古典主义音乐的特征精编4篇

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古典主义音乐的特征1

风格概念涉及较广[i],相关的风格定义有两类。一类把风格纳入形式范畴。格罗夫词典把“风格”定义为一种方式，表情的样式，展现的类型。[1](638)在美学意义上，风格与表征相联；在历史意义上，风格被用于区分或归类。它既可以用于作曲家、时期、地域、社会等宏观的层面，也可以用于力度、音长等具体的微观的层面。罗杰·卡曼(Roger Kamien)将风格具体化为形式，他认为，“在音乐范畴，风格指的是各种音乐要素——旋律、节奏、音色、力度、和声、织体和曲式等富有个性的结合方式。”[2](54)另一类将音乐形式与内容结合起来定义风格。张前提出，“风格是通过该作品所独具的音乐语言、形式和体裁以及富于独创性的表现方式体现出来的，同时又与该作品的题材、内涵、意境和神韵密切相关，它是音乐作品的形式和内容的有机统一所呈现出的总的艺术特色。”[3](51)在认识论层面，艺术类型学将风格分为客观描述与主观评价两类[4](198-231),前者侧重作品的表现手法、形式等风格特征，后者侧重审美主体的情感倾向与价值态度等。整合上述定义可见，形式是基础，由此可关联到时代、内涵、情感等内容。力度形态是一种形式，可以成为风格认识的线索。史兰倩丝卡(Ruth Slenczynska)认为，通过乐曲的旋律等特征可以分析出作品创作的年代、或是某一作曲家的所作[5](137-141)。彭志敏提出，“从古典音乐到当代音乐，作曲家对力度记号的运用，是他对手段的理解和对总谱处理费心程度的有意义索引。”“力度对比的程度、性质和出现的次数加起来，构成了风格分析的一个重要范畴。”[6](289)旋律特征、力度记号确实是我们在经验层面用以指向创作风格的因素，力度对比等形态还可能指向表演风格。钢琴演奏很重要的一部分就是力度处理，由于乐谱力度记号要求远不及实际演奏的力度形态丰富，即使演奏同一首作品，实际的音响样式也常常呈现出不同的细节力度形态，这些各具特色的形态正是钢琴家演奏风格的具体体现。

鉴于此，本文聚焦于兼及创作与表演的钢琴音乐之力度形态与风格有何联系以及怎样联系。这是在认识与实践层面论及风格，因此，笔者认为，风格是形态、时代、情感等特征的集合，其内容包括音乐形态特征对应或关联的客观描述的时代特征、与主观评价的情感特征和作品内涵。进行主、客观分类的目的是使风格认识更清晰，分类依据是从历史与音乐分析获得的材料往往比由情感体验所得的材料更客观(所谓客观与主观是相对的)。而钢琴音乐的力度形态是具有力度特征的音符组合样式与音响样式，前者是由力度标记、节奏、节拍、织体、和声等形成的音符组合，后者指力度对比、力度变化幅度、由节奏重音等形成的音响形态。例如，节拍指示出周期性的力度变化，节奏联系着细节的强弱变化，多层的钢琴织体常常需要用不同的力度来区分声部，节奏重音意味着相对的力度强音，等等力度形态与风格的联系则可以通过力度形态与时代风格、力度形态与情感、创作和演奏风格的联系表现出来。

下文将结合钢琴史论述力度形态与客观描述的风格的联系，结合情感特征与作品内涵论述力度形态与主观评价的风格的联系，然后，以勃拉姆斯钢琴奏鸣曲第一乐章与间奏曲 [7](55-61,129-131)的音乐分析以及柯曾(Curzon)演奏[8]的音响分析的实证结果为例，阐释力度形态特征怎样集合成风格。

一、力度形态与客观描述的风格

客观描述是梳理归纳文献记载的不同时代的力度形态特征，并将这些特征指向一定时代的风格。组成力度形态的“音乐符号客体的体系是在长期的社会音乐实践中〔〕形成的”,[9](116)有相当的稳定性，对包括力度形态在内的音乐的解释有一般客观的标准。时代风格在一定程度上可以被视为音乐研究者根据历史年代、社会思潮等来归类的产物。随着时间的沉淀，这些风格特征在人们眼中已是约定俗成，并成为基本公认的客观标准，钢琴力度形态特征亦如此。

巴洛克时期键盘音乐的力度形态有三方面特征。首先，当时的键盘作品分两类：一是为管风琴而作，二是为古钢琴而写。管风琴的声音可以延续，它靠音栓改变力度，其音响表现出宏大、具有阶梯状力度变化等特征。古钢琴的延音比现代钢琴短，音量较小，力度变化幅度也很有限。[ii] 其次，巴洛克时期的键盘音乐几乎没有具体的力度标记，但由音长与音高的改变而产生的力度却一直存在。由于缺少直接改变音量大小的条件，缓急法与装饰音被当成间接改变力度形态的要素。当时的“羽管键琴家经常借助速度上的微小变化，即用所谓缓急法，来表现声音的强弱变化和音乐上的张驰感，有时也用装饰音来表现重音。”[10](6)第三，巴洛克音乐多用对位法写成，从纵向声部结合看，模仿使类似的旋律先后在不同音高上出现，由此形成错落有致的节奏重音，这类重音是有复调特色的力度形态。古典时期，键盘乐器正处于从古钢琴向近代钢琴的过渡时期，力度形态经历了两个变化阶段。古典主义前期(以海顿和莫扎特为代表)的钢琴音乐具有典雅精巧、细腻抒情的室内乐风格，仍携带着一点巴洛克晚期风格的痕迹[11]。当时的力度多在p至f之间，有适度的力度标记，力度形态具有变化频率小、纵向力度层次主次分明(与简单的主调织体对应)等特征。古典主义后期(以贝多芬为代表)的钢琴音乐具有热情奔放、对比强烈的交响性特征，贝多芬的力度标记从ff到ppp(但那时的钢琴音量比现代钢琴低一个力度等级),同时运用音量增大、渐强、渐弱、突强、突弱等表现手段，这些预示了后来的浪漫主义倾向[10](74-94)。 浪漫主义时期是钢琴音乐的繁荣期，该时期力度变化幅度较大、对比突出、渐强与渐弱持续时间长、力度与速度变化常结合在一起，浪漫主义晚期有追求管弦乐的饱满力度的倾向。除了乐谱中明确的力度要求，该时期作品的织体也有间接的力度要求，例如，在更宽的音域里展开长琶音的华丽的织体形式，在织体的各个层次重复旋律音，加强旋律厚度使其达到更丰满的程度，使织体在纵向层次间有节奏矛盾[12](253-259)。这些都导致了丰富的力度变化，长琶音织体常伴随着持续时间长与变化幅度大的力度，各声部层次的旋律音有突出力度对比的要求，织体的节奏矛盾导致错落有致的节奏重音。印象主义时期钢琴音乐的力度具有“低力度域”、“力度节奏高频变化”、“力度布局立体化”、“力度结构意义凸显”等特征[13]。该时期的代表人物之一德彪西的作品中，“声音的力度主要在弱的范围内变化。在轻声范围内作出无数层次与音色对比，是演奏印象主义作品不可缺少的基本功” [14](280)。印象主义把力度作为音乐表现的重要手段，讲求在弱音区的、细致的、力度结合音色的变化。

古典主义音乐的特征2

的造型艺术。音乐与建筑按照各自的要求和规律发展，看似毫无关系的两种事物其实却有着千丝万缕的联系。

从公元前8世纪古希腊罗马时期开始，一直到20世纪初浪漫主义结束，在这漫长的历史演变中诞生了一大批世界上最伟大的艺术作品，尤其是音乐与建筑艺术，被公认为是人类文明中最纯粹的艺术作品。

2 古典各时期音乐与建筑的对比

古典时期按时间顺序分为古希腊罗马时期、中世纪时期、文艺复兴时期、巴洛克时期、古典主义时期和浪漫主义时期。在不同的时间段内，诞生了不同风格的音乐与建筑形式，接下来通过对这古典音乐与建筑的风格演变进行对比，找到音乐与建筑的内在联系。

古希腊罗马时期的音乐与建筑

音乐成就

(1)在古希腊神话中，重神之王宙斯的9个女儿是负责掌管音乐等艺术门类的“缪斯”女神。因此古希腊人就用女神的名字“Mousa”(缪斯)作为“音乐”的代称，这也就是流传至今“music”一词的来历。

(2)公元前6世纪，古希腊哲学家、数学家毕达哥拉斯首先提出纯律理论，他根据弦的长度计算出了当时所使用的一切音程，这是音乐理论方面的重大突破。

(3)大约在公元前5到公元前4世纪时，融戏剧、音乐、舞蹈、诗歌为一体的综合形式——古希腊悲剧与古希腊喜剧出现了。

(4)古罗马的音乐基本沿袭了古希腊音乐的形态。他们主要用于祭神仪式、婚宴典礼及军队凯旋仪式。

建筑成就

(1)希腊：雅典卫城建筑群、帕提农神庙、伊瑞克提翁神庙、胜利神庙、山门、雅典娜神像。

(2)罗马：万神庙、大角斗场、古罗马公共浴场、古罗马住宅、古罗马广场。

音乐与建筑的共同点

(1)音乐：固定的调式，如多里亚调式、弗里吉亚调式。

(2)建筑：固定的柱式，如多利克柱式、爱奥尼柱式、科林斯柱式。

(3)共同点：固定不变。

中世纪时期的音乐与建筑

音乐成就

(1)这一时期的音乐多以宗教目的为主，宗教类型的音乐泛指的是葛丽果圣歌，此为单音音乐的作品，一路发展下来就成了後来的弥散曲、安魂曲。

(2)世俗音乐也有了巨大的发展，大部分的作者都是一些没落的贵族阶级，其实内容大部分都是与宗教有关，但并不是在教堂里演出。

(3)连年的战争加上宗教的禁欲主义，音乐内容与形式以宗教为前提，在通俗音乐与宗教音乐夹杂抗争中发展。

(4)中世纪的音乐发展无疑是整个音乐史发展中禁锢最多、最灰暗的一段。

建筑成就

(1)罗马风：基督教堂、封建城堡、教会修道院。

(2)哥特：比萨主教堂建筑群、佛罗伦萨主教堂、威尼斯的总督府、阿尔罕布拉宫。

(3)拜占庭：圣索菲亚大教堂。

音乐与建筑的共同点

(1)音乐：多为教会音乐，单音节、无和声、无伴奏、清唱、齐唱。

(2)建筑：多为教堂建筑，理性、禁欲、有节制、朴素、多用厚重阴暗的半圆形拱门。

(3)共同点：朴素禁欲。

文艺复兴时期的音乐与建筑

音乐成就

(1)这个时期的结束比开始有更为明确的定义，不像其他的艺术类别。在15世纪初的音乐表现上没有明显变革，因此说文艺复兴时期的音乐特点是逐渐变化的。

(2)早期文艺复兴音乐作品主要是对第三间隔的依靠作为和音。从12世纪开始的复调音乐在整个14世纪变得更为细致而不依靠声音来表述。15世纪初的音乐趋向简单，声音致力于平滑。

(3)到15世纪末，复调宗教音乐又开始变得复杂起来，在某种意义上和当时发展极致的绘画有所关连；接下来到16世纪早期，音乐又开始简单化了。

(4)在16世纪晚期的音乐，尤其是小曲，趋向于更加复杂和半音音阶的趋奉。此时在佛罗伦斯，音乐家也开始转向古典流派，他们试图通过挽诗的形式恢复古希腊的梦幻化的音乐形 式。 建筑成就 (1)早期：弗洛伦萨大教堂、鲁奇兰府？ ? (2)兴盛：圣彼得堡大教堂、法尔尼斯府？ ? (3)晚期：维琴察的巴西利卡和圆厅别墅。 音乐与建筑的共同点 (1)音乐：提倡人文主义，描绘世俗生活情景、表现诗意的画面。

/> (2)建筑：批判神权、肯定人性、把人的比例融入建筑，多用线条轻快的尖拱、造型俊秀的小尖塔、飞扶壁、彩窗。

(3)共同点：人性解放。

巴洛克时期的音乐与建筑

音乐成就

(1)巴洛克是一个时期，而不是一种风格，这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐，1600到1750年这150年间就叫做巴洛克时期。

(2)巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。

(3)那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展，弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色。

(4)代表人物有：巴赫、维瓦尔蒂和亨德尔。巴赫是音乐之父，维瓦尔蒂凭着他的《四季》一举成名天下知，亨德尔是旋律大师，他的作品有一种优雅，他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富。

建筑成就

(1)早期：罗马耶稣会教堂。

(2)中期：罗马波罗广场、圣卡罗教堂。

(3)晚期：维也纳的舒伯鲁恩宫。

音乐与建筑的共同点

(1)音乐：多用装饰音符、分声部和声、节奏强力跳跃、华丽、强调起伏和速度、表现壮观场面。

(2)建筑：炫耀、多用贵重材料、追求新奇、装饰、色彩鲜丽。

(3)共同点：装饰华丽。

古典主义时期的音乐与建筑

音乐成就

(1)广义是指西洋古典音乐，狭义指古典主义音乐，是1750 -1820年这一段时间的欧洲主流音乐。

(2)因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。

(3)“交响乐之父”海顿的小夜曲，“神童”莫扎特的奏鸣曲，以及“乐圣”贝多芬的小提琴协奏曲。音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐。

建筑成就

(1)早期：维康府邸。

(2)中期：卢浮宫东立面、凡尔赛宫。

(3)晚期：巴黎残废军人新教堂。

音乐与建筑的共同点

(1)音乐：严谨、典雅、端庄、像黑白电影和版画一样。

(2)建筑：以古典柱式构图为基础，突出轴线、强调对称、注重比例。

(3)共同点：理性主从。

浪漫主义时期的音乐与建筑

音乐成就

(1)这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。

(2)强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术。提倡标题音乐，强调个人主观感觉的表现，作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，重视戏剧，作品具有民族特色。

(3)在音乐形式上，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有更大的自由性。单乐章题材的器乐曲繁多，作曲家创立了多乐章的标题交想曲和单乐章的标题交响诗，这是浪漫主义音乐的重要的形式。

(4)初期：舒伯特和柏辽兹。中期：门德尔松、舒曼、肖邦和威尔第。巅峰：柴科夫斯基、李斯特和瓦格纳。晚期：、理查德·施特劳斯和拉赫玛尼诺夫。

建筑成就

(1)前期：英国议会大厦、曼彻斯特市政厅。

(2)后期：威斯敏斯特宫、圣吉尔斯教堂。

音乐与建筑的共同点

(1)音乐：强调自由、奔放、像一幅水彩画和油画。

(2)建筑：强调个性、自然主义、追求超凡脱俗、趣味和异国风情。

(3)共同点：自然趣味。

3 古典时期音乐与建筑的内在联系

感性层面

在古典时期，往往是先出现新的建筑风格，然后再出现新的音乐风格，在一段时期内，音乐的风格与建筑的风格在表象特征上是基本一致的。

而在不同的历史阶段，古典音乐与建筑的风格

会发生很大的变化，但是风格不管怎样变化，调子总是灰色的，充满信仰，压抑而厚重。 古希腊罗马时期风格是固定不变，中世纪时期风格是朴素禁欲，文艺复兴时期风格是人性解放、巴洛克时期风格是装饰华丽，古典主义时期风格是理性主从，浪漫主义时期风格是自然趣味，整个古典时期的音乐与建筑的风格就是从理性到感性，再从感性到

理性，再从理性到感性的变化过程。

理性层面

先有建筑风格，后又音乐风格的原因不难理解，建筑往往是在创造一种生活，而音乐往往是在描绘一种生活。建筑师把对生活的理想用建筑语言的形式表现出来，当音乐家游走于一种新的视觉形象中时会有新的灵感来源，再通过音乐语言把这种灵感表现出来。

而在这么长的一段时间里的音乐与建筑的风格总是表现出厚重感的原因在于，西方文明一直处在一种宗教的氛围当中，不管是创作的起点还是终点，总有一端是与宗教联系在一起的，所以整体的风格不管怎么变化，仍然有很沉重的感受。文化或是文明是有惯性的，不可能从一个极端走向另一个极端，总体上虽有变化但仍是一种延续。

整个古典时期的音乐与建筑风格的转变呈现出这样一种特征的本质原因在于人性的变化。当人性过分的理性时，就需要一种解放，当人性过分的感性时，就需要一种束缚，人性的发展就是在两种变化之间徘徊前进。而音乐与建筑就是人性变化时的一种外在反应，人通过这些表象事物来抒发自己对新生活的理想。所以在整个古典时期，音乐和建筑会在一个时间段内，风格都极其相似，也可随着人性的变化而呈现出相反的特征。

结语

通过对古典时期音乐与建筑的特点进行对比，找到了它们在每一段时期内的共同特征和不同时期的变化规律，在同一时期内产生共同的特征是因为人们对生活共同的向往，在不同时期产生不同的甚至是相反的特征是因为人性的变化。不管是音乐还是建筑都是人的创造物，它是人在一段时期内内心愿望的外在表现，必然会在特征上表现出高度的相似性，这也就是为什么音乐和建筑在一定程度上可以相互转化，人性在其中扮演着重要的角色。

参考文献：

[1] (德)谢林。艺术哲学[M].北京：中国社会出版社，2005.

古典主义音乐的特征3

继维也纳古典乐派之后于19世纪初至19世纪末叶在欧洲形成浪漫主义音乐流派，法国大革命失败后欧洲的封建势力复辟，欧洲民主运动和各民族解放运动是浪漫主义音乐的历史土壤。

不像古典主义作曲家对未来充满自信，浪漫主义时期的作曲家既对封建统治下的黑暗社会极其不满，又对法国资产阶级革命时期幻想建立的理想社会制度感到失望，因而看不到社会的出路而普遍产生失落、苦闷等情绪。为了寻求精神的解脱，他们沉醉于个人情感的主观体验，寄情于遥远的过去和大自然，揭示现实的冷酷和艺术家在社会中的孤独，而把爱情美化。创作内容的这些变化，使浪漫主义音乐产生了许多新的艺术特点，主要表现为个人主观感情的表达得到了深刻的揭示和加强。在古典主义音乐与浪漫主义音乐的过渡、交汇的特殊时期，音乐形象表现出这两个时期的双重特征，舒伯特的音乐便是典型代表。在舒伯特的创作中德语歌曲达到巅峰，但是还有另外一个舒伯特，这位浪漫主义者写下了贝多芬以后最伟大、最丰富的交响乐，虽然不可否认充满着浪漫主义的因素，但却是出于古典主义作曲家的老练手笔。

二、舒伯特作品中的双重特征

（一）艺术歌曲

艺术歌曲这一表现形式在19世纪的浪漫主义年代获得了较大的发展，而舒伯特正是这一音乐体裁的最早开拓者之一。舒伯特一生创作的六百多首艺术歌曲使其在音乐史上享有“歌曲之王”的美称。他在德奥音乐史上的贡献就是把艺术歌曲提高到与交响乐、歌剧等体裁同等重要的地位。舒伯特说道：“谁也不了解别人的苦难，谁也不了解别人的欢乐，人们以为他们能够相互了解，实际上他们只是萍水相逢又各奔东西而已。”他在精神上和心理上感受到，自己不再属于这个冷酷的世界了，因此写出以流浪人为题材的大量作品，成为舒伯特艺术歌曲表现的主要形象。如两首《流浪者》歌曲、《流浪者对月抒怀》、《流浪者夜歌》和两声部套曲《美丽的磨坊女》和《冬之旅》等。

舒伯特歌曲中的诗歌主要出自大诗人歌德、席勒、米勒之手，钢琴伴奏经常按照歌词内容设计，更好地表现了歌曲意境并起到烘托作用。舒伯特的艺术歌曲所体现出的歌唱与伴奏、歌词与音乐之间的协调关系及对表现手段的巧妙运用，对以后许多作曲家的歌曲创作有不可估量的影响。总之，舒伯特正是以自己独特的方式，深刻地反映了他自己包括他那一代人的悲惨命运。

（二）器乐作品

在舒伯特的晚期创作中，他将更多的精力和感情投入到器乐作品。舒伯特作为一个歌曲作曲家，从一开始就不拘成规，富于独创性；但作为一个器乐作曲家，则力求古典式的明晰性。

1.钢琴音乐

浪漫主义时期的音乐家们一方面延续发展了古典主义时期的钢琴奏鸣曲与协奏曲等大型体裁，另一方面就像浪漫主义时期的艺术歌曲那样，小型抒情性的钢琴音乐体裁获得了突飞猛进的发展。这些适应于浪漫主义即兴表现的小型音乐体裁，来自于浪漫主义音乐家的情感即兴表现的需要，而舒伯特正是这一领域最早的开拓者之一。舒伯特创作有8首即兴曲和6首音乐瞬间，大型钢琴曲主要有11首钢琴奏鸣曲和根据歌曲《流浪者》的主题创作的《C大调幻想曲》等。

这些钢琴小品每首都表现着一种独特的意境，无论是在表现的风格上，还是创作手法上，它们都启发了浪漫主义时期的钢琴小品创作，预示着舒曼、肖邦等浪漫主义作曲家在这一领域中的进一步展开。

2.交响乐和室内乐

19世纪初，最早在交响乐创作上显示浪漫主义音乐特征的音乐家便是舒伯特，舒伯特交响乐的全面歌唱化，既标志着浪漫主义交响乐的开始，又标志着古典主义动力性交响时代的结束。

舒伯特的艺术歌曲完全是浪漫主义的，而他的交响乐创作却具有古典主义和浪漫主义音乐的双重特征。舒伯特交响乐的全面歌唱化，标志着浪漫主义交响时代的到来，舒伯特就是在这样一种框架中发展着自己的交响乐风格。在1818至1828年期间舒伯特创作的9部交响曲中，b小调《第八交响曲》（未完成）的非传统套曲结构，哀婉动人的歌唱旋律，细腻的和声表现及丰富的管弦乐色彩，可看作是浪漫主义交响乐的开端。而C大调《第九交响曲》（伟大），其气势庞大的套曲结构，活跃充沛的谐谑曲乐章，英雄气质的第四乐章，处处洋溢着贝多芬的交响曲精神，音乐语言则回到古典主义的交响语汇中。

舒伯特的室内乐有许多精彩的作品，他曾表示要以室内乐的写作，打开通向交响乐的道路。1812年的一些四重奏显然是试验性的作品，到1814年他已是一位弦乐四重奏的大师了，他在力图找到他和古典主义者的关系。舒伯特共创作有十五首弦乐四重奏，其中第十四首《d小调弦乐四重奏》则是古典主义与浪漫主义相调和的产物：广泛地探索了半音和声法，旋律中充满浪漫主义的自由音乐语汇，古典主义的结构与平衡。

三、《d小调弦乐四重奏》中古典主义与浪漫主义的统一

《d小调弦乐四重奏》完成于1824年，因作品的第二乐章采用舒伯特1817年创作的歌曲《死神与少女》的主题和一组和声变奏而成，也称为《死神与少女弦乐四重奏》。这部作品的创作历时两年，这样的创作时长在舒伯特的其他作品中是罕有的，可见作曲家在这部作品中所倾注的心血。然而另一方面，我们在理解这部充满着忧郁、痛苦，更多的则是斗争情感的作品时，不得不复现出一个渴望快乐美好的人生却在现实中贫困潦倒，与病魔斗争，在生命接近终点时为艺术而坚持不懈的舒伯特。

作品总的风格特征是热烈激进的，几乎将四重奏组推到了乐队般的音响，不乏舒伯特所崇尚的贝多芬式的冲击力，但更多地表现出的仍然是别具一格的浪漫主义的抒情性与古典主义规整性的统一。据说，第一乐章的主题材料源自于舒伯特磨咖啡豆时的响声产生的灵感，即断奏的下行级进三连音。这一主题进行在乐曲的开头埋下了戏剧性的伏笔，同时无疑贯穿到乐曲发展中的整体走向。第二乐章是歌曲《死神与少女》的主题和一组和声发展而成的五个变奏曲，是全曲最具艺术想象力的部分。随后是谐谑曲乐章和充满巨大动力的吉格舞曲终乐章。

古典主义音乐的特征4

关键词古典主义 音乐 理性 柔美 壮美 希望

古典主义时期是西方音乐史上的一个重要时期，这个时期的音乐作品比较注重理智和情感的高度统一，内容与形式的高度统一。在创作上，确立了奏鸣曲、交响曲、协奏曲及各类室内音乐的体裁和形式，对之后浪漫主义音乐的发展有深远影响。这个时期的音乐表现出情感真挚、结构严谨、崇尚理性、语言质朴的特点。可以说，这是欧洲音乐史上比较重要的一个时期。从美学角度说，古典主义不提倡音乐作品反映社会现象和政治面貌，也否定想象和飘忽无常的情感，其主张情感“中立”，提出“艺术至上”的立场，认为作曲家应该摆脱主观喜好，以冷静、客观的态度把古典的内容用现代手法再现出来。

一、古典主义音乐特点

（一）以恢复希腊、罗马的古典艺术为目的

古典主义音乐，以恢复希腊、罗马的古典艺术为目的。注重形式上、结构上的和谐，追求表现客观的美。

（二）强调风格的高雅

古典主义以“交响乐之父”海顿、“音乐天才”莫扎特和“乐圣”贝多芬为代表，其特别强调风格的高雅。虽然这个时期的歌剧中有一些通俗成分，但并不影响这个时期高雅的主流。

（三）突出“理性”

布瓦洛在《诗的艺术》中突出了“理性”美。其认为，任何事物都有“理性”的美，有理性的音乐才是美的、真实的，理性的艺术才能永恒，才能完美。而所谓“理性”是有一定的规范和规则的。比如亚里士多德的《诗学》，他们的理解和规则是“三一律”，即时间、地点和情节一律。戏剧尤其突出这一点。

（四）追求“自然”

布瓦洛在《诗的艺术》中认为“古典就是自然”，美就是如何把自然这种美体现出来。

比如：18世纪上半叶意大利出现了喜歌剧，其反对意大利正歌剧“矫揉造作”，追求的就是一种“自然”的效果。“自然”表现在剧中人物常常是社会中下阶层，比较大众化，场景也是大家熟悉的日常生活。剧词幽默、口语化，音乐也很“自然”。

（五）简洁和清晰

简洁和清晰应是歌剧音乐永远追求的原则。古典主义时期是器乐比较繁荣的时期，人们不太欣赏比较复杂的音乐风格，提倡一个简洁明晰的主调音乐，这是音乐的旋律与和声是否简洁、是否美的一个依据。简洁的音乐、简洁的旋律成为这个时期的音乐美。

二、古典主义的音乐美

海顿是古典主义风格的奠基者，其确立了古典主义体裁和形式。莫扎特推动了古典风格趋于完美。贝多芬最终完善了古典主义风格。古典主义成为19世纪浪漫主义的引路者。

（一）完美与和谐

布瓦洛在《诗的艺术》中认为，“和谐”是艺术最基本的出发点，其从“和谐”角度对诗歌的语言与结构都提出了明确要求，如“精选和谐的字眼”“把不同的各个部门构成统一和完整”等。莱辛是德国启蒙主义美学的代表，其期望通过诗画的统一将感性与理性、客体与主体、美与表现加以统一。同时，其还将丑与崇高引入美学领域，作为重要的美学范畴。

布瓦洛和莱辛都认为“和谐”的音乐才是美的。布瓦洛在《诗的艺术》中要求：“要用一地、一天内完成一个故事。”也就是所谓的符合“三一律”原则。而启蒙主义最著名的美学原则是“美在关系”。狄德罗②是法国启蒙主义美学的代表。其认为在表演艺术中，有冲突的表演是基于理性的酝酿。有了理性，才会有冲突。狄德罗把美分成外在美和内在美。内在美为“实在美”，是指音乐的自身美，比如雕塑作品——石雕，石头本身就有自己的色彩、纹理、质地等，而音乐也是如此，比如钢琴，有自己本身的音质及美；外在美就是“相对美”，其主要是指音乐的外在美，即音乐的旋律、段落、结构美，也就是理性的、和谐的旋律和曲调美等。

（二）真善美

布瓦洛在《诗的艺术》中提倡一种真实的美，“只有真才美，只

有真才可爱”，“真”就是真实的情感。布瓦洛认为，“真”是和“善”紧密联系在一起的。“一个有德的作家，具有无邪的诗品。”有道德的人才会有善良的品格，才能写出无邪的作品。比如：海顿音乐中的“真实”就是其情绪的真实。海顿的音乐作品乐观、幽默，充满生气、曲如其人。海顿的交响曲充满人生的乐趣与幽默感。贝多芬的“真实”也是自己情绪的表现，如《月光奏鸣曲》《悲怆奏鸣曲》《命运交响曲》都是作者自己最真实的情感流露。

（三）痛苦与希望

从贝多芬的《命运交响曲》和《悲怆奏鸣曲》中可以看出，作者把个人的痛苦已经变幻为刚强与欢乐，在痛苦中寻找希望。贝多芬有严重的耳病，几乎听不见声音，但其不仅没有停止音乐创作，没有绝望，而且把自己的痛苦及与命运的搏斗写在了音乐中。音乐成为了贝多芬的希望。其因为有了痛苦，才有了希望，才有了升华的音乐。

（四）柔美与壮美

柔美指具有温柔、优雅、纤巧、秀丽、飘逸、安宁、淡雅的美，其有流畅的旋律、平稳的节奏，适中的速度与力度。诗意的美是柔美的最高境界。壮美是与柔美相对应的一种音乐美，亦称“阳刚美”，是刚劲、勇猛、粗犷、昂扬、力量的美，体现的是一种英雄气概。贝多芬的《致爱丽丝》，委婉、凄美，透出淡淡的忧伤，为柔美；《命运交响曲》坚强、冷静、激昂，为壮美。对命运的抗争用低沉、有力的音乐征服我们的灵魂，唤醒我们的斗志。《命运》不仅表现贝多芬内心的挣扎，也表现了一个人从压抑到奋起的内心波动。据贝多芬说，那是“命运的敲门声”。柔美和壮美给予我们完全不同的心理感受。 （五）现实与理想

布瓦洛在《诗的艺术》中说：写古代英雄要写其骄傲敬神的某种本性，写普通人则要按流浪汉、守财奴、老实、荒唐、糊涂、嫉妒的类型描写，或者写出老、中、青三代人不同的特性。英雄表现的是理想的美，普通人表现的是现实中的美。音乐中的“理想”美，往往通过自己的个人感受表现出来，其实表现的还是现实中的美。贝多芬的《命运交响曲》中就把个人感受，包括痛苦、愤怒，伤心、绝望、激情等都表现了出来，希望通过现实人物场景、环境表现出理想的美。

（六）激情与理性

从理论角度看，古典主义是以“理性”表现普通的人性。古典主义把“理性”的音乐放在第一。音乐创作需要激情，但激情在哪里？比如贝多芬就在生活中寻找激情。其在维也纳时，就利用散步的时候来寻找激情，进行创作。他说：“就在这儿我写下了溪边的景色，而在那边，黄鹂、鹌鹑、夜莺、杜鹃则在树梢上和我一起写作。”贝多芬的交响曲“绘情多于绘景”。的确，贝多芬的激情早已融入在他的音乐中，同时也融入到他的“理性 ”音乐中。古典主义虽然主张理性第一，却没有缺失激情创作，而激情就来自生活，来自大自然。

（七）古典与世俗

古典主义在题材上要求描写贵族生活，而不主张描写世俗内容。文克尔曼③提出古典美的突出标志是“高尚的简朴和静穆的伟大”，比如贝多芬的《致爱丽丝》就表现了作者委婉的、如泣如诉的心灵，如淡淡的月光，述说着自己淡淡的忧伤。这首曲子有一种静穆的美，为古典美。莫扎特的作品《油菜花开》《蜗牛的家》表现的都是日常生活的内容。纯真、阳光、喜悦、快乐，是世俗的美。尽管莫扎特是古典主义时期的一位理想主义者，但其在题材上也反映出了普通人的日常生活，而且在风格上通俗易懂，古典的美用人们容易接受的语言、风格表现了出来，体现出古典和世俗的统一。

（八）动与静

新古典主义欣赏的是一种静态的美。布瓦洛在《诗的艺术》中说：“感动人的绝不是人所不信的东西，不便演给人看的宜用叙述来说清。”叙述就是一种静态的美。海顿交响曲中的一些作品就表现出了作者伤感的情绪，如《伤感》《告别》，表达出一种叙述式的静态之美。音乐既需要静态的美，也不能缺少动态的、热烈的内心表白，体现动态的美。比如莫扎特的《费加罗的婚礼》就是一个热闹的场面，表现出人们激情、热烈、欢快的情绪。动与静哪种形式更美？这是值得探讨的话题。可以说，古典主义时期的美是以静态美为主的美，却不乏动态的美，而激情、快乐、开心、喜悦依然是其表现的内容和情绪。

注释：

①尼古拉·布瓦洛nicolas boileaudespreaux（1636—1711），法国文艺理论家。代表作品是1674年的《诗的艺术》

这部专著主要阐释了其美学思想，成为古典主义艺术理论的法典。

②狄德罗，18世纪法国唯物主义哲学家、美学家、文学家，百科全书派代表人物，第一部法国《百科全书》主编。其他著作包括《对自然的解释》《生理学基础》以及一些小说、剧本、评论论文集和写给很多朋友和同事的才华横溢的书信。

③文克尔曼（johann joachim winckelmann，1717—1768年）德国古代艺术史学家、艺术理论家、美学家。主要著作：《古代造型艺术史》《论模仿希腊的绘画和雕塑作品》等。

参考文献：

[1]布瓦洛。诗的艺术[m].北京：人民文学出版社，2009.

[2]狄德罗。百科全书[m].梁从诫，译。广州：花城出版社，2007.