巧，并且在实践中创造出属于自己独特的构图风格。希望我分享的这些心得能够对其他绘画爱好者有所帮助。
绘画技巧和心得体会【第五篇】
生长在湖泊、湿地，全身洁白，弯曲的脖颈、修长的双腿，给人一种亭亭玉立的感觉，尤其是那头顶一点鲜红的颜色，更加显得妩媚、动人。
主要以鱼为食，主要的生长结构包括：头、颈、身体、翅膀、尾、腿等几个主要部分，本章内容主要介绍丹顶鹤的头的画法。丹顶鹤的画法在中国画中主要有工笔、写意两种。
使用工笔画法表现丹顶鹤的头颈部时，首先要使用白描画法来勾勒鹤的外轮廓型，并且要根据丹顶鹤头颈部不同的颜色来确定墨色的深浅。第一步，使用浓墨、较干的笔勾画鹤的嘴，一般来情况下，使用较细的毛笔，如叶筋、红毛、衣纹笔等，画出的线条流畅且富有韧性。鹤嘴部分用三条线来表现。第二部，画鹤的眼睛，画鹤眼使用同样的较浓墨色，画一个椭圆形，在靠近嘴的部分点出瞳孔。第三部，画鹤头颈部黑色斑纹，先用铅笔浅浅勾画出黑色斑纹外轮廓，再用罩染的`方法逐遍罩染，直至达到预想的效果。第四步，用浅墨勾勒头部羽毛，注意层次关系。其次在勾勒完线条后，利用分染方法，分染羽毛，这个步骤颜色要浅，逐步完成。
第一、第二步与工笔方法相同，第三步使用大白云笔饱蘸较浓的墨色，由眼睛下方开始，呈“s”型画出颈部斑纹，收笔时用力要轻，可以出现飞白效果。第四步用较浅的墨色勾画头部羽毛，按鹤的生长结构勾画至颈部，这样，一幅写意丹顶鹤的头部形象就已经完成。
前面我们已经介绍过丹顶鹤的头部画法、腿的画法，本章继续介绍怎样画出一幅完整的丹顶鹤作品。
丹顶鹤 谭照昆
丹顶鹤的中国画画法一般情况下有两种形式--工笔画法、写意画法。其中工笔画法表现细腻，把丹顶鹤的型表现的淋漓尽致，能够把极细致的内容表现出来，比如层层覆盖的羽毛、腿上的鳞状斑纹等；而写意画法主要表现出丹顶鹤的内在神韵，用笔自然潇洒、不拖泥带水，画面产生一种空灵、幽雅的视觉效果。下面分别介绍两种丹顶鹤的画法。
运用工笔画法表现丹顶鹤，在选择工具材料上极为考究，笔一般使用像红毛、衣纹、叶筋等较细的毛笔，纸张一般选用像清水、云母等较好的熟宣纸，颜料也基本使用块状颜料，颜料加水浸泡，再细细研磨后才能使用。
运用工笔画法表现丹顶鹤的步骤为：首先要勾勒线条。勾勒线条前最好先用木炭轻轻的勾勒出丹顶鹤的外部形状和主要结构，然后从丹顶鹤的嘴部开始勾勒。用笔时要注意线条的力量变化，起笔、收笔用力较重，中间行笔轻，这样勾勒出的线才会有耐人寻味的效果。其次要进行对丹顶鹤的局部分染，分染对表现丹顶鹤极为重要，尤其是对羽毛的分染，能够把羽毛层层的覆压关系表现的十分清晰，视觉效果良好。第三是进行罩染，如颈部斑纹等，用较浅的墨色一遍遍的把要罩染的部位表现出来，直到画面达到满意效果为止。
用写意画法表现丹顶鹤比使用工笔画法简单，但是在表现时要注意墨色的掌握，要按照丹顶鹤不同部分的深浅来调试墨色，如在表现羽毛时，要使用极浅的墨色表现，这样才能把丹顶鹤的洁白的身影表现好。
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绘画技巧和心得体会【第六篇】
1.画将无脖项，少女应修肩，佛容宜秀丽，神佛须伟壮;仙贤意思淡，美人要修长，文人如颗钉，武夫势如弓。
2.若要人脸笑，眼角下弯嘴上翘;若要人带愁，嘴角下弯眉紧皱。
3.心神畅然手拈须，气怒眼者眼拱张;手抱头者心惊慌，急步行走事紧张。
4.怒像眼桃把眉拧，哀容头垂眼开离;喜相眉舒嘴又俏，笑样口开眼又眯。
5.贵家妇，官样妆;耕织女，应时样;娃娃样，要肥胖;庄稼汉，衣裳越薄越显壮。
6.人各有习，习能有宜，认得此意，画无不奇(泛指人的动作与其生活习惯有关，画者如领会此意，画出人物必须新奇可观)。
7.美人样：瓜子脸，鼻如胆，樱桃小口蚱蜢眼;慢步走，勿奎手，要笑千万莫张口。
8.贵妇样：目正神怡，坐如山立(不歪不倚)。
9.丫环样：眉高眼媚，笑容可掬;咬指弄巾，掠鬓整衣;
10.贱妇样：薄唇鼠眉，剔牙异带，叠眼露掌，托腮依榻。
11.娃娃样：短臂短腿大脑壳，小鼻大眼没有脖;鼻子眉眼一块凑，千万别把骨头露。
12.贵人样：腰肥体重，耳厚眉宽;颈粗额隆、行动猪样。
13.寒士样：头小额窄，口小耳薄;垂眉耸肩，两脚如跛。
14.卑者(坏人)样：口斜胸凸，头低仰视;齿露眉错，必是细作(奸细)。
15.魔鬼样：头如牛、眉如帚、称砣鼻子火喷口，铃铛眼、核桃脸(起皱不平)，锯齿燎牙带耳环，胞臂腿壮生筋腱，袒胸露腹衣不全。
16.老者：抬肩、曲背、呆容、硬膝、转身慢、步平、手战(颤)、起迟、立歌、支杖、头摇摇点点。
17.少者：耳容、佻达、风流、身如弓、行步俏、双袖垂、两眼转。
18.立者：舒眉、凝眉、正容、恭袖、身端、步踱、背前探、手拈指。
19.武者：威容、眉锁皱、挺胸脯、腰劲直、步阔，侧立不可立、肘曲如抱月，手作推舟势。
20.贫者：愁容、锁眉、穷袖、腐肘、摩腕、搔鬓、缩头、耸肩、套手、擦涕、端正步酸子气、低视。
21.富者：欢容、捻指、昂头、仰面、舒眉、抹鼻、拍胸、撑手、圈指。
22.癫者：定眼、呆视、目直、斜步、手摇、头僵、胸露、身侧。
23.醉者：呆容、模糊眼、目倦、步跑、手欲扶、口欲吐、身摇、头垂、坐斜、浑身呈软状、独脚梗硬。
田：平头百姓、频洞脸宽，鼻大口方，耳腮有鬓，刚毅正直，适合表现武将和绿林好汉等一类人物，如《三国演义》中的周仓。
由：稳重自爱、憩静周正、安逸自在、宽待为协、长者之风、仁者之态、适合表现正派人物，如十八罗汉中的布袋罗汉。
国：五官结构，疏密匀称，庄重有谋，才华横溢，深思熟虑，韬略过人，器宇不凡，才须眉之感，适合表现有本领，或大器的人物，如文能表现李白、苏轼;武能表现岳飞、郑成功等英雄名士。
用：平顺正直，秀伟挺拔、满腹经论、纵横言谈、忧国爱民，宜于表现五柳长须的文人秀士，如杜甫、文天祥等。
目：青年俊秀，举止收敛，温雅文静，才思敏捷，风度翩翩，适宜表现小生、小姐一类的人物，如“梁山伯与祝英台”、“贾宝玉与林黛玉”等等。
甲：耳朵外撑、脸颊狭尖、频窄窄短、鬼头鼠形、三角眼眶、绿豆眼珠，适合表现小偷之类的人物，如戏剧《十五贯》中的娄阿鼠、《胭脂》中的毛大等，有时也可表现正面人物，象《水浒传》中的时迁等。
风：刚正慈善、融乐自如、潇洒超脱，不拘世俗，可用于表现仙道人物，如八仙中的吕洞宾、曹国舅等。
申：见财忘义、品格低微、如颜婢膝、露牙咧嘴，宜于表现讼棍一类的人物，如《水浒传》中的差役董超、薛霸等。
同：方形简洁，笑口珠唇、眉淡鼻秀，文相武身，常用于表现少年英雄，如《说唐》中的罗成，《三国演义》的赵云等，有时也可用于表现“如来佛”、“观音”和“文殊”。
王：上大下大，中间狭窄，霸气十足，骠悍勇猛。亦有刚正不阿，侠肝义胆，赤肠忠心。适合表现京剧中的“净”角，如武能表现《薛刚反唐》中的薛刚、《秦汉演义》中的项羽;文能表现《海瑞罢官》中的海瑞、《平妖传》中的钟馗等。
1.龙脸愁的像，出现必升降，龙身扁体甲，其数却无量;鹿角、牛鼻、虾眼睛、鱼鳞、鸡爪、蛇身体。龙有三停：脖停、腰停、尾停。
2.吊眼白额虎、正中写三横、虎尾斑点匀，为数十三整。
3.朝阳啸的凤，姿势欲翔腾。凤有三长：眼长、腿长、尾长。
4.笑的狮子脸，嬉球又跳升;九斤狮身，十斤头，一斤尾巴拖后头。
5.若要画肥猪，腿短拖地肚。
6.昂头挺胸马，画法三块瓦。
7.抬头羊、低头猪、怯人鼠、威风虎、鸟噪夜、马嘶蹶、牛行卧、犬吠篱。画戏猫，常洗脸;画白兔、前腿短;画雄鹰，两口眼;画麒麟，头似龙。
8.十鹿九回首(回首即是招呼群鹿共食，又是勾画鹿时时警惕异兽袭击的特征)。
9.蝙蝠从来行不拘，如龙似虎方称奇，虎头云身自如鼠，两翅斜飞有高低。
10.雀鸟行学画爪嘴;走兽先学画鲤鱼，尾鳃鳍。虫蝶先学画翅膀，花卉先学画瓣蕊。
1.丈山尺村。寸马豆人;远人无目，远树无枝，远水无坡，远山无皴，远阁无基，远船无帆桅。
2.山要高，用云托;石要峭，飞泉流;路要窄，车马塞;楼要远，树木掩。近山不可接远山(指应有隔隙);远水倒可接近水(指近处有湖塘，远处可画水口)，旅舍不宜半山腰，水路最忌去无路。
3.青树叶点点，夏树不露梢，秋树叶稀稀，冬树不点叶。
4.行云：缠延似流水、卧云平摆象如意，大云通身连气，小云巧而生灵。
5.四时点景：正月张彩礼，二月放风筝，三月花丛丛，四月放蚱蜓，五月酒帘红，六月荷花生，七月看天星，八月日当空，九月登高阁，十月调鸟虫，十一月摆盆景，十二月桃符更。
1.牡丹：小瓣尖端宜三缺，大瓣尖端四、五最，老干缠枝如波纹，花头空处托半叶。
2.梅花：枝不得对发、花不可并生，叠花如品字，发梢似燕飞。
3.果实：叶从果间生，不露大块，果中有斑纹，不显全身。
4.大花大果：花大不宜独梗，果大皆用双枝。
5.缠枝莲：梗细恰如明月晕，莲藤形似老苍龙。
1.文相软、武将硬。画戏剧题材时，文戏多用软色，如《西厢记》、《断桥会》、《昭君出塞》等;武打戏多用硬色，如《野猪林》、《李白成坐金銮》等。
2.软靠硬，色不楞。意指画衣装服饰或桌案景物时，大绿和深蓝或是大绿和大红靠近时，必须在两色间加一软色，如红袄要加扮蓝裙子就好;若粉蓝裙子，淡红上衣，腰间可加一深蓝腰带，则显得软中有硬而美。
3.要想精，加点青。古装画中的妇女或书生多用软色，以显清丽，但没有硬色，缺乏对比，故需要在人物衣领、底裙、袖口等处加一黑边，就和娇嫩粉面形成对比衬托作用，显出人物的精神。
4.红靠黄、亮晃晃。画神仙道释红袍黄项光，或红柱黄幔帐，袍带故事中红袍绣黄龙，黄袍骑红马，都显得华丽明耀。
5.精青绿、人品细。画故事画中的妇女，如用粉裙、青上衣、绿腰带;或绿衣、青色裙、粉腰带、画出的人品俊秀细美。
6.要想俏，带点孝。画面中的五颜六色，容易杂乱无章，重点不突出，如果加点黑、白、灰，就能重点俏然突出。
7.黑靠紫，臭狗屎。紫色和黑色都是“硬色”两色放在一起显得楞而不活。在吉庆题材的绘画中，最忌这两色相近，即使是粉紫色也很少和黑色靠近。
8.青紫不宜并列，黄白未可随肩。青与紫色相接近，配在一起不醒目。黄与白明度接近，二者配合在一起容易产生“同化”作用，彼此的个性都显现不出来。
9.紫是骨头绿是筋，配上红黄色更新。紫和绿是间色，红与黄是原色，红与绿是互补色;黄与紫也是互补，利用它们之间的强烈对比关系，乃属用色特点之一。
10.女红、妇黄、寡青、老褐。画少女穿红戴绿得活泼俊秀;画少妇加黄衣或巾带以示贵显;画寡妇身著青色益显肃穆;画老人用褐色最适宜。
11.红忌紫、紫怕黄、黄喜绿、绿爱红。红衣不配紫裤，红袍忌靠紫袍，紫(茄花)色相和黄接近，黄和绿靠近无妨，绿和红配显喜庆。
瓷板画《假寐》赵梦歌
瓷板画《云动》罗小聪
“我出生在景德镇陶瓷世家，记得小时吃饭的时候，使用的就是官窑的碗。”陶瓷艺术家罗英桂十七岁进入陶瓷厂，而在此之前来自家庭的熏陶早已使她深深爱上了古老而美丽的陶瓷艺术。但如今，她所探寻的，是要通过创新超越传统，发展当代陶瓷艺术。她说：“景德镇的陶瓷要完成从工艺到艺术的转化，需要漫长的过渡。而只有‘借力’具有国际语言的当代艺术，进行‘艺术嫁接’，才能加快这个过程。只要具有艺术和思想上的高度，不论是油画家还是国画家，都完全可以在陶瓷上实现自己的艺术想法。”
罗英桂创建的“人间瓷画”长期以来致力于瓷板画创作的推陈出新，营造了一所“没有围墙的学院”，她签约的艺术家也是风格迥异。
刘正作品中重叠相连的人体造型体现了瓷板画具有展现雕塑这一艺术形态的可能性。“我一直觉得我挣扎在一张网中，这张网是由复杂的历史文化构成的。一方面，我需要依赖这张网，使自己不至于悬浮在空中。另一方面，我需要挣脱这张网，使自己减少被束缚的痛苦和被窒息的危险。”这就是他的当代艺术创作理念。他的釉下彩瓷系列作品，立意新颖，逻辑思维缜密，通过具有生命力的线条，张扬了瓷板画的哲学空间。
赵梦歌从优雅的唐代仕女图中汲取灵感，以西方油画技法进行渲染，创造出青花风格的抽象人体作品。她以“我的精神自画像”思想为背景，进入当代瓷板画创作，成功塑造出中国传统文化中女性情感“无时间性”的欲望主题。她的作品不仅展现出了来自内心深处对爱和欲望的理解，还通过熟练的丰满的线条，勾勒出女性固有的想象旋律。在大千世界，具有无限的色彩斑斓的空间，然而真正属于每一个人自己的总是仅有的那样有限的一点，有时候，为了这样有限的一点，需要人付出一生的守候。赵梦歌的陶瓷绘画女性题材，就能够让人充满期待，处在永恒的交错感觉之中。
马丁民的作品借鉴了西方的色彩语言和中国传统画的写意手法，呈现出一种独特的色彩张力和韵味，传达出一种优雅与质朴的东方意蕴。人为控制与自然天成的功底，使得陶瓷颜色釉绘画艺术具有无限的可能性。他认为：为了思考传统，必须抛弃模式的概念束缚，转向经验的创新。他以高温色釉进行绘画研究，保留了陶瓷材质的天然性和生命力，形成陶瓷绘画的一种天然、率真的油画实验方法。
“开始时，习惯了传统瓷器的人们都不理解我，也看不懂我挚爱的瓷板画。但如今情况就不同了。”这些年，罗英桂所提出的当代陶瓷绘画的艺术框架得到了业内人士的广泛赞同，许多陶瓷学院、美院的艺术家都加入了与她的合作。近十年的时间里，罗英桂与近百位国内外艺术家合作，创作了千余幅当代瓷画作品。虽然投入了大量的精力与心血，但罗英桂并不觉得累，她说：“过去，我经常思考，作为深爱陶瓷的当代景德镇人，我们应该为陶瓷做些什么？应该给未来留下什么？如今，当代瓷板画替我解答了这个疑问。”
“历史上的瓷都是景德镇，这没有疑问。但是，到了当代景德镇是不是瓷都，我们曾感到怀疑。但是当看到了当代瓷板画以后，我们打消了这个疑问，瓷都还是景德镇。”在1篇题为《发现瓷都》的文章里，来自美国的一位博士发出了这样的感叹。“中国陶瓷在历史上的辉煌是无法忽视的。而当今中国陶瓷艺术的发展则体现在它的绘画性与当代性上，这一点正是当代瓷板画展示给世界的。”艺术品策展人关蕴科向我们这么解释。
关蕴科认为陶瓷艺术由三部分组成，即绘画、器型、窑变。由于传统陶瓷艺术最大的功能在于它的装饰性，而人们又往往出于实用性的考虑，因而不将绘画这个陶瓷艺术的重要构成部分作为陶瓷艺术的主要内容。对于陶瓷艺术的绘画性千百年来受到的淡化和忽视，关蕴科感到惋惜，“中国传统的陶瓷艺术长期经历着皇权左右的特殊历史阶段，皇帝喜好的图绘，由宫廷画师画好，再带到窑厂交由工匠仿制。因为传统陶瓷上的绘画并不是一次性创作完成的，在工匠们复制的过程中，原作的气韵必然流失不少。这也就造成了传统陶瓷一直以来不被归为艺术品，而被归为工艺品的事实。”陶瓷绘画由于不是“创作”，而是“复制”而成，因而一直属于陶瓷艺术的附属部分。
“这个问题不难解答，其实在清末民初，一部分文人已经思考并着手这个问题了，景德镇的‘珠山八友’就是开端和代表。”关蕴科认为以“珠山八友”为代表的中国早期陶瓷绘画艺术是以民国初期为开端的，而“珠山八友”最重要的贡献就是文人对陶瓷艺术的亲自参与。“陶瓷一直处于工艺品的地位。过去的文人以士大夫、知识分子阶层自居，是不屑与工匠相提并论的。到了清末民初，产生了文人参与陶瓷绘画的新现象。”但由于受到材料、颜料的客观限制以及封建文化背景的主观局限，他们的创作还停留在较为原始的层面。“他们的创作依靠着传统的生活材料和生活经验，在作品方向、主题和绘画语言上都是需要与时俱进的。”
既然传统的'“梅兰竹菊”不能完美地体现陶瓷的艺术价值，那么怎样才能使陶瓷艺术得到真正的艺术独立性呢？如今人们越来越重视绘画性对陶瓷艺术的重大进步作用。“作为当代艺术，陶瓷绘画一定要有国际语言或者说是普世价值观。”那么，同样存在一个问题，在陶瓷上能否出现当代艺术的表现。“过去人们只在陶瓷器皿的方寸之间进行创作，瓷板做到三十厘米已经很不容易。而现在的瓷板最大限度能做到五米的尺幅。过去颜料只有几种，如今瓷板画颜料与油画一样，有无限多种。针对这一现状，我们提出一个概念：瓷板是美术界的第三载体。”对于这个说法，中国有自己的艺术品牌、文化定位和自己的解释权：“去年，我们把一些优秀的瓷板画作品在美国做了一个展览，感受到他们对中国传统陶瓷创新的认可。”
材料的问题解决了，剩下的就是画家的问题了。“传统的继承确实很重要，但那只是对历史的记录，而真正有意义的其实是创新。我认为当代陶瓷的绘画性体现，应该是新世纪中国对国际陶瓷艺术的贡献。”这种承担着历史责任的“绘画性”则不仅仅是传统陶瓷上的青花、斗彩、云卷纹和“梅兰竹菊”，而是一种可以与国际对话的艺术语言。西方人甚至没有办法理解写意的中国水墨画，因而“要在瓷板绘画上表现出当代艺术，则必须要求艺术家本身具有当代艺术的思想。”
如今，越来越多的艺术家关注到瓷板画这种全新的艺术表达形式。“一大批学院派陶瓷艺术家都开始拿出相当一部分精力进行陶瓷艺术的创新，尤其是年轻的艺术家。他们有着相当好的文化理论背景，很多就是学西方绘画理论出身的。”
瓷板画不同于一般的绘画作品，它有釉上釉下之分，因而它既可以造成像油画那样的堆积效果，也可以渗入材质造成国画大写意一般的效果。艺术家们可以根据构思的需要来自己选择创作的手段，这样的艺术宽度是一般的绘画作品无法达到的。比如，姜宝林以白描、大写意为长；刘正则擅以抽象的线条表现肢体和季节的变化；赵梦歌的油画抽象人物则展现了青花大写意的艺术生命力等。景德镇“人间瓷画”日前在中国美术馆举办的中国当代陶瓷绘画艺术展，以近年来国内外著名画家的数千件绘画精品为创作主题，集中体现了当代瓷板画创作的新方向，在瓷画收藏和学术领域都具有独特的意义。
转载自
关蕴科说，瓷板画所突出的陶瓷艺术的绘画性，使世界读懂了中国的陶瓷语言，让当代艺术家的创作思维得以在瓷板上表现出来，证明陶瓷艺术仍具有相当的艺术宽度。
王廷佐：字少雄，安徽泾县人。清同治、光绪年间景德镇瓷画名家。其浅绛彩瓷画独具特色，方法是用墨皱染后，再施淡墨浅袾渲染。色泽柔和，操作简便。所作浅绛彩清明雨景小方酒杯，现藏景德镇陶瓷研究所。除山水画，还擅长画猴。
程 门
程 门：字雪笠，安徽歙县人。清光绪时景德镇瓷画名家。擅长浅绛彩绘山水、花卉瓷画。邓之诚《骨董琐记》中称许其瓷绘“极勾勒渲染之妙，得者珍之”。其子次笠、小笠承父业，都是清末民初著名瓷画家。
收藏大鳄涉足瓷板画看好其升值潜力
综观近年来的拍卖市场，在书画、瓷器价格纷纷走高的情况下，瓷板画开始成为收藏新宠。作为陶瓷收藏品中的高端品，瓷板画的价值随着近年来瓷器价值的升温出现几级跳。
北京保利集团2012年的春拍中，首开“新月雅集——民国文人瓷绘与现当代艺术陶瓷专场”就取得不俗成绩。其中，民国“珠山八友”之一的景德镇瓷画名家何许人的作品粉彩四季山水长条瓷板挂屏(四屏)以万元人民币成交，刷新艺术家作品成交纪录，创八友瓷价格新高。拍得此幅作品是资深收藏大鳄包铭山，他是新疆广汇集团广汇美术馆馆长。
近年来，包铭山在拍卖市场叱咤风云，事实上，他在30年前就开始涉足收藏，自九十年代初进入拍场，多年来致力于中国近现代书画的研究与收藏，是国内最早涉足拍卖圈的资深藏家之一，张大千的《侍女》，林风眠的《仕女》、《山水》以及徐悲鸿《九州无事乐耕耘》等作品均被他收入囊中，并将于2013年广汇美术馆开馆时正式展出。
包铭山此次在保利高价拍得何许人的瓷板画作品令人震惊，这是佚今为止瓷板画珠山八友作品拍出的最高价。包铭山认为，历代传世的和出自近现代名家的瓷板画都具有不菲的收藏价值，加上目前已经有许多当代画家参与在瓷器上作画，瓷板画潜力巨大、行情将井喷。
据了解，在明朝时期，中国陶瓷之乡景德镇就有大量瓷器出口到中东、亚洲、欧洲等地。瓷板画就始于明代，其艺术地位经历了几度起落后的今天可谓百花齐放，大型瓷板画的佳作不断涌现，山水画的气势磅礴，人物画的形神兼备，花鸟画的多姿多彩，使瓷板的创作达到了一个新的境界。越来越多在书画界享有名气的书画家参与陶瓷绘画，进行艺术探索。其中不少当代名家的瓷绘板画作品在艺术品市场上走强。
瓷板画是在平板素瓷上手工绘画后再经高温烧制所成的陶瓷艺术品，明清时期开始，瓷板画日益兴盛，清末民初，瓷板画几乎成了达官贵人家中必备之物，艺人们纷纷设立画室，陶瓷工艺中的青花、五彩、釉里红等等在瓷板画上得到充分发挥。而在众多作品中，以民间技艺超群的陶瓷艺术家“珠山八友”的作品最受欢迎，清末民国瓷器大热时，“珠山八友”瓷板画的市价甚至堪比清末官窑。
据悉，“珠山八友”成员分别是王琦、王大凡、汪野亭、邓碧珊、毕伯涛、何许人、程意亭、刘雨岑，他们从事瓷画创作的年代大约在20世纪初至20世纪60年代。其中，“珠山八友”之一的代表人物何许人终其一生探索瓷上雪景山水技法，独树一帜，开启了景德镇瓷上雪景山水画之先河，并发展成为具有景德镇特色的一个瓷绘体系，影响了一代又一代的瓷画名家。
几百年来，瓷板画在陶瓷艺术与绘画艺术的边缘获得了发展空间，呈现出旺盛的生命力，并将陶瓷艺术推向了更高的境界，使他们具备更纯的文化品格。瓷板画的价值也不断在升温，继2011年5月中国嘉德(微博)的拍卖会上，“珠山八友”王大凡的一幅《禹王治水图》 粉彩瓷板画拍出920万元的高价后，保利集团在今春拍卖会上的“新月雅集——民国文人瓷绘与现当代艺术陶瓷专场”表现不俗，成交额近8400万元，除了刷新艺术家作品成交纪录的何许人的粉彩四季山水长条瓷板挂屏，王步粉彩东篱秋菊图象耳尊成交额也达到万元。现当代艺术家的作品也不遑多让，戴荣华1990年作粉彩四美图花鸟双面釉长条瓷板屏风(四屏)也以667万元成交。
据悉，2011年开始，文化部与对中国外文化交流协会先后在美国等地举办陶瓷艺术精品展，作为中美高层文化交流、中日韩文化部长交流的项目之一，让瓷板画走向世界。
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绘画技巧和心得体会【第七篇】
前段时间我参观了学校美术系的作品展览，在展览现场，有很多当场画的作品，这些作品十分的优秀，令我无比羡慕，心里一直有个想拿笔画画的想法，所以在报选修课的时候，毫不犹豫地选择了绘画基础。
选修的第一节课迎来了我们和蔼可亲的崔老师，值得幸运的是，崔老师不同于其他选修课老师，她特别希望我们能学到些东西，不浪费宝贵的十六周课。崔老师是一位教学经验十分丰富的老师，她有信心也有能力将我们这些对绘画知之甚少的孩子们培养出来，在她的指导下，我们逐渐恢复了自信。
素描作为一门绘画基础课，以质感、明暗调子、空间感、虚实处理等方面为重点，研究造型的基本规律，画面以视觉艺术效果为主要目的。崔老师在遵循这些基本规律的基础上，以个人的独特的绘画技巧让我们尝试了从未体验过的画法。这种富有强烈层次感的绘画技巧让我们尤为赞叹。
德加说：“素描画的不是形体，而是对形体的观察”。崔老师正是本着这样的理念对我们进行超越造型的表现。所以我觉得在这短短的十六周里，我的素描有了一次飞跃式的进步。学会了用眼用脑来画画。并且能把这种表现方法运用到我以后的绘画中。
在此特别感谢为我们辛苦苦付出的崔琳琳老师，并真诚地道一声：老师，您辛苦了！！
绘画技巧和心得体会【第八篇】
一些人物具体形象的速写,但这个速写是有一定要求的,下面是网友为你带来的速写绘画技巧，希望对你有所帮助。
静态速写指在一段时间内相对静止不动的动态，如男女青年站姿或者坐姿、看书等。此类考题主要是考查考生对人物整体结构的把握能力和表现能力。静态速写考题经常出现，其目的是要求考生把对象的结构比例画正确，形象刻画充分。但是由于绘画的参考对象是静止的，所以考生还是比较容易掌握的。
动态速写有规则性动态和不规则性动态两种，它是现在美术高考中速写命题的大趋势。
规则性动态速写是指绘画对象进行规律性地重复运动的动态。如拍篮球这一动态，主要是速写对象基本的位置不变，只是局部处于循环往复的运动动态；又如跑步的动态，主要是速写对象整体所做的规律性动作。今年广东联考的速写考题是要求考生画骑自行车的人，就属于此类。画动态速写，关键是要抓住有代表性的.某一动作瞬间。一般来说，一个动作在开始或结束时较有代表性。
不规则性动态速写是指那些重复动作较少的动态。如打球、舞蹈等动作，要画好这些动态对于考生来说是比较困难的，但是，这些动态形象在生活中往往也会反复出现，虽然说千变万化，但如果考生反复观察过这些动态形象也就不难了。因此，考生要画好不规则动态速写，除了要掌握解剖知识和运动规律外，还要多关注现实，随时随地留意观察生活中人物的各种动态特征。没有一定的生活知识，我认为是很难画好这类速写的。
表现某一环境中的相互关系的几个或一群人的速写称为场景速写。美术高考中的场景速写一般以人物为主体，以环境为辅，如市场一角等，主要是表现几个人物形象为主的一个小场面。人物一般要求三个以上，画面要有生活情趣。那么考生一定要交代清楚人与人之间的动态、神态，人与物之间的相互关系。当然，最重要的还是要自然生动、主题突出，有主次、有呼应、有远近，不能各不相顾，缺乏对比。这类速写考查的主要是考生的表现能力和审美能力，虽然难度较大，但是有天赋的考生也会脱颖而出，所以那些专业性比较强的高校一般都会采用类似的考题。
考生要理解人物结构的透视、比例、穿插以及运动规律，采用概括的手法来表现人物的动态特征；在对大的形的把握的同时，要注意交代每个转折部位的相互关系，注重绘画的视觉感受，这是画好人物速写的前提。
一幅好的速写也会给人强烈的审美享受，这是无可辩驳的事实！好的速写必须要求描绘对象的动态自然、协调，让人看起来比较舒服。要达到这一点，绘画者的眼光就显得尤为重要。所以说如何构图，怎样选取绘画角度，怎样的姿态更合乎审美情趣，这些都是考生要思考的问题。
线条主要是通过长短、轻重、疏密和浓淡来表现的。流畅的线条可增强画面表现力和生动性。线条与形体结构的巧妙结合，是生动表现人物的前提。以浓淡、缓急的线条来表现人物，有利于增加层次感，区分质感，提高艺术的感染力。
用笔的果断与否，直接反映了考生对速写技法掌握的熟练程度，同时也反映出了考生的个性以及绘画修养。那种犹豫用笔的速写是很难表现出速写的感觉的！考生应牢牢把握住整体、大局，以最简练的用笔去概括地表现对象的主要形象特征，适当放弃一些细微末节，这样才能达到速写的有效办法。
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