实用绘画技巧和心得体会范文优秀10篇
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实用绘画技巧和心得体会【第一篇】
静态速写指在一段时间内相对静止不动的动态，如男女青年站姿或者坐姿、看书等。此类考题主要是考查考生对人物整体结构的把握能力和表现能力。静态速写考题经常出现，其目的是要求考生把对象的结构比例画正确，形象刻画充分。但是由于绘画的参考对象是静止的，所以考生还是比较容易掌握的。
2．动态速写
动态速写有规则性动态和不规则性动态两种，它是现在美术高考中速写命题的大趋势。
规则性动态速写是指绘画对象进行规律性地重复运动的动态。如拍篮球这一动态，主要是速写对象基本的位置不变，只是局部处于循环往复的运动动态；又如跑步的动态，主要是速写对象整体所做的规律性动作。今年广东联考的速写考题是要求考生画骑自行车的人，就属于此类。画动态速写，关键是要抓住有代表性的某一动作瞬间。一般来说，一个动作在开始或结束时较有代表性。
不规则性动态速写是指那些重复动作较少的动态。如打球、舞蹈等动作，要画好这些动态对于考生来说是比较困难的，但是，这些动态形象在生活中往往也会反复出现，虽然说千变万化，但如果考生反复观察过这些动态形象也就不难了。因此，考生要画好不规则动态速写，除了要掌握解剖知识和运动规律外，还要多关注现实，随时随地留意观察生活中人物的各种动态特征。没有一定的生活知识，我认为是很难画好这类速写的。
二、多个人物的场景速写
表现某一环境中的相互关系的几个或一群人的速写称为场景速写。美术高考中的场景速写一般以人物为主体，以环境为辅，如市场一角等，主要是表现几个人物形象为主的一个小场面。人物一般要求三个以上，画面要有生活情趣。那么考生一定要交代清楚人与人之间的动态、神态，人与物之间的相互关系。当然，最重要的还是要自然生动、主题突出，有主次、有呼应、有远近，不能各不相顾，缺乏对比。这类速写考查的主要是考生的表现能力和审美能力，虽然难度较大，但是有天赋的考生也会脱颖而出，所以那些专业性比较强的高校一般都会采用类似的考题。
人物速写考试的要求
一、人物基本结构与比例准确
考生要理解人物结构的透视、比例、穿插以及运动规律，采用概括的手法来表现人物的动态特征；在对大的形的把握的同时，要注意交代每个转折部位的相互关系，注重绘画的视觉感受，这是画好人物速写的前提。
二、人物的动态协调舒展
一幅好的速写也会给人强烈的审美享受，这是无可辩驳的事实！好的速写必须要求描绘对象的动态自然、协调，让人看起来比较舒服。要达到这一点，绘画者的眼光就显得尤为重要。所以说如何构图，怎样选取绘画角度，怎样的姿态更合乎审美情趣，这些都是考生要思考的问题。
三、线条要有较强的`艺术性
线条主要是通过长短、轻重、疏密和浓淡来表现的。流畅的线条可增强画面表现力和生动性。线条与形体结构的巧妙结合，是生动表现人物的前提。以浓淡、缓急的线条来表现人物，有利于增加层次感，区分质感，提高艺术的感染力。
四、用笔果断概括
用笔的果断与否，直接反映了考生对速写技法掌握的熟练程度，同时也反映出了考生的个性以及绘画修养。那种犹豫用笔的速写是很难表现出速写的感觉的！考生应牢牢把握住整体、大局，以最简练的用笔去概括地表现对象的主要形象特征，适当放弃一些细微末节，这样才能达到速写的有效办法。
实用绘画技巧和心得体会【第二篇】
生长在湖泊、湿地，全身洁白，弯曲的脖颈、修长的双腿，给人一种亭亭玉立的感觉，尤其是那头顶一点鲜红的颜色，更加显得妩媚、动人。
主要以鱼为食，主要的生长结构包括：头、颈、身体、翅膀、尾、腿等几个主要部分，本章内容主要介绍丹顶鹤的头的画法。丹顶鹤的画法在中国画中主要有工笔、写意两种。
使用工笔画法表现丹顶鹤的头颈部时，首先要使用白描画法来勾勒鹤的外轮廓型，并且要根据丹顶鹤头颈部不同的颜色来确定墨色的深浅。第一步，使用浓墨、较干的笔勾画鹤的嘴，一般来情况下，使用较细的毛笔，如叶筋、红毛、衣纹笔等，画出的线条流畅且富有韧性。鹤嘴部分用三条线来表现。第二部，画鹤的眼睛，画鹤眼使用同样的较浓墨色，画一个椭圆形，在靠近嘴的部分点出瞳孔。第三部，画鹤头颈部黑色斑纹，先用铅笔浅浅勾画出黑色斑纹外轮廓，再用罩染的`方法逐遍罩染，直至达到预想的效果。第四步，用浅墨勾勒头部羽毛，注意层次关系。其次在勾勒完线条后，利用分染方法，分染羽毛，这个步骤颜色要浅，逐步完成。
第一、第二步与工笔方法相同，第三步使用大白云笔饱蘸较浓的墨色，由眼睛下方开始，呈“s”型画出颈部斑纹，收笔时用力要轻，可以出现飞白效果。第四步用较浅的墨色勾画头部羽毛，按鹤的生长结构勾画至颈部，这样，一幅写意丹顶鹤的头部形象就已经完成。
前面我们已经介绍过丹顶鹤的头部画法、腿的画法，本章继续介绍怎样画出一幅完整的丹顶鹤作品。
丹顶鹤 谭照昆
丹顶鹤的中国画画法一般情况下有两种形式--工笔画法、写意画法。其中工笔画法表现细腻，把丹顶鹤的型表现的淋漓尽致，能够把极细致的内容表现出来，比如层层覆盖的羽毛、腿上的鳞状斑纹等；而写意画法主要表现出丹顶鹤的内在神韵，用笔自然潇洒、不拖泥带水，画面产生一种空灵、幽雅的视觉效果。下面分别介绍两种丹顶鹤的画法。
运用工笔画法表现丹顶鹤，在选择工具材料上极为考究，笔一般使用像红毛、衣纹、叶筋等较细的毛笔，纸张一般选用像清水、云母等较好的熟宣纸，颜料也基本使用块状颜料，颜料加水浸泡，再细细研磨后才能使用。
运用工笔画法表现丹顶鹤的步骤为：首先要勾勒线条。勾勒线条前最好先用木炭轻轻的勾勒出丹顶鹤的外部形状和主要结构，然后从丹顶鹤的嘴部开始勾勒。用笔时要注意线条的力量变化，起笔、收笔用力较重，中间行笔轻，这样勾勒出的线才会有耐人寻味的效果。其次要进行对丹顶鹤的局部分染，分染对表现丹顶鹤极为重要，尤其是对羽毛的分染，能够把羽毛层层的覆压关系表现的十分清晰，视觉效果良好。第三是进行罩染，如颈部斑纹等，用较浅的墨色一遍遍的把要罩染的部位表现出来，直到画面达到满意效果为止。
用写意画法表现丹顶鹤比使用工笔画法简单，但是在表现时要注意墨色的掌握，要按照丹顶鹤不同部分的深浅来调试墨色，如在表现羽毛时，要使用极浅的墨色表现，这样才能把丹顶鹤的洁白的身影表现好。
实用绘画技巧和心得体会【第三篇】
1.画将无脖项，少女应修肩，佛容宜秀丽，神佛须伟壮;仙贤意思淡，美人要修长，文人如颗钉，武夫势如弓。
2.若要人脸笑，眼角下弯嘴上翘;若要人带愁，嘴角下弯眉紧皱。
3.心神畅然手拈须，气怒眼者眼拱张;手抱头者心惊慌，急步行走事紧张。
4.怒像眼桃把眉拧，哀容头垂眼开离;喜相眉舒嘴又俏，笑样口开眼又眯。
5.贵家妇，官样妆;耕织女，应时样;娃娃样，要肥胖;庄稼汉，衣裳越薄越显壮。
6.人各有习，习能有宜，认得此意，画无不奇(泛指人的动作与其生活习惯有关，画者如领会此意，画出人物必须新奇可观)。
7.美人样：瓜子脸，鼻如胆，樱桃小口蚱蜢眼;慢步走，勿奎手，要笑千万莫张口。
8.贵妇样：目正神怡，坐如山立(不歪不倚)。
9.丫环样：眉高眼媚，笑容可掬;咬指弄巾，掠鬓整衣;
10.贱妇样：薄唇鼠眉，剔牙异带，叠眼露掌，托腮依榻。
11.娃娃样：短臂短腿大脑壳，小鼻大眼没有脖;鼻子眉眼一块凑，千万别把骨头露。
12.贵人样：腰肥体重，耳厚眉宽;颈粗额隆、行动猪样。
13.寒士样：头小额窄，口小耳薄;垂眉耸肩，两脚如跛。
14.卑者(坏人)样：口斜胸凸，头低仰视;齿露眉错，必是细作(奸细)。
15.魔鬼样：头如牛、眉如帚、称砣鼻子火喷口，铃铛眼、核桃脸(起皱不平)，锯齿燎牙带耳环，胞臂腿壮生筋腱，袒胸露腹衣不全。
16.老者：抬肩、曲背、呆容、硬膝、转身慢、步平、手战(颤)、起迟、立歌、支杖、头摇摇点点。
17.少者：耳容、佻达、风流、身如弓、行步俏、双袖垂、两眼转。
18.立者：舒眉、凝眉、正容、恭袖、身端、步踱、背前探、手拈指。
19.武者：威容、眉锁皱、挺胸脯、腰劲直、步阔，侧立不可立、肘曲如抱月，手作推舟势。
20.贫者：愁容、锁眉、穷袖、腐肘、摩腕、搔鬓、缩头、耸肩、套手、擦涕、端正步酸子气、低视。
21.富者：欢容、捻指、昂头、仰面、舒眉、抹鼻、拍胸、撑手、圈指。
22.癫者：定眼、呆视、目直、斜步、手摇、头僵、胸露、身侧。
23.醉者：呆容、模糊眼、目倦、步跑、手欲扶、口欲吐、身摇、头垂、坐斜、浑身呈软状、独脚梗硬。
田：平头百姓、频洞脸宽，鼻大口方，耳腮有鬓，刚毅正直，适合表现武将和绿林好汉等一类人物，如《三国演义》中的周仓。
由：稳重自爱、憩静周正、安逸自在、宽待为协、长者之风、仁者之态、适合表现正派人物，如十八罗汉中的布袋罗汉。
国：五官结构，疏密匀称，庄重有谋，才华横溢，深思熟虑，韬略过人，器宇不凡，才须眉之感，适合表现有本领，或大器的人物，如文能表现李白、苏轼;武能表现岳飞、郑成功等英雄名士。
用：平顺正直，秀伟挺拔、满腹经论、纵横言谈、忧国爱民，宜于表现五柳长须的文人秀士，如杜甫、文天祥等。
目：青年俊秀，举止收敛，温雅文静，才思敏捷，风度翩翩，适宜表现小生、小姐一类的人物，如“梁山伯与祝英台”、“贾宝玉与林黛玉”等等。
甲：耳朵外撑、脸颊狭尖、频窄窄短、鬼头鼠形、三角眼眶、绿豆眼珠，适合表现小偷之类的人物，如戏剧《十五贯》中的娄阿鼠、《胭脂》中的毛大等，有时也可表现正面人物，象《水浒传》中的时迁等。
风：刚正慈善、融乐自如、潇洒超脱，不拘世俗，可用于表现仙道人物，如八仙中的吕洞宾、曹国舅等。
申：见财忘义、品格低微、如颜婢膝、露牙咧嘴，宜于表现讼棍一类的人物，如《水浒传》中的差役董超、薛霸等。
同：方形简洁，笑口珠唇、眉淡鼻秀，文相武身，常用于表现少年英雄，如《说唐》中的罗成，《三国演义》的赵云等，有时也可用于表现“如来佛”、“观音”和“文殊”。
王：上大下大，中间狭窄，霸气十足，骠悍勇猛。亦有刚正不阿，侠肝义胆，赤肠忠心。适合表现京剧中的“净”角，如武能表现《薛刚反唐》中的薛刚、《秦汉演义》中的项羽;文能表现《海瑞罢官》中的海瑞、《平妖传》中的钟馗等。
1.龙脸愁的像，出现必升降，龙身扁体甲，其数却无量;鹿角、牛鼻、虾眼睛、鱼鳞、鸡爪、蛇身体。龙有三停：脖停、腰停、尾停。
2.吊眼白额虎、正中写三横、虎尾斑点匀，为数十三整。
3.朝阳啸的凤，姿势欲翔腾。凤有三长：眼长、腿长、尾长。
4.笑的狮子脸，嬉球又跳升;九斤狮身，十斤头，一斤尾巴拖后头。
5.若要画肥猪，腿短拖地肚。
6.昂头挺胸马，画法三块瓦。
7.抬头羊、低头猪、怯人鼠、威风虎、鸟噪夜、马嘶蹶、牛行卧、犬吠篱。画戏猫，常洗脸;画白兔、前腿短;画雄鹰，两口眼;画麒麟，头似龙。
8.十鹿九回首(回首即是招呼群鹿共食，又是勾画鹿时时警惕异兽袭击的特征)。
9.蝙蝠从来行不拘，如龙似虎方称奇，虎头云身自如鼠，两翅斜飞有高低。
10.雀鸟行学画爪嘴;走兽先学画鲤鱼，尾鳃鳍。虫蝶先学画翅膀，花卉先学画瓣蕊。
1.丈山尺村。寸马豆人;远人无目，远树无枝，远水无坡，远山无皴，远阁无基，远船无帆桅。
2.山要高，用云托;石要峭，飞泉流;路要窄，车马塞;楼要远，树木掩。近山不可接远山(指应有隔隙);远水倒可接近水(指近处有湖塘，远处可画水口)，旅舍不宜半山腰，水路最忌去无路。
3.青树叶点点，夏树不露梢，秋树叶稀稀，冬树不点叶。
4.行云：缠延似流水、卧云平摆象如意，大云通身连气，小云巧而生灵。
5.四时点景：正月张彩礼，二月放风筝，三月花丛丛，四月放蚱蜓，五月酒帘红，六月荷花生，七月看天星，八月日当空，九月登高阁，十月调鸟虫，十一月摆盆景，十二月桃符更。
1.牡丹：小瓣尖端宜三缺，大瓣尖端四、五最，老干缠枝如波纹，花头空处托半叶。
2.梅花：枝不得对发、花不可并生，叠花如品字，发梢似燕飞。
3.果实：叶从果间生，不露大块，果中有斑纹，不显全身。
4.大花大果：花大不宜独梗，果大皆用双枝。
5.缠枝莲：梗细恰如明月晕，莲藤形似老苍龙。
1.文相软、武将硬。画戏剧题材时，文戏多用软色，如《西厢记》、《断桥会》、《昭君出塞》等;武打戏多用硬色，如《野猪林》、《李白成坐金銮》等。
2.软靠硬，色不楞。意指画衣装服饰或桌案景物时，大绿和深蓝或是大绿和大红靠近时，必须在两色间加一软色，如红袄要加扮蓝裙子就好;若粉蓝裙子，淡红上衣，腰间可加一深蓝腰带，则显得软中有硬而美。
3.要想精，加点青。古装画中的妇女或书生多用软色，以显清丽，但没有硬色，缺乏对比，故需要在人物衣领、底裙、袖口等处加一黑边，就和娇嫩粉面形成对比衬托作用，显出人物的精神。
4.红靠黄、亮晃晃。画神仙道释红袍黄项光，或红柱黄幔帐，袍带故事中红袍绣黄龙，黄袍骑红马，都显得华丽明耀。
5.精青绿、人品细。画故事画中的妇女，如用粉裙、青上衣、绿腰带;或绿衣、青色裙、粉腰带、画出的人品俊秀细美。
6.要想俏，带点孝。画面中的五颜六色，容易杂乱无章，重点不突出，如果加点黑、白、灰，就能重点俏然突出。
7.黑靠紫，臭狗屎。紫色和黑色都是“硬色”两色放在一起显得楞而不活。在吉庆题材的绘画中，最忌这两色相近，即使是粉紫色也很少和黑色靠近。
8.青紫不宜并列，黄白未可随肩。青与紫色相接近，配在一起不醒目。黄与白明度接近，二者配合在一起容易产生“同化”作用，彼此的个性都显现不出来。
9.紫是骨头绿是筋，配上红黄色更新。紫和绿是间色，红与黄是原色，红与绿是互补色;黄与紫也是互补，利用它们之间的强烈对比关系，乃属用色特点之一。
10.女红、妇黄、寡青、老褐。画少女穿红戴绿得活泼俊秀;画少妇加黄衣或巾带以示贵显;画寡妇身著青色益显肃穆;画老人用褐色最适宜。
11.红忌紫、紫怕黄、黄喜绿、绿爱红。红衣不配紫裤，红袍忌靠紫袍，紫(茄花)色相和黄接近，黄和绿靠近无妨，绿和红配显喜庆。
瓷板画《假寐》赵梦歌
瓷板画《云动》罗小聪
“我出生在景德镇陶瓷世家，记得小时吃饭的时候，使用的就是官窑的碗。”陶瓷艺术家罗英桂十七岁进入陶瓷厂，而在此之前来自家庭的熏陶早已使她深深爱上了古老而美丽的陶瓷艺术。但如今，她所探寻的，是要通过创新超越传统，发展当代陶瓷艺术。她说：“景德镇的陶瓷要完成从工艺到艺术的转化，需要漫长的过渡。而只有‘借力’具有国际语言的当代艺术，进行‘艺术嫁接’，才能加快这个过程。只要具有艺术和思想上的高度，不论是油画家还是国画家，都完全可以在陶瓷上实现自己的艺术想法。”
罗英桂创建的“人间瓷画”长期以来致力于瓷板画创作的推陈出新，营造了一所“没有围墙的学院”，她签约的艺术家也是风格迥异。
刘正作品中重叠相连的人体造型体现了瓷板画具有展现雕塑这一艺术形态的可能性。“我一直觉得我挣扎在一张网中，这张网是由复杂的历史文化构成的。一方面，我需要依赖这张网，使自己不至于悬浮在空中。另一方面，我需要挣脱这张网，使自己减少被束缚的痛苦和被窒息的危险。”这就是他的当代艺术创作理念。他的釉下彩瓷系列作品，立意新颖，逻辑思维缜密，通过具有生命力的线条，张扬了瓷板画的哲学空间。
赵梦歌从优雅的唐代仕女图中汲取灵感，以西方油画技法进行渲染，创造出青花风格的抽象人体作品。她以“我的精神自画像”思想为背景，进入当代瓷板画创作，成功塑造出中国传统文化中女性情感“无时间性”的欲望主题。她的作品不仅展现出了来自内心深处对爱和欲望的理解，还通过熟练的丰满的线条，勾勒出女性固有的想象旋律。在大千世界，具有无限的色彩斑斓的空间，然而真正属于每一个人自己的总是仅有的那样有限的一点，有时候，为了这样有限的一点，需要人付出一生的守候。赵梦歌的陶瓷绘画女性题材，就能够让人充满期待，处在永恒的交错感觉之中。
马丁民的作品借鉴了西方的色彩语言和中国传统画的写意手法，呈现出一种独特的色彩张力和韵味，传达出一种优雅与质朴的东方意蕴。人为控制与自然天成的功底，使得陶瓷颜色釉绘画艺术具有无限的可能性。他认为：为了思考传统，必须抛弃模式的概念束缚，转向经验的创新。他以高温色釉进行绘画研究，保留了陶瓷材质的天然性和生命力，形成陶瓷绘画的一种天然、率真的油画实验方法。
“开始时，习惯了传统瓷器的人们都不理解我，也看不懂我挚爱的瓷板画。但如今情况就不同了。”这些年，罗英桂所提出的当代陶瓷绘画的艺术框架得到了业内人士的广泛赞同，许多陶瓷学院、美院的艺术家都加入了与她的合作。近十年的时间里，罗英桂与近百位国内外艺术家合作，创作了千余幅当代瓷画作品。虽然投入了大量的精力与心血，但罗英桂并不觉得累，她说：“过去，我经常思考，作为深爱陶瓷的当代景德镇人，我们应该为陶瓷做些什么？应该给未来留下什么？如今，当代瓷板画替我解答了这个疑问。”
“历史上的瓷都是景德镇，这没有疑问。但是，到了当代景德镇是不是瓷都，我们曾感到怀疑。但是当看到了当代瓷板画以后，我们打消了这个疑问，瓷都还是景德镇。”在1篇题为《发现瓷都》的文章里，来自美国的一位博士发出了这样的感叹。“中国陶瓷在历史上的辉煌是无法忽视的。而当今中国陶瓷艺术的发展则体现在它的绘画性与当代性上，这一点正是当代瓷板画展示给世界的。”艺术品策展人关蕴科向我们这么解释。
关蕴科认为陶瓷艺术由三部分组成，即绘画、器型、窑变。由于传统陶瓷艺术最大的功能在于它的装饰性，而人们又往往出于实用性的考虑，因而不将绘画这个陶瓷艺术的重要构成部分作为陶瓷艺术的主要内容。对于陶瓷艺术的绘画性千百年来受到的淡化和忽视，关蕴科感到惋惜，“中国传统的陶瓷艺术长期经历着皇权左右的特殊历史阶段，皇帝喜好的图绘，由宫廷画师画好，再带到窑厂交由工匠仿制。因为传统陶瓷上的绘画并不是一次性创作完成的，在工匠们复制的过程中，原作的气韵必然流失不少。这也就造成了传统陶瓷一直以来不被归为艺术品，而被归为工艺品的事实。”陶瓷绘画由于不是“创作”，而是“复制”而成，因而一直属于陶瓷艺术的附属部分。
“这个问题不难解答，其实在清末民初，一部分文人已经思考并着手这个问题了，景德镇的‘珠山八友’就是开端和代表。”关蕴科认为以“珠山八友”为代表的中国早期陶瓷绘画艺术是以民国初期为开端的，而“珠山八友”最重要的贡献就是文人对陶瓷艺术的亲自参与。“陶瓷一直处于工艺品的地位。过去的文人以士大夫、知识分子阶层自居，是不屑与工匠相提并论的。到了清末民初，产生了文人参与陶瓷绘画的新现象。”但由于受到材料、颜料的客观限制以及封建文化背景的主观局限，他们的创作还停留在较为原始的层面。“他们的创作依靠着传统的生活材料和生活经验，在作品方向、主题和绘画语言上都是需要与时俱进的。”
既然传统的'“梅兰竹菊”不能完美地体现陶瓷的艺术价值，那么怎样才能使陶瓷艺术得到真正的艺术独立性呢？如今人们越来越重视绘画性对陶瓷艺术的重大进步作用。“作为当代艺术，陶瓷绘画一定要有国际语言或者说是普世价值观。”那么，同样存在一个问题，在陶瓷上能否出现当代艺术的表现。“过去人们只在陶瓷器皿的方寸之间进行创作，瓷板做到三十厘米已经很不容易。而现在的瓷板最大限度能做到五米的尺幅。过去颜料只有几种，如今瓷板画颜料与油画一样，有无限多种。针对这一现状，我们提出一个概念：瓷板是美术界的第三载体。”对于这个说法，中国有自己的艺术品牌、文化定位和自己的解释权：“去年，我们把一些优秀的瓷板画作品在美国做了一个展览，感受到他们对中国传统陶瓷创新的认可。”
材料的问题解决了，剩下的就是画家的问题了。“传统的继承确实很重要，但那只是对历史的记录，而真正有意义的其实是创新。我认为当代陶瓷的绘画性体现，应该是新世纪中国对国际陶瓷艺术的贡献。”这种承担着历史责任的“绘画性”则不仅仅是传统陶瓷上的青花、斗彩、云卷纹和“梅兰竹菊”，而是一种可以与国际对话的艺术语言。西方人甚至没有办法理解写意的中国水墨画，因而“要在瓷板绘画上表现出当代艺术，则必须要求艺术家本身具有当代艺术的思想。”
如今，越来越多的艺术家关注到瓷板画这种全新的艺术表达形式。“一大批学院派陶瓷艺术家都开始拿出相当一部分精力进行陶瓷艺术的创新，尤其是年轻的艺术家。他们有着相当好的文化理论背景，很多就是学西方绘画理论出身的。”
瓷板画不同于一般的绘画作品，它有釉上釉下之分，因而它既可以造成像油画那样的堆积效果，也可以渗入材质造成国画大写意一般的效果。艺术家们可以根据构思的需要来自己选择创作的手段，这样的艺术宽度是一般的绘画作品无法达到的。比如，姜宝林以白描、大写意为长；刘正则擅以抽象的线条表现肢体和季节的变化；赵梦歌的油画抽象人物则展现了青花大写意的艺术生命力等。景德镇“人间瓷画”日前在中国美术馆举办的中国当代陶瓷绘画艺术展，以近年来国内外著名画家的数千件绘画精品为创作主题，集中体现了当代瓷板画创作的新方向，在瓷画收藏和学术领域都具有独特的意义。
关蕴科说，瓷板画所突出的陶瓷艺术的绘画性，使世界读懂了中国的陶瓷语言，让当代艺术家的创作思维得以在瓷板上表现出来，证明陶瓷艺术仍具有相当的艺术宽度。
王廷佐：字少雄，安徽泾县人。清同治、光绪年间景德镇瓷画名家。其浅绛彩瓷画独具特色，方法是用墨皱染后，再施淡墨浅袾渲染。色泽柔和，操作简便。所作浅绛彩清明雨景小方酒杯，现藏景德镇陶瓷研究所。除山水画，还擅长画猴。
程 门
程 门：字雪笠，安徽歙县人。清光绪时景德镇瓷画名家。擅长浅绛彩绘山水、花卉瓷画。邓之诚《骨董琐记》中称许其瓷绘“极勾勒渲染之妙，得者珍之”。其子次笠、小笠承父业，都是清末民初著名瓷画家。
收藏大鳄涉足瓷板画看好其升值潜力
综观近年来的拍卖市场，在书画、瓷器价格纷纷走高的情况下，瓷板画开始成为收藏新宠。作为陶瓷收藏品中的高端品，瓷板画的价值随着近年来瓷器价值的升温出现几级跳。
北京保利集团2012年的春拍中，首开“新月雅集——民国文人瓷绘与现当代艺术陶瓷专场”就取得不俗成绩。其中，民国“珠山八友”之一的景德镇瓷画名家何许人的作品粉彩四季山水长条瓷板挂屏(四屏)以万元人民币成交，刷新艺术家作品成交纪录，创八友瓷价格新高。拍得此幅作品是资深收藏大鳄包铭山，他是新疆广汇集团广汇美术馆馆长。
近年来，包铭山在拍卖市场叱咤风云，事实上，他在30年前就开始涉足收藏，自九十年代初进入拍场，多年来致力于中国近现代书画的研究与收藏，是国内最早涉足拍卖圈的资深藏家之一，张大千的《侍女》，林风眠的《仕女》、《山水》以及徐悲鸿《九州无事乐耕耘》等作品均被他收入囊中，并将于2013年广汇美术馆开馆时正式展出。
包铭山此次在保利高价拍得何许人的瓷板画作品令人震惊，这是佚今为止瓷板画珠山八友作品拍出的最高价。包铭山认为，历代传世的和出自近现代名家的瓷板画都具有不菲的收藏价值，加上目前已经有许多当代画家参与在瓷器上作画，瓷板画潜力巨大、行情将井喷。
据了解，在明朝时期，中国陶瓷之乡景德镇就有大量瓷器出口到中东、亚洲、欧洲等地。瓷板画就始于明代，其艺术地位经历了几度起落后的今天可谓百花齐放，大型瓷板画的佳作不断涌现，山水画的气势磅礴，人物画的形神兼备，花鸟画的多姿多彩，使瓷板的创作达到了一个新的境界。越来越多在书画界享有名气的书画家参与陶瓷绘画，进行艺术探索。其中不少当代名家的瓷绘板画作品在艺术品市场上走强。
瓷板画是在平板素瓷上手工绘画后再经高温烧制所成的陶瓷艺术品，明清时期开始，瓷板画日益兴盛，清末民初，瓷板画几乎成了达官贵人家中必备之物，艺人们纷纷设立画室，陶瓷工艺中的青花、五彩、釉里红等等在瓷板画上得到充分发挥。而在众多作品中，以民间技艺超群的陶瓷艺术家“珠山八友”的作品最受欢迎，清末民国瓷器大热时，“珠山八友”瓷板画的市价甚至堪比清末官窑。
据悉，“珠山八友”成员分别是王琦、王大凡、汪野亭、邓碧珊、毕伯涛、何许人、程意亭、刘雨岑，他们从事瓷画创作的年代大约在20世纪初至20世纪60年代。其中，“珠山八友”之一的代表人物何许人终其一生探索瓷上雪景山水技法，独树一帜，开启了景德镇瓷上雪景山水画之先河，并发展成为具有景德镇特色的一个瓷绘体系，影响了一代又一代的瓷画名家。
几百年来，瓷板画在陶瓷艺术与绘画艺术的边缘获得了发展空间，呈现出旺盛的生命力，并将陶瓷艺术推向了更高的境界，使他们具备更纯的文化品格。瓷板画的价值也不断在升温，继2011年5月中国嘉德(微博)的拍卖会上，“珠山八友”王大凡的一幅《禹王治水图》 粉彩瓷板画拍出920万元的高价后，保利集团在今春拍卖会上的“新月雅集——民国文人瓷绘与现当代艺术陶瓷专场”表现不俗，成交额近8400万元，除了刷新艺术家作品成交纪录的何许人的粉彩四季山水长条瓷板挂屏，王步粉彩东篱秋菊图象耳尊成交额也达到万元。现当代艺术家的作品也不遑多让，戴荣华1990年作粉彩四美图花鸟双面釉长条瓷板屏风(四屏)也以667万元成交。
据悉，2011年开始，文化部与对中国外文化交流协会先后在美国等地举办陶瓷艺术精品展，作为中美高层文化交流、中日韩文化部长交流的项目之一，让瓷板画走向世界。
实用绘画技巧和心得体会【第四篇】
引导语：对风景的描绘应该注意哪些技巧与方法呢?以下是网友分享的“实用绘画技巧和心得体会范文优秀10篇”，欢迎参考阅读!
临摹和写生都是色彩训练的必经之路，对美术高考生来说没有选择，必须练习。但如何安排分配练习时间，使临摹和写生相互融会贯通，却是很有讲究的。
1、临摹加快学习速度
临摹就是向优秀的作品取经，向色彩高手偷师，是学习绘画必不可少的一个阶段，是学习色彩的捷径。可以结合学生的实际能力，由教师来精心挑选高考内容相关的范画，提出明确的要求，使学生认真学习作品的精华，加深对色彩规律的认识和理解，学习范画成熟的表现手法、完美的艺术处理以及高雅的审美情趣。这样的学习往往能达到意想不到的加速学习的效果。
考生临摹色彩风景可以分三步：初学色彩时通过临摹了解大致的作画步骤、空间造型和色调处理;中途可以对急需解决和掌握的个别物体或特定景色集中临摹，学会特定景物的作画方法;考前两个月选择高考可能出现主题作临摹和默写的组合练习。
2、风景写生加深感受和理解
色彩风景写生是训练色彩感觉、把握色彩变化规律、感受自然界美的最有效方法之一，具有其他训练手段不可替代的重要性。大自然为我们提供了变化无穷的复杂色彩世界是临摹所无法替代的。在具体教学活动中，首先教师要对写生前期做好充分的准备，有明确的学习目的，使美术高考生有备而来。其次，在具体实践过程中，教师必须有系列循序渐进的教学安排，先易后难，培养学生用整体的眼光比较地观察自然。再次，教师要通过美景激发学生热爱生活、热爱大自然的情感，以美好的情感激发作画热情。教育学认知规律告诉我们只有通过自己独特而真实的感受，才能创造性地再现自然美。实践证明，只有通过实景写生，考生才能在考试中画出色彩丰富而又和谐的高分作品。
1、整体关系优先原则
“整体观念”是一个老生常谈的话题，也是一个较难解决的问题。相当一部分学生“只见树木不见森林”，不是造型、结构不准，就是上调子时死抠局部，使局部与整体脱节。画面的花、杂、乱，虚实关系处理不当，画面色调不和谐都是整体与局部处理不当的结果。作画要的是整体的最后效果，没有整体的局部，再精彩、再深入也毫无意义。忽视整体的局部将最终造成全画的失败，优先照顾整体关系的局部将为画面锦上添花。整体关系还应该特别注意色彩、形式、技法背后的风景画的意境，更多地去品味、去认识它。每一块色彩、每一个形式、每一种技法背后都有着一个鲜活的感觉，都代表着一种精神元素，都是一种生命语汇，抓住了它，也就抓住了艺术的灵魂;掌握了它，我们就有了一种自己的、展现心灵内容的艺术“话语权”，同时也增加了自己作品得高分的几率。训练整体关系有方法和技巧可循，比如用风景照片叫学生作有取舍的构图练习、画16开小稿的色调练习等形式对训练整体关系都很有帮助。
2、局部是整体的基石
虽说整体重于局部，但整体要由一个个的局部组成。局部景物的生动与否直接影响画面效果。色彩风景画要学会一些局部的画法：学会画房子，一般建筑物要画出体积关系，宜用干画法，用笔肯定保留一些笔触的效果会更有块面感，还要注意早中晚不同光线和周围环境色对墙面的影响。画树木要注意种类和形状特征，枝叶茂盛的树以表现树叶为主，注意树冠的形态自然生动、明暗块面有不同层次;枯树则以表现它的主干和枝条的形状为主，尤其要注意一般枝干的明暗变化都是上暗下亮。画水面时注意 “水天一色”是水乡风景画中的一大特色，指水面反射了天空之色。而水面除了反射天空之色外，便是其水的.固有色，只有靠近色彩，景物的倒影才会有其景物的颜色影响;水中的倒影在画面表现为色彩和明暗对比弱，静水的表现技巧常常先用垂直笔法表现倒影，然后用横笔表现水纹：水纹的透视关系是近宽远狭、近长远短、近强远弱。荡漾的水可以用小碎笔法横拖出闪光的波纹。画天空时一般接近山和物体的地方亮，远离物体的地方暗。
画面局部还可以增添画面整体的情调，如下面两幅画中的局部人物就使整幅画作充满了生活情趣，起到“以人点景”的作用。
1、应试是当前任务
对于广大考生来说，应对眼前的美术院校招生考试是最紧迫的任务。应对考试有一些特殊的技巧和方法：首先要合理安排考前训练。一般考前两个月之前宜组织风景写生，通过实景写生丰富自己擅长的色系，提高组织画面的能力。到了考前两个月之内应该选择水乡风情、有房子和树的田园风光、夕阳下的湖面等高考常见题材进行临摹和默写的组合强化练习。白天练习色彩，晚上安排素描课程，以达到最佳的进度。
其次对考试时间分配心中有数。拿到考题要安排10分钟左右审题，认真思考画面的构图、色调、最终效果;构图起稿10分钟左右，确定远、中、近景的位置关系和物体的大致轮廓。铺大调子40至60分钟左右，遵循由暗到亮、由主到次、由后到前的顺序，迅速画出画面的主要调子和冷暖关系。深入塑造占考试时间的2/3左右，具体深入地表现景物的体积、空间、冷暖、主次等，使画面有精彩的局部刻画。调整阶段30分钟左右，应从全局的高度审视全画，调整与整体不协调的地方。
再次做好考试的准备工作。准备材料要齐全充足，用自己习惯的画笔，颜料要挤满，检查水桶是否漏水等。对一些基础不扎实的学生，教师可以让他带两盒颜料，其中的一盒里放教师帮学生调好的颜料，把画树、房子、水面等常见景物的常用色每种调出不同变化的四五个层次颜色，学生可以在考试时直接上相应的颜色。
2、发展是长远目标
考试是一时的目标，今后的发展是长远的目标。想靠考前两三个月突击考上美术院校的念头是很危险的，即使幸运地上了分数线，你的大学生涯也会非常辛苦的。所以愿考生们在平时的色彩练习中尽力提高自己的基本功，为将来大学学习和从事美术工作打下扎实的基础。
实用绘画技巧和心得体会【第五篇】
通过这次人文专题课程——中国绘画艺术欣赏几次课的学习，虽然时间并不长，但是对于自己来说还是有一定的收获的。虽然之前并没有任何绘画艺术知识的学习，但是绘画艺术作为从古至今的一种艺术形式，作为承载人类社会与自然社会灿烂文化的艺术载体，是具有非常重要的意义与价值。作为一个从小画画就不好的工科女来讲，当时选这门课程时的确也不清楚这门课程到底是讲些什么内容，对自己的知识体系是否会有所提升，不过在我完成这几次课程之后，对于中国古代绘画艺术有了一个大体的认识，填补了之前这方面知识的空白。同时，之所以为欣赏课程，我想并不是要我们深入地去研究去理解中国古代绘画艺术，只要能对于古人的绘画艺术、绘画形式以及画家想传达的绘画思想有一个大体的认识就可以了。在欣赏和学习的过程中，提高自己的艺术欣赏能力，陶冶自己的情操，这些对于我们这样一直接受理性教育的工科生来说，提高自己的艺术欣赏能力绝对算是一种感性教育，更是对自己创造性思维的另一种激发与培养的方式。
课程中，老师利用五次课程分别介绍了中国近古五大时期的美术绘画艺术，分别是：原始社会至秦汉时期、魏晋南北朝时期、隋唐五代时期、宋辽金元时期和明清时期。每一个时期，都有各自不同的绘画艺术形式与特点，也体现了不同时期社会生活与人们意识的不同形态。在这五个时期里，我对于唐代时期的绘画艺术是最感兴趣的。
唐朝作为中国古代国力最为强势，社会生活最为安定，思想最为开放的朝代，也随之孕育出了繁盛的唐代艺术形式，而其中的绘画艺术也是中国封建绘画的鼎盛时期。唐代的历史也是我了解最多的一个朝代，唐代国力强盛，文化繁荣，唐太宗“柔怀万国”，贞观之治为邻近列国所仰慕。由于唐代具有对各种文化艺术兼容并蓄的非凡气度，儒、释、道“三教”并立，诗文、乐舞、书法、绘画以及文论莫不昌盛。唐代的绘画作为盛唐气象的重要组成部份，为中国美术史留下了璀璨的一笔，绘画名家辈出，见于史册者就达二百余人。唐代张彦远在《历代名画记》中评价初盛唐的作品是“灿烂而求备”，指绘画精神、美学追求、艺术表现和包括构图、造型、笔墨、色彩等技术因素在内的完美统一，这也是对整个唐代绘画风貌的概括。
中国传统绘画中的各个门类，在这个时期都以独立的姿态立于画坛。通过课程和文献了解，唐代的绘画已经分人物、山水、花鸟等科，技法可分工笔和写意。国画传统的核心是“意境”，“形神兼备”、“气韵生动”都是意境的内涵素质，其艺术魅力就是画已尽而意不止，笔虽止，但意无穷。不单单在于用笔，技法，更重要的在于作者要表达的思想境界。画家们的艺术审美思想和审美取向，皆取源于以儒释道为代表的传统文化。唐代绘画折射着儒释道思想的精髓，追求“天人合一”之境。佛、道理论不仅为绘画艺术提供了一个超越时空的广阔的创造空间，而且直接促进画者思想境界的提升。儒家在于对社会理想人格的塑造，在把绘画作为修身养性的手段的同时，指出其“成教化、助人伦”的道德教化作用。唐代张璪总结的“外师造化，中得心源”一直为后人所奉行，指出绘画是一种心灵化的艺术，造化和心源的凝合。唐代的画论、画史著作亦显示了唐代美学理论的深度，与当朝绘画创作一道共同谱写了大唐绘画的辉煌乐章，完善了民族绘画体系。
唐代的诸多著名画家中，我最喜欢的一位是阎立本，可能是因为我和他同姓，所以在看他的画作时，总有一种亲切感。阎立本以人物肖像画著名。他的作品用线劲健坚实，显示出刚劲的铁线描，有丰富的表现力，古雅的设色沉着而又变化，在人物塑造上不仅重视形貌的描写，而且十分着意人物心理与细节的刻画，造型准确生动，因而被誉为“丹青神化”而为“天下取则”，在绘画史上具有重要地位。他画的《凌烟阁二十四功臣图》，由唐太宗亲自为每一位功臣写了赞语。他还画了唐太宗肖像《太宗真容》、《唐太宗纳谏图》等。他画的《步辇图》，描绘了贞观十五年唐太宗会见吐蕃使禄东赞的重大历史事件，唐太宗雍容大度有气魄，禄东赞的谦卑有礼又自信的神态皆刻画的生动传神，气氛隆重而融洽。歌颂了唐太宗的英明睿智，记录了汉、蕃两族的友好。他画的《职贡图》描绘了南洋的婆利国、罗刹二国的使节前来朝贡，途中又与林邑国结队，全幅共二十七人，画中人马各自成组，由右往左前行。描绘出初唐时“万国来朝、百蛮朝贡”的情景。
人物画是以人物形象为主体的绘画之通称，在唐代绘画中仍占主要地位，大体分为道释画、肖像画、仕女画、风俗画、历史故事画等，取得了极高的成就，无论是吴道子、阎立本、周昉、张萱还是带有西域画风的尉迟乙僧等，均对后世产生了重大的影响。唐代道释画兴盛，重要人物画家皆擅佛道壁画，当时宫殿、衙署、厅堂、寺观、石窟都有壁画装饰，气势恢宏，色彩灿烂，塑造的佛道故事中佛、菩萨、神仙等栩栩如生的形象，飞天凌空飞舞，表现天国世界的美好，画面的繁复与盛大既给人敬畏与向往，又给人以美感与享受。壁画艺术水平也非常高超，外型描画准确而生动。唐代卷轴画也开始兴起，并因便于创作、收藏、观赏而逐渐流行。
在课程的结束，对自己的课程进行一个总结，梳理了一下课程内容以及课件知识，又自己在网上找了一些关于阎立本、吴道子的绘画评价，虽然对于同一画作也有不同的艺术评价，但大都也是对于表现手法的一些分歧，主题的脉络都是一样的。在我看来，艺术对于不同的人来说本来就有不同的理解，只不过在我们接受了一些艺术欣赏的指导和熏陶，对于理解和欣赏艺术作品就更为深入与细致，也能逐渐体会到作品所体现出来的创作者的思想与灵魂，我认为这就是学习欣赏艺术的真谛所在。最后，感谢李老师这几次课程的悉心指导与耐心讲解，在课程结束时让我有所收获有所提高。
实用绘画技巧和心得体会【第六篇】
明白画画的诀窍,可以立刻提升你的绘画技巧。以下是为大家分享的6大绘画技巧，供大家参考借鉴，欢迎浏览!
绘画是一种艺术，不是一项普通的工作，作画过程中作者的思想、情绪、感受极大地影响着画面的最终效果，没有思想、没有激情的画面是空洞、没有感染力的。有的同学认为“画得多了就提高了水平”，于是一味地增加作业数量，盲目延长作画时间、好像只有这样才算“努力”。而实际上呢?由于身心疲惫，作画时已经是漫不经心、胡思乱想、精力不能集中了，何谈“思想”与“激情”?其作品也只能是徒有形式，毫无神采，“多画”是在“画好”的基础上多画，而不是无目的的多画，在作画时出现厌倦情绪时可休息片刻，或改色彩、速写，实行自我调节。只要用“心”作画，就一定会使自己的艺术水平得到有效提高的。
“整体观念”是一个老生常谈的话题，也是一个比较难解决的问题。相当一部分学生“只见树木不见森林”，不是造型、结构不准，就是上调子时死抠局部，使局部与整体脱节，画面花、杂、乱，作画要的是整体的最后效果，没有整体的局部，再精彩、再深入也毫无意义。既然整体是关系到一副素描作业的成败，那么处理好局部与局部、局部与整体的关系就显得尤为重要，“专注局部，忽视整体”将最终造成“整体”的失败。
有的学生素描基本功应该说不错：构图完整，造型准确，线条流畅，体积感强，并且深入得十分细致入微，面面俱到，对所画对象、背景的任何一个细节都不放过。像这样的作品只能算是“技术熟练”，而谈不上“艺术高超”，因为画面没有重点、没有取舍，什么都画其实就等于什么都没画，所以在深入时一定要通过认真观察分析其结构、特征，结合自己的感受，将对象理性地、艺术性地反映在画面上。要大胆取舍，该突出的刻画入微，该省略的一带而过，做到有主有次，有详有略，千万不能“眉毛胡子一把抓”。
在很多学生中存在着这样的问题：喜欢画写生，不愿在临摹上花费时间，也不屑于临摹。这种认识是错误的。临摹是学习的一种重要方式，每位成功的画家都通过深入学习、研究、借鉴前人的作品汲取了大量的营养，为成功奠定了坚实的基础。通过临摹优秀作品来学习他人的宝贵经验，可以使视野开阔，思维更活跃，头脑更具有理性，实现作画水平的有效提高，实在是一件很“便宜”的事。
在重视临摹的同时也必须要注意一些问题：
二是对临摹作品要有一个理性的认识，不能全盘照抄，要做到去粗存精;
三是临摹要有一个“度”，要与写生结合进行，临摹是学习手段，写生才是目的。要避免因盲目、过多的临摹而压制思维，束缚个性的发展。
有的同学忠实贯穿“苦练”战术，作画非常刻苦、勤奋，但水平却长期停滞不前，许多问题依然存在。虽然他们很“勤奋”，但不会总结经验，不知道要解决的问题，也就更谈不上如何解决问题，这种“勤奋”只能算是漫无目的`的蛮干。“人贵有自知之明”，我们一定要清楚自己的优点和缺点，在保持优点的同时，针对性地去克服与解决存在的问题。
素描是造型艺术的基础，对考生考查的主要是素描的方法和造型，但不同的院校对素描的画法、风格是有一定的偏好的，不同科系、专业对考试的命题、作画要求和评分标准也有所不同，“知己知彼，百战不殆”，所以，根据自己的报考意愿、针对不同的院校、专业的不同特点、要求，确立学习目标，做到有的方式学习和训练，也是美术高考取得好成绩的一个重要方面。
实用绘画技巧和心得体会【第七篇】
漫画是绘画艺术的一个品种，常采用夸张、比喻、象征等手法，讽刺、批评或歌颂某些人和事，具有较强的社会性，也有纯为娱乐的作品，有较强娱乐性，娱乐性质的作品往往存在搞笑型和人物创造型。以下是网友分享的“实用绘画技巧和心得体会范文优秀10篇”，希望大家认真阅读!
如今就让我们从最常见的幽默诙谐的画面式眼球--“美貌女子型大眼”的画法着手啦。先画一条上进弯的曲线,曲线无上处的线条要画得些微粗些。这处我们画的是脸部右面的眼球(也就是人物的左眼)，因为这个曲线左端要比右端高(日式的大眼球眼犄角儿有点耷拉，楚楚怜惜的模样，然而垂得太利害了，虬龙女便会成老龙婆)。 实际上这个还没成型眼球的顶端并非完美的曲线，而是稍带些棱角。也有点类型的眼球几乎绝对在正顶端屈曲.
擦掉匡助线，在眼球里边画一个长的鸭子蛋圆形。也有点幽默诙谐的画面人物的虹膜(就是眼球)是个大的圆形, 然而这处我们把它画成纤纤的鸭子蛋圆形，当然你可以依据自个儿的爱好把式样调宽些。鸭子蛋圆形上部将被上眼线所覆盖--实际上无论哪种风格的眼球，我们都没有办法绝对看见整个儿眼球，上部几乎都要被眼框边缘打掩护(当然惊慌、激愤时例外)。
下一步,绘制眼球高光的大概轮廓线。一般幽默诙谐的画面人物的眼球会有一点暗影。幽默诙谐的画面中女孩普通也都具备表面化的暗影和光泽。稳固建立你画中挑选的光源，况且在整个儿银幕中都是始末未变的。举例来说，假如在一张画中光线是从左面映射的,那末银幕剩下局部的高光区也务必源于左面,否则光线所萌生的明暗关系就不协调了(错非你运用了多个光源，然而本教材不牵涉到此范围)。画两个长鸭子蛋圆形: 大的`鸭子蛋圆形在虹膜(眼球)的左上部(与虹膜的边缘层叠,如图所示),细小的那一个在眼球的另一边儿。
继续,在高光的下边画上瞳孔。高亮区普通位于上端，务必别把瞳孔画到高光下边了。 再绘制眼睫毛，我们所画的这个眼球，眼睫毛是从眼球右上部长出的蝉联的穗状物。眼睫毛要顺着眼球的曲线来画,看起来才会像是由眼上长出的，别光画些粘在她眼球上的“z”形的折线^_~实际上眼睫毛就是从眼皮儿上面娩出的纤小曲线啦。
(此小地儿述为ps的功能)点击层面板上的选框，将层1设定为 "尽力照顾区透明区"(preserve transparency),如左图所示。这么你只能在已有的线条上加色，而不会把没涂颜色的空白处弄脏。 它的效用十分关紧。:)选一支大的画笔，用纯黑色(0,0,0)在整个儿银幕上涂抹。 所勾的边线将会成为它应有的黑色。 :)
好，现在我们开始画另一种风格的眼睛--不是我们通常所见的一种。 这种类型更细长、优雅，看起来也写实一些, 所以比较严肃的动、漫画中常常采用。这种特殊的眼睛属于deedlit “lodoss war”(是不是《罗德岛战记》?)类, 比杀手还要酷得多的造型(这种眼睛始于杀手!)。先画一条细长的曲线。左边应该比右边低，而且线左边的转折处要锐利一点。
为了易于定义眼球的底边,从眼球的边缘着手轻轻画两条对角交错线作为匡助线。与上头的教程不一样，此处的匡助线没那样子铅直。匡助线越趋于平行线,眼球将会越小。不过也别画得太过于平直,由于你不会期望这双眼球成为侧目吧。经过匡助线绘制眼球的底线。
擦掉匡助线，绘制虹膜(眼珠子)的大概轮廓线。 假如没有眼皮儿,眼珠子将会是一个完美的圆形。不过，眼珠子既被眼皮儿的边缘挡住,则我们看不到眼球的顶端和底部。眼珠子不要画太小，至少你能看到完整的物体。(错非你想要奉达某种情绪，譬如悻悻还是惊讶，然而这是另一小批所讲评的内部实质意义了)
实用绘画技巧和心得体会【第八篇】
绘画艺术在二度平面上创造物象与空间，展示现实生活与想象世界的多样景观，传达人的思想感情。下面是网友为你带来的如何提高绘画技巧 ，欢迎阅读。
有些人画了好多年的画，真正领悟到绘画的真谛可能只在一瞬间。
——前言
很多时候，我们问别人如何学好画画时，往往只得到一个答案：就是多画多练多观察。当然我也知道多练多观察才能画出好画，但是我总感觉里面还有些什么东西隐隐需要我们去了解，不然盲目的去画去练，我们越画越糟糕，心情也变得烦躁，不想再画下去了。
这里把我的学画的经历和感悟写出来与大家分享，希望能帮助更多还困在里面的朋友走出来。
当初我还是一个初学者的时候，虽然我很喜欢画画，但是无论我怎么画怎么改，就是画不好，更要命的是，明明知道不好看，就是找不出原因。
我没经过正规的美术培训，所以学画时比一般专业生要累很多。虽然以前有上过美术课，老师也只是简单教我们画些基本立方体和苹果，然后我们就跟着画，很多都是靠我们自己的感觉去画画，结果发现越画越不对劲。
画了好长一段时间，我的画画水平一直没有多大的进步，顶多也就把整体画得看起来舒服一点。水平一直上不去。很是苦恼。
直到后来我悟出了下面几点绘画要领之后，我的绘画水平才慢慢走上专业轨道。
我的绘画技法突然间提高经过几个转折点，这几点说起来很简单，却是花了我好长的时间断断续续摸索出来的。
采用长线作画。
刚开始学画的时候，总喜欢一点一点慢慢的描，花了很多时间，终于把一个物体画完了，最后一看，很不专业，线条看起来很乱。这段经历延续了好几年的时间，后来经一个人的无意中的一句话，才知道应该采用长线画画，顿时发现好轻松，以前花一两个小时才能打完的线稿，用这种方法，半个小时就可以画好了。用长线作画，第一次让我感受到的画画的快感。
整体作画。
以前画画的时候，习惯从上往下画，或从左往左画，或先把一个细节画得非常好，再画其它的。最后花了几个小时画下来，发现走型了。
后来我开始采用定点，用长线连起来，从整体入手，先把大体轮廓打出来，再刻画细节，从此画面整体效果及物体结构再很少出现变形或变歪的情况，速度也提高了好几倍。
暗部尽量加深。
很长一段时间画画时，暗部不敢涂黑，担心会把画弄脏，而最后画面都是灰色的，没有立体感。后来采用电脑画画时，才敢画黑。从此我的画体积感要比以前强很多，画面再也不是灰色的`。
学会铺大调。
以前不管是上色还是上明暗，总喜欢一块一块的上，上好这一块，再上另一块，整张画上完色下来，发现很不协调。后来因为偷懒，想画得更快一些，就给它大体明暗，结果不小心发现了这种方法，很科学，很实用。从些绘画技术又更上一层楼。
理解透视原理
以前画画时，总找不出图变形的原因，其实变形80％都是因为透视错误，百分之20％是因为结构错误，当我研究了透视原理后，不但知道近大远小，近实远虚，近疏远密等原理，还知道什么是一点透视，两点透视和三点透视。到后来研究的四点透视，五点透视，曲线透视，对我的创作都有相当大的帮助。现在想画什么角度就画什么角度，很轻松。学透视，关健在于理解。理解透了，你的作品效果也会极速提高很多倍。
光影的一致性
很长一段时间，一直观察不好光线，总感觉这里光那里也有光，最后画的时候也都留光，结果一幅画下来，到处都是黑点和光块，很乱很脏。
有时候是上半身光从左，下半身光从右，经常发生光影混乱。虽然当时感觉挺好，但是后来看多了大师级作品，才发现自己的作品很不符合常理。从那开始，我才注意到画画必须要设定一个主光源，光和影必须要一致，我的作品又提高了一个层次。
放松心情作画
以前画画时，总喜欢看个东西画（临摹），才能画得出来，如果什么都不看，自己想脑子就会一片空白。不知道从哪下笔。
后来一次搬家，很多书都没带，自己很无聊就拿笔乱画，自己想到什么画什么，突然间发现好轻松，再也没有那么多的条条框框约束，那个时候起，我才第一次体会的画画是件最快乐的事。想什么就画什么，那种感觉很舒服。 从此我再也没有临摹过任何东西，也喜欢上了原创，相反我还感觉临摹是一种痛苦。
采用电脑作画
以前画画的时候，什么都是一笔一笔画的，往往一幅画下来，花了很长时间，效果都不是很理想，后来开始接触电脑绘画后，发现以前用很复杂的方法表现的一个效果，电脑只用一个滤镜几秒钟之内就可以表现了，从此我发现了一个神奇的绘画世界！
后来再去研究物体的结构，体积，透视，光影，空间，质感，力学，色彩等等，绘画手法也越来越成熟，发现绘画的世界真的很精彩。
初学者要一下子改掉以前的绘画习惯，估计得经过很漫长的心理斗争。
什么时候突破了以上几点，你的绘画水平肯定会闪电般的提高！
实用绘画技巧和心得体会【第九篇】
绘画构图是绘画创作中至关重要的一环，它决定了画面的结构、平衡与美感。有着丰富经验和技巧的画家们在实践中总结出了许多有效的构图方法，今天我将分享我的一些心得体会。
首先，构图的基本原则是平衡与对比。画面的平衡是指画面元素在空间上的平衡感，对比则是指画面元素之间的对比关系。在构图时，我们需要让画面的元素分布均衡，避免画面左右重量不平衡或者密集与稀疏不均的情况出现。同时，通过对比关系的设置，可以突出画面中的主题，增强视觉效果。例如，可以通过色彩对比或者明暗对比来增强画面中的层次感和立体感。
其次，给画面添加一个主题或焦点是构图的重要手段。画面中一个突出的主题或主体可以使观者更加容易理解画家的意图，同时也能增加画面的吸引力。要实现这一点，可以通过各种手段来突出主题，如放大、夸张或者通过对比使主体更醒目。
此外，透视是构图中常用的技巧之一。透视是指在二维平面上通过画出一些特定的线条，使画面呈现出三维空间的感觉。透视可以使画面更具有立体感，增加观者的投入感。这个技巧需要我们通过学习和实践不断积累，掌握合理运用的方法。
还有一个重要的构图技巧就是使用线条引导视线。线条可以在画面中引导观者的视线，从而实现画面的层次感和引导视线的作用。我们可以利用线条的形状、长度或者方向来引导观者的目光，达到画面中元素关系更加流畅与和谐的效果。这种技巧在绘画中经常被使用，可以帮助观者更好地理解画家的意图。
最后，构图时的整体感觉也是必不可少的。画家在构图时需要关注整体画面的效果，而不仅仅是个别细节。通过调整画面的整体构图，画家可以达到整体与部分之间的和谐，从而更好地传达画家的情感和意图。在实践中，我们可以通过多方位的锻炼来提高对画面整体效果的把握。
绘画构图技巧是一项需要不断实践与学习的技巧，因此画家们需要在不同的创作过程中不断探索，积累经验。通过实际操作和不断反思，我们可以逐渐提高自己的构图技巧，并且在实践中创造出属于自己独特的构图风格。希望我分享的这些心得能够对其他绘画爱好者有所帮助。
实用绘画技巧和心得体会【第十篇】
今天又是一次绘画课，有点感触，来说几句。
我发现家长们来接孩子的时候，第一句话就说：“看看你画的？没老师画的好看啊~”
实际上，我觉得“画的象不象”只是家长们对孩子绘画作品中形象的一种评判，俗话说：“照猫画猫，照虎画虎”，其实说的是一种模仿和观察力。由于幼儿的认知、思维的局限，在观察事物时不可能很全面，也许只抓住自己看到的某个特征，这时大人们就会觉得不象，但是在孩子看来，她看到的事物就是这个样子的。只要孩子捕捉到了事物的基本特征，那么我们就不能单纯的从象与不象来评判孩子的绘画作品。
孩子不是为了绘画的结果而画的，对于他们而言，并不计较画得象不象，而是他们在画、在涂，他们沉浸在这个过程中，在这个过程中思维，在这个过程中成长。绘画就是他们自我表达的一种语言。我们应该多支持多鼓励孩孩子。
我们老师在选择幼儿绘画题材的时候，就已经考虑到了是否适合孩子的年龄。
在孩子绘画过程中，有时候孩子画错了怎么办？通常我们的做法是让他们干脆换张纸。但有时我们也会将错就错，鼓励孩子另辟新径。
绘画的过程也是孩子在想象的过程、思维的过程、表达的过程。所以当看到孩子画出我们难以理解的“怪物”时，或看到画面上互不相干的事物时，我们不必惊讶，因为孩子眼中的世界原不同于我们成人眼中的世界。
你可以请孩子解释一下，或许你会有很多惊喜的发现——孩子的想象原来这样丰富，孩子的思维原来这样有趣，你可以从中了解孩子的世界。同时孩子在解说过程中，大脑经过记忆改造、表象重构等过程，这将促进他抽象思维的发展。
一次绘画课，我发现妍妍左顾右盼迟迟不肯动笔。问她怎么了，她低着头小声说：“上次画的画，妈妈说我画得乱七八糟，一点也不象。”这位妈妈的“心直口快”竟使孩子驻笔不前。不要轻易否定孩子，尤其在不了解孩子所思所想的情况下。孩子是从别人的眼中认识自己的，如果他得到的总是否定的信息，渐渐地，他对自己也会持同样的否定态度，而一个人地自我意识将影响他整个人生。所以当孩子向你展示他地作品时，认真地看待他地工作成果，鼓励他，讲出自己地真实感受，与他讨论。孩子在成人认真聆听和注视下也感受到一种成就感，受到重视的成就感。
每个孩子都有她的优点和不足，不要拿别人的长处和你孩子的短处去比较，那样只会伤害孩子，多给孩子重视，兴趣是可以慢慢培养的，在她并不反感的前提下。遇到有什么疑难的问题可以和我们老师及时的沟通，只要我们一起想办法，问题会解决的。
现在我们班的绘画课，我上课的时候也成为了一种享受，感觉就想是你找到了懂你的知音，你说什么，孩子们能立马给你回应，真的很欣慰，现在每次绘画课结束后，家长们来接，都会有这么一句话：“这是你画的啊？老师没帮忙啊？真不错，有进步”
孩子们的点滴进步都是我们老师和家长感到最幸福，开心的事，您说，我说的对吗？