装置艺术品室内空间设计论文（优推4篇）

网友发表时间 2023-12-21 08:49:34 940726

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装置艺术【第一篇】

过去，我们去美术馆看画，看雕塑，多半是一厢情愿式的解读――猜想这个艺术家在画些什么，在描述些什么，他为什么要这么做。与此同时，一个比较常识性的知识就是，不要触碰任何美术馆和博物馆里的东西。

长久以来，这都是一个墨守成规的观看方式――一个单向的，无声的，沉闷的交流过程。我们绞尽脑汁地试图从作品的名字，或是艺术家的生平资料里去揣摩这个作品的含义，而效果往往不如策展人的一句话来得明白。

但这种“单相思式”的观看方式正在逐步改变。这些年，越来越多的装置艺术开始走入普通观众的视野，例如在上海展出的装置作品《雨屋》就在社交媒体上兴起了分享的热潮。在人们形容这样一个艺术作品的时候，大家似乎暂时忘记了解读这件事，而是表现为很直观地去谈论自己看到了什么，在什么样的环境下看到的，看完后是个什么感觉。而更有时，人们甚至是可以触摸一些装置艺术作品的，产生一种互动的、双向的交流，那么，人们在描述这个作品时还会对在这个作品里可以完成什么程度的互动做出评价。这些变化，都是人们在理解和感受当代艺术时，一个观看方式上的巨大改变。

而这种观看方式的改变，在装置艺术的欣赏里体现得最为明显。所以，当今天的人们讨论起装置艺术的时候，很多时候并不应该称之为“解读”装置艺术，而应该是“体验”装置艺术。因为，在这个新兴的当代艺术的表现形式里，参观者的体会是至关重要的。很多装置艺术的精髓都需要观者的亲身参与，去到现场感受。这种体会包括了“体验”和“领会”的这两个层面。甚至，有的装置作品都再不需要艺术家去说明什么，只要人们去到了那个环境，那个时空，也就自然而然地融入到作品的情感里去了。

二

装置艺术（Installation art）目前在世界范围内，都是非常热门的一种艺术表达类型。虽然早在上个世纪的70年代，在美国就开始流行起这种艺术形式，但直到2010年之后，随着《梵高的星空》、《雨屋》等大型互动性装置艺术在上海等地的展示和曝光，装置艺术的这个名字才进入国内普通观众的视野。请不要简单地将装置艺术理解为装修艺术，或是装饰艺术，虽然他们有一些共通的地方――即强调了空间、技术和人们的体验这三个方面；但装置艺术里所展示的艺术精神是超越单纯的空间装饰意义的。

那么，应该如何来理解装置艺术这个新名词呢，如果我们从字面上来看装置艺术这个词，英文“Installation Art”，其中的动词是“Install”，也就是安装的意思，那么我们就应该能够理解装置艺术的概念中所包含的三大要素：安装的物件，安装的空间，安装的行为。

作为装置艺术中的行为主体――“安装”，是一个事件、一个过程。因此，在装置艺术里，首先需要有一个“物”成为这个安装行为的内容。也就是需要一些物件成为这个作品的材料和媒介本身。

第二，在安装的行为中，需要把这个物，即材料，安装到某一个东西上去。这个安装活动的附着物可以是另一个，或者一批物件，也可以是一个空间。这里就可以把装置行为看作是一个艺术家在一个目的和构思之内，解构、重组和打造一个全新的空间环境的过程；这个营造新环境、新空间、新的视觉效果的过程就可以和装修和装饰的日常行为结合起来理解。

最后，在一个装置作品的完成里，必须要有一个安装行为的具体实施者。所有的艺术作品之所以成立，是因为一个人为的，或是一个设计好的外力的行为作用；也就是说，装置艺术中一定要有一个人为的，非天然的艺术行为的参与。而进一步看，这个安装的过程中实施安装的人，既可以是艺术家本人，去制造一个已经完成的装置空间供人们体验和解读；同时，也可以是前来参观的人――观众作为艺术的参与者成为了安装行为的使用者。在这种情况下，观众成为了一个装置作品产生效果的启动器――一个个人或者集体的行动完成了这个装置作品所期待的双向交流。

因此，在理解了装置艺术中的三大要素：安装的东西，安装的空间，和安装的人，的基础之上，我们就可以把装置艺术理解为：现当代艺术的一种门类，主要指那些在三维空间里，尤其是特指在某一个场所和空间内的（site-specific），由艺术家设计或制造的一种表现空间、存在、感知、体验的、人为合成的艺术作品。

通常来说，装置艺术的产生和表现是在室内环境，如果作品的呈现是发生在室外环境和空间里，那么他们也会被归为公共艺术（Public art），大地艺术（Land art）或者干预艺术（Intervention art），但是，这些艺术类别的区分并没有特别明确的边界，而往往一个艺术作品也会跨多个领域，因此这些装置艺术的细分也常常会出现相互交融和重叠的现象。

所以，从场地上来看，装置艺术的存在可以是在画廊、美术馆、博物馆、私人场馆、酒店、机场之内；而发生在室外的装置作品，例如一些公共艺术，就可以是安装在城市广场，街道和公园里，如美国的芝加哥就拥有一批优秀的公共艺术；而大地艺术，通常是创做在森林、荒原、沙漠、草地、海滩等地，有永久性装置也有临时性装置，相同之处是把一个人为艺术品的造型和自然环境相结合。

三

面对一个装置艺术作品，首先人们看到的是这个装置的构成部分，也就是安装的物件。那么，这个物体，安装的材料，也就是装置艺术的媒体使用，在艺术作品里就起着主导性的关键作用。而很多的大型装置艺术都试图在体积、造型和构成上突出地展现自己在物体使用上的创造力；所以如果我们今天要把装置艺术进行分类的话，那么首当其冲的就是一批大量堆积和重组物体的“物派”艺术家。

装置作品里使用的物件可以分成两种，第一类是我们在生活中常见的物件；另一类是艺术家创造的独一无二的物件。

利用我们在日常生活中常见的、已有的物体进行创作，是当代艺术家常做的事情。自杜尚的现成品（readymade）艺术哲学建立之后，当代艺术家们便不再需要通过自己的手工技艺去创作艺术的原材料，而是可以在生活的琐碎中发掘日常事物的美感，并将它们选择出来，通过自己原创的改造和加工，将它放置在一个艺术的语境之中；从而让观众忘记这些日常用品的原有功能，而去思考这些物件本身的造型，去思索艺术家所赋予这些物件的意义。那么，这就是杜尚所提炼出来的现成品艺术的价值。

在物派的装置艺术里，积少成多是一种最常见的形式，也是在我看来，较为简单和初级的艺术表达。但是积少成多也有好处――简单易懂，视觉上容易产生震撼，利于给观众留下记忆点。例如，韩国当代艺术家崔正化（Choi Jeong Hwa）就用我们生活中常见的，“一元店”里的塑胶洗菜篮做了一系列的装置艺术作品。他将这些平凡物体积少成多，如堆积木一样探索造型的变化和组合，创造出了不少视觉表现力极强的作品。崔正化面对自己的创作方式，他认为“自己是艺术与日常生活之间的皮条客”，现代人生活中最日常又最容易被忽略的材料也会蕴含独特的艺术价值，哪怕只是城市边缘断壁中废弃的门，他也可以把它们制造成令人叹为观止的装置艺术，体现出来源于生活，又高于生活的造型美。

在这种日常物体的采用中，有的艺术家是直接利用了现成品，而有的是借用了生活用品的形态来创作，进行了适当的改造和重组――这些作品也是在利用物件本身的文化信息、社会信息、情感信息来传达艺术家的思想。例如安迪・沃霍尔的《银云》，一群银光闪闪的氢气球，这些观众可以触摸和互动的，会飘舞的枕头就是基于艺术家的童年记忆。沃霍尔小时候总幻想自己的枕头能够像云一样飘起来，而这种视觉记忆与童年梦想，在许多人心里都有过。于是，这些会飘动的银云就在观众心里产生了共鸣。作为一个人们可以亲身参与的装置艺术，观者很快可以理解到这个物件造型之下的含义，于是会自然地在画廊里与这些枕头进行互动。

如此看来，这种附着在一个物件本身造型上的含义是有超越语言的感染力的，它会启发的人们的回忆和互动。例如，80后看到小浣熊干脆面、小霸王学习机这种很有年代感的东西，就会想起童年；青年人看到黄冈试卷就会想到高考。那么，这种由物件本身启发的人们的心理回忆和情绪行为的反应，就被称为是物体本身的“启发性”（evocative qualities），它会唤起情感的记忆功能。具备这些启发的物件可以是具体的某个东西，同时，也可以是看不见、摸不着的物质――例如装置作品中使用的声音，光线，氛围，气味，这些都可以成为启开观众情感匣子的秘密武器。

四

在装置艺术里，如果把这些看得见的、看不见的“启发性”元素运用到极致，就会产生出一些如梦如幻的作品。这些全方位的、沁入式的创作就可以被归纳为装置艺术的“造梦派”。

首先，我们来说说什么是梦。佛洛伊德在他的著作《梦的解析》中谈到过梦构成的三个方面：第一，梦都是视觉性的；第二，梦都是一个人为组合的构成结构；第三，梦都有一种能力，就是把里面出现的元素都用语言里相应的一种文字或音符替换――这也就是我们常说的，梦的符号学象征意味。

而在装置艺术的探索中，一个重要的表达形态就是模拟或是尝试制造一种人类的梦境；其表现形式也和梦的三大构成差不多。首先，一个装置计划要实施一系列的信息视觉化，即一个梦境是需要被人看见的；第二，在装置作品中设计和组合装置材料和展示空间，这是一个人为的过程；第三，装置作品里的各个元素的安排都充满了象征的意味。目前国际上热门的一批装置艺术家，都很喜欢这种造梦的表现手法，把观众引入一种全方位的、梦境般的、体验至上的作品环境里。

这个“造梦派”的早期作品可以回溯到前苏联艺术家伊利亚・卡巴科夫（Ilya Kabakov）在1985年创作的装置作品《一个从自己的公寓飞到外太空的男人》。在展馆里面，卡巴科夫专门给这个作品单独建造了一个十分真实的，真人大小比例的公寓空间。在一个非常狭小的空间里，几乎没有像样的家具，只有一张破烂的折叠弹簧床，映射出其主人的生活状态。两把椅子架上一条木板就成了桌子，屋内脏乱不堪，食物洒在地上仿佛老鼠啃过，这逼真的画面让人感到不安。

同时，参观者也可以看到这个公寓的内部――墙壁上都贴满了各种英雄海报，国家意志的宣传画贴了一层又一层。而在另一面墙上则贴满了手绘的飞行器草稿，弹簧发射器的设计图――这个环境描绘出一个“疯癫”的环境，观者在这些视觉信息的凭凑中可以看见一个想上宇宙想疯了的人。

而这个作品最有趣的地方也在此，卡巴科夫居然就让这个大家看不到的疯子成功了――观众可以看到这个公寓的天花板上有一个巨大的破洞，弹簧发射器的下面还放着这个男人没带走的鞋子，而鞋子的主人已经“飞”到太空上去了。

这个作品的意义就在于讽刺这种人类的疯癫，流露出了一种在生长在美苏冷战文化下的极端心理，可见这种占领太空的“星球大战”国家意识具体地影响到一个个体的痕迹。卡巴科夫采用了一种极度写实的，360度的，完整的梦境，来讽刺了这么一个疯癫过后的惨相――单靠弹簧发射器飞到太空本身的故事大家都知道根本不可能实现，但是在这个疯子的梦境里，他却成功了。每一个走进这个空间的参观者都会根据自己的生活经验马上理解出作品的剧情，于是，参观者变成了这个作品中的“演员”，想象和脑补的力量让这个作品的内容和意义变得完整。

造梦派装置艺术家对于展览空间的环境设计具有极强的表现力，很多装置艺术的目的其实也很单纯，就是要营造出一个存在于人类想象里，梦境里的视觉景观。在这方面，日本女艺术家盐田千春（Chiharu Shiota）就是个典型的例子。她的很多作品直接来源于自己的童年创伤和噩梦，并且巧妙地利用空间和密集的物件把属于她个人的噩梦通过装置环境传递给别人，让参观者马上掉入她设计好的黑暗童话的剧情里。

五

韩裔女艺术家今守子（Kim Sooja）在2006年于马德里的克里斯特宫做过的一个装置作品只能用如梦如幻来形容。今守子对克里斯特宫本身作出了超越梦境的运用――把室内的地板全部换成镜子，让各个玻璃窗洒进的阳光再一次反射，整个空间呈现出入万花筒一般的奇幻美景。这是一个需要去到现场才能完全感受的装置作品。金守子作为一个装置艺术家，也是一位行为艺术家。在这个题为《呼吸》的作品中，她自己也和建筑本身，这个梦幻的空间融为了一体。配合她2004年的另一视频作品《纺织厂》里面的音效，艺术家站在这个镜子和光线的宫殿里呼吸――用微弱的行动力和真实的自我存在营造一个全方位的装置体验。

《呼吸》这个作品就是需要人们的视觉、听觉和空间的感觉一起去参与这个作品的解读。而有的装置作品就更加依赖人们的感知能力，这样的作品只用眼睛透过图片记录去观看是不够的；它们的精神是一定要到现场去感受。

最有名的体验式装置作品包括有奥拉维尔・埃利亚松（Olafur Eliasson）在伦敦泰特美术馆做的《天气计划》，用新媒体的装置手段在伦敦的泰特艺术馆内制造出了伦敦人久违的太阳。前来参观的观众一时间会忘记自己身在何处，看见头顶的暖阳，会自然地席地而坐，聊天说笑。

装置艺术【第二篇】

当老师讨论到十大装置艺术时，另笔者最震惊的就是这一幅作品，他是一位葡萄牙街头艺术家Artur Bordalo（又名Bordalo二世）使用混合材料创建的属于自己的城市与环境景观。在大家眼中，丢弃的垃圾随处可见，并没有人愿意去收集它们，而在过去的几个月里葡萄牙艺术家Artur Bordalo一直在街头寻找成堆的垃圾，并用这些垃圾为他的城市创造了迷人的艺术色彩。

2014年，Bordalo二世受邀创作了一件装置作品，这件作品做为葡萄牙城市科维良当地“WOOL”艺术节的一部分，他花了整整一个多星期去创作猫头鹰的眼睛，这只猫头鹰用垃圾和回收材料拼贴而成。因为他们都是在一些荒废之地通过Artur Bordalo之手而浑然而成的，里面的原貌都没有被破坏，只是在原来的基础上被涂鸦了而已，就使得效果明显醒目，就猛然间成就这样一幅惟肖惟妙的画作。

首先从材质方面来说，它是可持续的，现在国民提倡可持续发展，资源合理化运用，此装置恰好适合这一点，刚好也在全球化的现状中结合了现实状况，在最廉价材质的基础上，完成了不廉价的巨作，且在颜色方面控制得也很好。如此大面积的巨作上，在喷绘方面也很难做到，然而他却处理得恰到好处，底色运用的绿色则体现大自然的颜色，使得整幅画面清新透明，并且在明暗效果上也做了深入处理，猫头鹰属于深色系，然而作者把底色靠近猫头鹰处变得更为透亮，使得巨作周边渐变至暗，也聚焦了观赏者的视觉集中点，木质材料的选用恰好与猫头鹰本质颜色相符，所以在颜色处理方面很容易让人接受，并且给人以好的印象；再次讨论到其笔法方面，在整体上画面中的点状式彩喷，有效地衔接画面中的色差，主要运用黄、蓝色点缀，使得画面更为和谐统一，也给娱乐画面栩栩如生的效果，给予艺术家统一整体性的感官，给予人们和谐舒适的感觉。

最后谈谈其细节方面的处理，特别是在猫头鹰眼睛上的处理，据说Bordalo二世花了一个多礼拜的时间去创作，在素描中讲道：“眼睛是心灵的窗口”，可见万物都一样，都要突出一个重点之说，然而在此创作中突出表现的就是这双眼睛，在效果处理上，三四层的眼眶，使得眼珠更加出彩。街头上的装置内上重点表现的眼睛，又似乎寓意着在大街小巷总有一双眼睛盯着你，鼓励人们做事要正大光明，问心无愧。在鼻子的处理上，也别具特色，其处于两眼之间，也属于视觉中心范围之内，如果处理更立体，反而破坏整体效果，其在平面化的基础上，也做到了差强人意。再来看看其构图上，将猫头鹰整个坐落在地面上，而不是腾空，则表明稳妥之意，给予路人安全感，使游者面临栩栩如生的庞然大物不至于惊慌，而是从容欣赏，可见设计者在为他人考虑方面也是处处着想。

二、 Miguel Chevalier的“神奇飞毯”

这件名为“神奇飞毯”的装置作品是在一个前身是教堂的空间中完成的，米格尔？雪弗兰用数字技术构建了丰富的图案，并将其投映在地板上，从而形成了迷人的景象效果。

“神奇飞毯”的展示地点选择在了圣心教堂，然而这座教堂被群山环绕，风景秀美，是一位法国的建筑设计师于1930年设计的，在1956年，省心教堂停止了它的宗教功能。其雄伟的建筑规模，其本身巍峨的气势和精美的设计是最大的亮点，米格尔将其数字艺术的展示地点选择在这里，可谓是相得益彰。当夜幕降临之时，米格尔则利用巨大的照明投影设备，将利用数字技术构建出来的彩色光影和马赛克团投射于教堂的地板上。当观众在整个教堂空间游览之时，这些图案在不断地变化，使得安静的场边变得喧闹起来，因交互而产生了不可预知的运动效果，也使得教堂的凝重感得以升华。在伴随着音乐的状态下，整个圣心教堂的地面变成了快乐的互动体验场所，使得人们在游览之时与空间产生了各种不一样的对话，烘托出不一样的氛围。

“神奇飞毯”的设计灵感来源于两个方面，一方面是传统的伊斯兰教，特别是马赛克图案和地毯纹样的设计，使魔术飞毯的呈现像是一个不断变化的纺织品，人们可以更全面地深入体验马赛克和美术设计的神奇；另一方面是生物学，微生物和细胞一样不断地分裂合并，无数的碎片聚集在一起然后又发生碰撞，长此以往的变化显示出宇宙万物的交融和碰撞，在游客的脚下，这个世界的颜色和形状以及形式的变化和运动，以一个巨大的大花筒的形式展现在人们的眼中，让人们对未知的世界产生更为神奇的幻想，也对未来的世界产生憧憬。

米格尔的创意来源于艺术史和其他方面的很多要素，他的创作是复杂的，并且很多是具有科学性的。譬如这个“神奇飞毯”所体现的是人类与大自然与宇宙的密切关系，其中有点彩派的运用，点彩的运用则体现出米格尔对光的折射等方面的爱好兴趣，从而使得阴极射线管和电脑屏幕锁出现的雏形，从20世纪80年代开始，米格尔就开始致力于混合型生成的图像，这类巨作则强有力地表现出他近几十年的研究成果，因此互动性成为米格尔创作中最容易让人类感知的艺术关键。

“神奇飞毯”能够为来自各国的采访者提供创造游戏的可能性，不仅仅体现了人与物的互动性，也体现出了游戏性，互动性则体现在当人们游览场地时，作品与游客的回应，出现的一些影像呈现出独具特色的一些效果，然而它的游戏性则体现在给予游客的各种体验。由于个体的不同，产生的影像也随之改变，犹如现代人玩的各种游戏角色，每个人扮演着不同的角色，这会给予人们更多的想法和各种惊喜之处。

“神奇飞毯”无疑是一件好的装置作品，它体现了现代装置艺术在内容上关注的方向不同，题材选择方向也略胜一筹，无疑是现代装置艺术的精品展现。

三、 Per Kristian Nygard的“非红即绿”

当笔者第一眼看到这满眼的绿色的时候，很是震撼，因为很难相信这样的艺术品存在于室内并且如此的清新。2014年早些时候，在奥斯陆No Place画廊，挪威艺术家Per Kristian Nygard创建了这一名为“Not Red But Green”装置作品。装置内用木材搭起地形架，中层铺上厚厚泥土营建起伏的丘陵，再撒上种子静待时日。茂密的植被如同洪水般涌向墙壁、窗户……形成一道仿佛在流动着的风景。它让你仿佛置身“室外”，这一令人惊叹的作品在明亮的白色墙壁之间的衬托下更显宁静和庄严。下面从三个方面进行分析其设计的独到之处。

首先设计者在设计时打破了室内室外的空间，将人们眼中的室外绿地匪夷所思的移入室内，让人置身室外的感想，给予观赏者大胆的逆向构思，开拓人们的设计构思，为以后的设计者提供更深远的构思，希望在今后的设计中能够开拓思维，有更好的装置艺术出现；其次在寓意上，茂密的植被涌向墙壁、窗户……这个则代表向往美好，和植被求生的欲望，当今的社会中人们遇到困难喜欢退缩，并且坚守本原则，然而在Per Kristian Nygard设计中则重点寓意再此，给予人们希望，在逆境中选择求生，结合了当代人的一种信念，很好地结合了生活，然而设计又高于生活，可以称之为艺术之作；最后在造型上，不仅仅层出不穷，而且此起彼伏，颇为震撼，层层山丘，层层困难，也代表层层希望之山，人们在困难的一座山丘前就应该向往希望，撇开困难，寻求更美好的明天，窗户、门窗的设计则代表希望，绿叶代表明天，对当今社会中人类的贪婪和畏惧起到启发的作用，也因此使人们受益匪浅，也许这就是这件装置的最大用意。

装置艺术【第三篇】

丝绸材料潜在的文化内涵及其独有的中华民族特性决定了它将是中华传统文化的象征，也必然会因它的这种特质广泛应用于装置艺术中。中国装置艺术的民族的特色，不仅是指长期流传下来的装置艺术纹样和图形等装置艺术文化，更主要的是体现在装置艺术中的民族性，而丝绸材料完美的诠释了这点。

丝绸材料是中国传统人文思想的意象载体，是千百年来文化，思想的沉淀结晶。这一点决定了丝绸材料在装置艺术中的应用可增添装置艺术的文化气息和独特的审美意象，弘扬民族个性，体现中华传统文化的精髓，推动中国特色装置艺术风格的形成，同时也丰富世界装置艺术的艺术形式。

丝绸的内涵

本文希望通过论述深入了解到丝绸材料在装置艺术中应用的形式和方法，以及如何把丝绸材料的文化底蕴渗透于装置艺术中，使其更好地展现装置艺术中的本土文化。

在古代，丝绸就是以桑蚕丝为主，也包括少量的柞蚕丝和木薯蚕丝纺织的纺织品。现代由于纺织原料的创新，凡是经线采用了人造或天然长丝纤维织造的纺织品，都可以称为广义的丝绸。汉族劳动人民首先发明并用于大规模生产的丝绸，其制作的丝绸制品更是开启了世界历史上第一次东西方大规模的商贸交流，史称“丝绸之路”。

现代丝绸业的现状

丝绸是中国几千年文化的积淀，是华夏文明的见证和骄傲。在新世纪，丝绸又被赋予了新的理念和内涵，传统而又现代的技术演绎，使丝绸产品不断推陈出新。

然而，中国在开发丝绸产品的多元化及其多样性方面与世界纺织技术先进、发达国家相比，存在一些差距，在全球经济一体化的变革进程中，需要进一步积极拓宽“丝绸之路”乃是当务之急，更是必由之路。

因此，随着社会的发展，通过继承扬弃与创新，将装置艺术与丝绸结合，注入新的现代的装置艺术理念，使丝绸装置艺术在现代的生活中更具有实用性。并且丝绸装置艺术材料的天然性，符合了当今人们追求环保、回归自然的要求，顺应了历史的潮流与时代的发展方向。

装置艺术的内涵

装置艺术，是指艺术家在特定的时空环境里，将人类日常生活中的已消费或未消费过的物质文化实体、进行艺术性地有效选择、利用、改造、组合，以令其演绎出新的展示个体或群体丰富的精神文化意蕴的艺术形态。

装置艺术的现状

装置艺术在中国具有太多的特殊性，从装置艺术家的身份到装置作品本身被观众和收藏家接受的程度，似乎都仍然在一个初级阶段，在这个阶段中，各个方面的主观和客观因素共同制造了一个装置艺术的尴尬角色。究其原因：一方面，装置艺术本身的语言方式没有彻底的更新，另一方面缺乏问题意识。新一代艺术家的作品很少有明确的文化针对性，而是多局限在个人生活的小范围内，起点是日常经验，落脚点还是日常经验，这样就很难有超越。因此，将丝绸色彩、质感充分运用到装置艺术中，给装置艺术手法上进行创新，从而带动装置艺术的发展。

丝绸材料在装置艺术中的运用

1.丝绸材料的色彩特征

丝绸的色彩包括它的固有色彩，即自然的、天然的色彩；人为色彩，即人工色彩，人们经过染色工艺的加工和设计，进而赋予丝绸新的色彩。

丝绸的自然色彩主要是丝绸清新淡雅的固有色，它是由蚕吐出茧丝的颜色来决定。不同种类的蚕吐出不同的丝，由此制造而成的丝绸，其色彩的外观性能等也有细微的差别。通过生物技术的引导，转基因荧光彩色丝绸的出现使丝绸在色彩的设计表现上更加的流光溢彩。

丝绸的人工色彩主要与其染整工艺密切相关，丝绸获得染色的途径、方法和种类，以及从古代演变到现代的染整技术影响着丝绸的染色工艺与丝绸的人工色彩。

2.丝绸材料的质感特征

丝绸的质感是指丝绸的材质、质地、质量带给人们的感觉，它主要与蚕丝或人造丝绸的结构性能、精炼工艺、整理工艺等相关。丝绸表面纹理的构造组织主要与经纬线交织的工艺等相关。因此，丝绸的质感影响了丝绸带给人们的感觉特征，特别反映了丝绸带给人们视觉上的观感和视觉上的质感。通过丝绸质感的特点，运用到装置艺术中，可以提升丝绸品质感的同时，丰富、增强了丝绸质感在装置艺术设计应用方面的表现效果。

3.丝绸材料与装置艺术的结合

传统装置艺术作品选择的材料多是以常见的石材、木头、玻璃、金属等，就材料本身的表现力而言，给欣赏者的感觉大多带有冷漠的倾向。

选择丝绸类柔软材料的目的是为了寻求和探索传统装置艺术材料以外的其他材料在装置艺术作品中能够具有和提供的与以往不同的表达方式，以及对装置艺术作品的新的诠释的可能性。从丝绸类材料的质地方面去考虑，选择这类材料进行装置艺术作品创作，正是由于丝绸类材料较传统硬质材料在表现力方面更为柔和，可以给人带来亲切感。而丝绸作为一种创建的服装材料更会让创作者和欣赏者有熟悉的感觉，能够通过观众欣赏作品的过程，拉近观众与作品、观众与作者之间的距离。进而，使得欣赏着也参与到作品的创作中来，可以更深刻的感知作品。

泉州布雕装置艺术作品《印象中国》亮相法国巴黎时，使整个装置艺术领域眼前一亮。作为第一次将中国传统丝绸材料与装置艺术结合的产物，作品将中国传统的绢帛丝绸艺术和当代装置艺术完美结合，表现了中国传统丝绸类材料的独特魅力及东方哲学的人文精神，也由此开启了中国装置艺术界的丝绸风潮。至此，丝绸作为装置艺术领域中一种新兴材料，成功被装置艺术界所接受，并被艺术家应用于大量作品中。在丝绸类材料为装置艺术设计提供了更广阔的创作空间的同时，装置艺术设计也同样为丝绸类材质开启了新的发展方向。

4.丝绸材料在装置艺术中的运用

装置艺术是一种开放的艺术手段，现代艺术中使用丝绸是最具说服力，最打动人心的，原因是它所传递的情，只要置身其中，你会被它五彩斑斓的色彩所吸引，被它的独一无二的个性所感动，丝绸背后的文化内涵更是让人浮想联翩。在装置艺术风格中，耐人寻味，处处体现了传统风味的情景融合。

如图1是如诗似幻“锦绣”展上的作品“锦绣梦想”，作品通过中国的丝绸文化来演绎装置艺术。将丝绸类材料运用于装置艺术作品中，借助材料自身的薄厚、光感、柔软、丝滑等特质与性格，与作品结合的淋漓尽致、栩栩如生，极具传统东方美。丝绸与作品结合后，整体造型华贵却不奢靡，既有良好的弹性、强度和柔软的手感，又拥有珍珠般绚丽多彩的光泽，点缀的恰到好处，给人强烈的视觉刺激，充满了变幻莫测的朦胧美和抽象美。同时采用色彩讲故事的形式，将作者的思想和作品的内涵隐藏于丝绸材料之中，并不直抒胸臆，半遮半露。如同害羞的少女，将姣好的面庞遮蔽于朦胧的丝绸之下，让人似见得，又似见不得，娓娓道来丝绸是如何从中国走向世界。

结论

丝绸材料已经融入装置艺术设计潮流的大队，随着时代的发展，丝绸材料在保留原有材料特征的基础上，应当重点从丝绸的新材料、新技术、新理念等方面进行新的设计、研究与探讨，从而提炼出更富有装置艺术设计形式和包涵文化内涵的元素，使设计出来的作品既有深厚的民族文化气息，又富有现代风格文化。只有这样，才能使丝绸材料在装置艺术中展现出丰富的设计表现力、非凡的艺术感染力和无穷的魅力。

装置艺术【第四篇】

关键词：装置装置艺术室内设计优化

0 引言

装置艺术产生于20世纪上半叶。达达主义和其领军人物杜尚以各种反传统、反程式的方式对现成品进行艺术加工和再创作，从而赋予人们一个审度艺术的全新视角。从《泉》这一装置艺术的里程碑式的作品被送到纽约“独立艺术家展览”展出至今已有近一个世纪了。长期以来，装置更多的是作为一项激进艺术思想的载体，以一种引人瞩目的姿态在历史的舞台上徜徉。不过，任何具有视觉冲击力和视觉美感的艺术都会被室内设计所吸纳。装置艺术当然也不例外。由于它不排斥任何材料、形式以及加工方式，在不同风格的室内空间中都能兼容并蓄，所以在室内设计行业飞速发展的今天，装置艺术能以一种全新的观念和独特的方式在室内设计中占有越来越重要的席位[1，2]。

1 装置与装置艺术

装置的原意是指机器、仪器等设备中结构复杂并具有某种独立功用的物件，作为视觉艺术规范中的装置，指的是装置艺术+具有“聚集”、“集合”、“装配”之意，即通过装配的方式对现成品进行人工或机器加工，经过加工后的装置往往具有一定的审美功能或精神含义。从某种程度上，可以视为工业时代的产物。塞茨在1961年美国纽约现代艺术博物馆的“装配艺术”展览会上，对于装置艺术定义为：“它们主要是装配起来的，而不是厕、描、塑、雕出来的；它们的全部或部分的组成要素是预先形成的天然或人造的材料、物体或碎片，而不打算用艺术材料。”这样，装置艺术是以怀疑、叛逆、否定一切的姿态的开始而展现出来的，桀骜不驯的特点展现的淋漓尽致。而对于处于高雅姿态的艺术，不仅接受，且一部分少数艺术家将这种观念性极强的前卫艺术逐渐转变为反传统为特点的平民化和生活化的独立的艺术门类。

2 装置艺术与室内设计

装置艺术的特性 “装置”的功能与室内设计中“陈设”的功能基本一致。所不同的是：①装置排斥传统的艺术加工方式；②装置更加注重时代背景下的原创性；③装置更强调展示性。因此，可以说室内设计中的装置是一种已经成型的由天然或人造材料装配而成的具有原创性和展示性的陈设品。另外，装置作为一门视觉艺术，具有下列特点：

装置艺术着力通过实物本身的物质性和社会意指，表现人类生活的奉真状态，其创作目的是对某种有针对性的艺术和文化观念的表达。

装置艺术的创作手段脱离了传统雕塑艺术注重技艺性的加工方式(如雕刻、塑造等)，而是将工作的重心放在对现成物品的加工、装配以及场所的选择上。

装置作品具有空间、时间属性，尤其是当现成品与诸多媒体――如电影、录像、音响、绘画等相综合后。

装置艺术具有一次性和当时性，即大多数作品为某个场合专门创作，用后即行拆除(如长时间设置的“装置艺术”实为雕塑性的集合作品)。

装置艺术具有反商业性。它们的本质含义与特定的场所与行为相结合，使装置作品无法销售。

装置艺术对受众的介入十分依赖，这种依赖表现在作品的最后完成以及展示效应上。

利用装置艺术的这些特点，我们室内设计师可以灵活实现装置向室内陈设的转换，譬如利用装置艺术的文化特性，可以充分传达室内环境的文化意义；利用装置艺术的加下特性，可以自由选择各种现成品和加工方式，从而创作出多种形式多样的陈设品；利用装置艺术的反商业性，可以使得室内陈设品的原创性更强；而利用装置艺术的互动性，可以改变大众对室内设计的传统观念，并能调动大众的设计参与意识等等。

装置与室内空间环境的协调统一从视知觉的角度分析，装置与空间的关系也即图与底的关系，装置为图，空间为底。图的形态和气质不仅应和底协调，更应能优化底，从而形成合适的空间感觉，也即场所精神。

装置与空间形态的协调统一。在形式角度进行分析，考虑到传统形式和材料对于装置并无约束的特点，这样任何现成品都可以用作装配成装置的实体，同样也存在多种多样的创作手法，所以对于广大室内设计者来说，这也是丰富空间环境、进行空间形态改善的有效手段。例如，在高大的空间中，通过棚上悬吊长条形的装置，可以对于空间的高耸感进行有效改善；在宽敞的空间中，通过增加视觉焦点，如造型独特、体型适中的装置布置在地面或墙壁上，这样可以缓解空间的空旷感；在色彩过明亮的空间中选择深色的装置，可有效使得空间的量感得以平衡。此外，在方正的空间汇总，通过曲线形或是圆形的装置的相关布置设计，也能增加空间的形态。组织和协调空间也是功效之一，可以布置一些形态相同或相似的装置在一系列无序、凌乱的空间中，这样空间的统一性得以提高。

但是需要指出，对于装置艺术来说，完全用传统的形式美来规定就往往显示出局限性，但对于适应或优化空间形态的装置来说，还较为使用。因为，其中对于室内空间中的布置来说，往往需要考虑的则是节奏和韵律、对称与均衡、比例与尺度、对比与统一、重复与强调等方面，这些美学法则在一定程度上是相通的。室内设计的装置往往更看重于艺术加工后的效果，观念因素虽然在装置艺术位置很高，但是也显得不那么重要。

装置与空间气质的协调统一。室内设计的最终目的则是空间场所感的营造，对于没有“场”的空间来说，往往室内设计是空洞和乏味的。对于具有原创性和展示性的装置来说，这往往是空间气质的极佳手段的诠释。装置和空间一样，往往具有独一无二的特点，对于装置制作的相关的个体经验、感觉及审美因素对于效果都有所影响，这样，准确基本的把握空间气质、控制整体感觉的能力对于设计师就有所要求。比如，对于严谨中透露着儒雅大多数办公室来说，形式简洁、语言含蓄的装置可以用来更好进行环境烘托；对于较强个性的展厅、专卖店这样的空间来说，就可以通过材料新颖、形式感强的前卫装置得以体现；对于休闲的娱乐场所来说，则应该通过色彩鲜艳、形态夸张的装置。从而体现热闹、轻松的空间氛围。这里需要注意，一般装置本身的气质多是倾向于“夸张”、“强化”、“异化”的，所以对于古典或是传统的室内环境中，除了特殊需要，这样气质上的统一就较为困难。

对于建筑设计的延续和再创造的室内设计来讲，装置也可以认为室内环境的再创造，因为，仅完成界面装修的室内空间，对于环境的意向还存在模糊，还有一定的不完善，只有合理有效的把装置进行引入，才能使得环境的指向度大大提高，这样人们从心理上的认同感也有所增加，空间气质得以强化。

3 结语

不论装置艺术自身的观念性有多强，在发挥装置艺术自身魅力的同时充分尊重环境，与空间一起构成“场所”本身才是室内装置设计的使命。在室内设计中引人装置的概念，不仅仅是增加一种设计手法，更为室内设计指明了一条可能的发展方向，使得室内设计行业的前景更为明朗。

参考文献：

[1]曾丽娴。魔坊北艺术家住宅[J].室内设计与装修，2009，(4).

[2]李申。装置艺术在室内设计的应用研究[J].大舞台，2010，(2).

装置艺术品室内空间设计论文（优推4篇）

装置艺术【第一篇】

装置艺术【第二篇】

装置艺术【第三篇】

装置艺术【第四篇】

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