声乐表演学习资料通用8篇

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声乐剧目表演心得体会【第一篇】

随着社会的不断进步，越来越多的人开始关注文化艺术的发展和推广。在这样的背景下，声乐剧目表演逐渐受到了广大观众的追捧。近期我参观了一场声乐剧目表演，深受触动，充分体会到了音乐的力量和表演的魅力。在这篇文章中，我将分享我对这次表演的感受和心得体会。

第二段：剧目的选择和表演技巧。

一场精彩的声乐剧目表演离不开剧目的选择和表演技巧的完美组合。在这次表演中，剧目的选择十分合理，既有古典的经典作品，又有现代的流行曲目。这样的安排使得观众能够既欣赏到传统的音乐艺术，又感受到现代音乐的时尚流行。表演者的表演技巧也非常出色，他们的嗓音悠扬动听，唱腔婉转动人。他们通过精心的演唱和舞蹈表演，展现了出色的表演技巧，让观众们沉浸在音乐的海洋中。

第三段：音乐的力量和表演的魅力。

音乐具有无穷的魅力和力量。在这次表演中，我感受到了音乐的独特魅力。每一首歌曲都有着自己的故事，通过歌曲表达出来的情感能够打动人心。音乐不仅仅是一种娱乐方式，更是一种沟通的工具。而音乐表演则进一步展示了表演的魅力。通过舞台上的表演，演唱者能够将歌曲中的情感真实地呈现给观众，让观众们产生共鸣。这种沟通和共鸣，是声乐剧目表演的独特魅力所在。

第四段：表演中的困难和挑战。

声乐剧目表演虽然精彩纷呈，但在实际的演出中也会面临一些困难和挑战。首先，演唱者需要具备出色的音乐素养和表演能力。他们需要经过多年的学习和培训，才能够达到高水平的表演要求。其次，演唱者需要具备良好的体力和心理素质，表演过程中的高强度和长时间的演出会给他们带来很大的压力。最后，声乐剧目表演的成功还与舞台和音响设备的配合有着密切的关系，良好的舞台和音响设备能够更好地展现演唱者的才华。

声乐剧目表演作为一种音乐艺术形式，在未来必将有更大的发展空间。我希望未来的声乐剧目表演能够更加多样化，涵盖更多类型的音乐作品，满足观众的不同需求。同时，我也希望演唱者们能够不断提升自己的技巧，通过不懈的努力，创造出更加出色的表演。最后，我期待未来的音响和舞台设备能够更加先进，更好地展现演唱者的才华。我相信，在大家的共同努力下，声乐剧目表演一定会有更加辉煌的明天。

结束语：

通过这次声乐剧目表演，我深刻体会到了音乐的力量和表演的魅力。令人陶醉的歌声和动人的舞蹈给我留下了深刻的印象，使我对声乐剧目表演有了更深入的了解和热爱。我相信，声乐剧目表演将会越来越受到人们的关注和喜爱，为我们的文化艺术事业做出更大的贡献。

浅析歌剧原野声乐旋律创作与声乐表演范文【第二篇】

《原野》这部作品，更是在我国歌剧表演当中，作为一项具有代表意义的文化艺术瑰宝，得到广为流传。

歌剧本身具备能够将音乐与文学联合在一起的特征，这种将音乐与文学紧密结合的表演形式，使歌剧展现出一种十分新颖的综合艺术魅力。然而，尽管歌剧这种表现形式同时具备了声乐与文学艺术的共同优点，并在统一的舞台当中进行了统一的表现，但是究其根本而言，声乐与文学艺术的表现形式还是存在着许多差别的。对于声乐和文学艺术而言，它们本身各有千秋，分别存在着各不相同的表现形式，我们在进行表现的同时，还需要根据其本身在旋律上的不同来使用不同的表现方法。很多歌剧作品由于其本身在主题和意识当中的表现较为突出和明显，使得艺术作品当中所描述的人物形象也较为鲜明，因此也使得我们在将这些作品向观众们进行表达时不会受到一些条条框框的约束，这样的歌剧，其所展现出来的声乐旋律也大多都具有着多变性和舞台张力，对于舞台前的观众情绪调动而言，有着极为明显的作用，同时也容易引发观众们的联想，进而使歌剧表演得到升华，这是对歌剧声乐旋律的第一种表现形式。

歌剧《原野》之所以能够获得如此巨大的成功，主要原因就是其作品本身，同时包含了以上三种歌剧共有的优点和它们的旋律创作方式。而那些不如《原野》那样成功的歌剧，往往在作品本身的旋律创作上，都较为单一化。由此可见，《原野》这部作品之所以能够获得这么巨大的成就，根本原因就是因为其充分地借鉴了我国一直以来所流传下来的歌剧艺术形式表演手段，以及相关的表演经验与方法;在整个表演过程中，演员所扮演的仇虎，无论从声乐的唱调到表演的情绪变化，都向我们诠释出了人物想要跳出牢笼，并进行复仇的急切情绪变化，这种层次感分明的旋律表现，使得整部歌剧的舞台表现力与感染力得到了极大的提升。

歌剧《原野》的成功，在舞台歌剧领域的表演手段上，为我们提供了很多独到和宝贵的成功经验，这些都为我国歌剧领域的向前飞速发展，起到了强有力的推进导向作用。从上述对该歌剧的演唱技巧以及旋律的把握创作等所进行的细致分析来看我国当前的歌剧领域，要想得到进步和不断的完善发展，首先就需要进行以下的努力：

(一)声乐作品创作框架界定。

对于歌剧这种声乐艺术作品而言，我们在对其进行创作的过程中，首先需要对其创作理念进行大致框架上的界定。众所周知，歌剧的创作理念往往能够决定歌剧的具体演绎方式以及表演中对于作品情感的释放。对于我国的歌剧而言，在创作的过程中，应该尽可能地抛弃掉传统歌剧艺术创作的观念约束，同时在创作的过程中，还应该在声乐形式以及旋律的表现方式上效仿一些西方先进的歌剧表演经验，只有界定好完整的作品创作框架，并充分借鉴其他国家在歌剧表演当中的先进经验和手段，才能够使我们国家的歌剧艺术作品在根本上得到突破，获得新生。

(二)发挥中西歌剧文化优点。

在进行歌剧创作的过程中，对于声乐的表演，应该充分发挥出中西歌剧的长处，在继承传统演唱技巧、突出我国演唱技巧的独特韵味的同时，引进西方歌剧的演唱技法，将两者各自的优势进行综合吸纳，既要做到字正腔圆，同时也要兼顾旋律的流畅与优美，从而对我国的传统唱法进行创造性革新，促进我国歌剧演唱的发展。

声乐作为一种独立的艺术形式，不仅能够促进音乐事业的进步，同时对于歌唱家的培养也有一定的推动作用，一部好的声乐作品对于唱歌家的培育作用是非常巨大的，我们应该发展声乐艺术，要不断推出更多像歌剧《原野》这样优秀的音乐作品，扬长避短，学习西方声乐的技法和经验，尽可能地吸取其中的精华，摒弃其中的不足之处，只有这样才能够有效地促进我国音乐事业的长足发展。

声乐演唱临场表演的训练论文【第三篇】

摘要：声乐演唱临场的表演不仅仅是技术的问题，还需要对演唱者心理进行完善。在这两者结合的基础之上加上临场经验的积累，才能够培养出比较完善的声乐演唱者，从而可以进行完美地声乐艺术表现。

关键词：演唱心理演唱技术。

声乐演唱者的临场表演由演唱者演唱技术与演唱心理两个元素组成。演唱心理是指演唱者在演唱过程中的心理活动。这种心理活动是建立在演唱者实践基础之上的认识活动。诸如演唱者演唱的欲望、动机；演唱者情绪的表现力与感染力；对音乐作品的记忆与想象；克服“杂念”以及演唱者的应变心理、临场状态等等。只有把演唱者良好的演唱心理与科学与正确的演唱技术相结合，才能够准确、完美的表达声乐作品的艺术内涵。

一、正确、科学的演唱方法是临场演唱成功的基础。

正确、科学的演唱方法是临场演唱成功的基础。它包括认真、严格地阅读作品；科学、准确地记忆作品；对作品整体的感受、分析、处理和克服技术难关这三个方面。

1、要认真、严格地阅读作品，科学、准确地记忆作品。

认真、严格地阅读作品和科学、准确地记忆作品一样，贯穿学习和演唱的始终。当学生已经可以记忆演唱作品后，再让他们看谱练习，进而再仔细的分析、研究、推敲作品。

记忆作品的基本方法有：“视觉的记忆”、“听觉的记忆”、“运动神经的记忆”和“理智的记忆”等。

a．视觉的记忆方法。视觉背谱的方法是一种依靠看谱记谱的背谱方法。舒曼说过：你必须练习看到乐谱就懂得音乐的进行和音乐所需要使用的技术、方法。著名男高音歌唱家多明戈依靠眼睛的力量记忆演唱百部以上的歌剧作品。

b．听觉的记忆方法。科学研究发现：用听觉的方法来记忆是效率最高的一种记忆方法之一，听觉和视觉结合起来的方法次之，而只用视觉记忆的途径则是效率较低的一种方法。

c．运动神经的记忆方法。一般声乐演唱者学习一首作品总是需要一遍又一遍地重复，直到他们可能完全离开乐谱为止。他们在很大程度上依靠着运动神经的记忆。

d．理智的记忆方法就是人们在背谱时对演唱作品进行理性的分析，对动机、乐句、乐段、曲式结构、作品伴奏的和声、织体、调性、调式……等等都进行认真的分析，使记忆建立在清晰的理性分析基础上，将上述方法综合起来，使思维、情感、肌肉、神经、听觉、视觉达到最理想的协调。

2、对声乐作品进行整体的分析、处理。

如果说处理歌唱作品是学好一首乐曲的关键，那么攻技术难关是学好一首乐曲关键中的关键。在演唱时技术上的不完善，仅仅凭侥幸心理和一时的表演热情是不够的，但技术难关是否能彻底攻克与演唱者表演的成败有着密切的关系。

完善的心理机制是声乐演唱者临场表演成功的重要保证。声乐演唱者临场表演成功它包括强烈的表演欲望与自信心；丰富的表演经验的积累；做好临场演出前的充分准备。

1、演唱者的'表演欲望和自信心。

对演唱充满信心、欲望和充分的表演准备又是演唱效果良好的保障。此外还要丰富演唱者的审美经验、艺术素养的深度和广度，挖掘演唱者艺术创造的个性，鼓励他们发挥主观能动性，自觉地去感受、思考和表现作品。

长期的训练习惯有利于保护学生演唱的自信心、表现音乐的欲望和音乐表演的整体性与连贯性。要培养声乐表演者良好的表演感觉，还要让他们公开表演，而不只是关在教室里训练。即使是最好的课堂教学也代替不了这样的舞台表演的锻炼。

准备工作做得再充分，再细致，临场都有可能出现偶发性的情况，这就要求演唱者有良好的应变能力即“表演机智”。应变能力来自丰富的临场演唱表演经验的积累，这种经验也是依靠教师在教学中、舞台实践中指导、帮助学习者去进行主动思考与积累的。

4、做好临场演唱前的准备工作。

由于声乐演唱具有：场地的不确定、演唱时段的不确定、歌者自身心理生理条件不确定、听众的不确定因素。所以首先是要求演唱者尽最大可能熟悉表演的环境。歌唱者除了在演唱前必须休息好，积蓄充沛的精力，还要适应演出时间的变化而主动服从演出的时间对自身的影响；演出时演唱者的生理与心理有自己的问题，但也要主动地把自己的生理与心理调节到适合表演的最佳状态，才能完美地进行艺术创作；在演出中特别要求与观众的交流要和谐，因为不管那种唱法都是为观众、听众表演的，听众的地区不同、年龄不同、临场的气氛不同等也要求演唱表演要灵活，在演唱时在技术、曲目、表现力等方面都要有所充分准备。

参考文献：

[1]贝内特雷默著《音乐教育的哲学》民音乐出版社.7。

[2]邹长海著《声乐艺术心理学》人民音乐出版社.8。

[3]王次昭著《艺术概论》高等教育出版社。

[4]曾遂今著《音乐社会学概论》文化艺术出版社.3。

[5]石惟正著《声乐学基础》人民音乐出版社.7。

[6]曹理著《音乐教育学》首都师大出版社。

[7]李嘉禄著《钢琴表演艺术》人民音乐出版社。

声乐演唱临场表演的训练论文【第四篇】

从歌词、曲调创作到演唱，从无声的书面声乐作品到有声的口头声乐歌唱表演，是使声乐表演艺术得到完整体现的过程，可见声乐表演的再创造是使声乐表演艺术得以体现的主导因素。声乐表演，应当是演唱者在当众的情形下与自己内心进行自我交流，并自如灵活地创造出符合角色规定情境的人物生活，使观众明白和感受到所要表达的内容，从而受到艺术的感染。

声乐表演是将“唱”和“演”两者紧密结合的艺术表现形式，随着传媒技术多角度、多元化、多样式的发展，观众对声乐演唱中的要求也越来越高，观众希望感受到“听”与“视”等多处感官的同步欣赏，因此“视听同享”则成为声乐表演的重要发展形式。声乐表演中的形体表演为声乐作品注入活力和创造行为，表演者通过肢体、表情等行为表述作品感情，诠释作品的思想内涵，形体表演是对歌唱起到协同统一作用，同时也是展示音乐作品魅力和提升质量的重要手段之一。声乐表演形体中动作设计是一个从无到有逐渐熟练掌握直到熟能生巧的过程，其中每一个形体动作都需要在上台前消耗大量时间进行设计、编排、训练等排练，需要演唱者对歌词、节奏和旋律进行细节处理，经过仔细推敲和设计，编排形体动作，再经过反复练习和运用达到理想的表达效果。

声乐形体训练可以培养演唱者独具魅力的台风和舞台形象，优秀的声乐表演者需要具备自身的优雅台风，声乐不仅是一种歌唱的艺术形式，更是一种全身心的运动，是表达演唱者丰富情感和过程，歌唱中要配合肢体动作。但是声乐形体动作时紧密联系作品特征而设计的，都具有一定的表达效果和艺术体现，以下主要从几方面进行介绍：

（一）身体姿态。

声乐表演者的天职是对“美”的诠释和创造，身体姿态的美不仅仅表现在外表，而是行为美的表现，演唱者挺拔、自信、饱满、松弛的身体状态是舞台美的表现关键。身体姿态的美是根据作品内容和风格的不同而表现的，不同的音乐作品应该利用不同的身体姿态，例如潇洒、豪放、甜美等不同的姿态美来体现。同时针对不同的唱法对身体姿态也有不同的要求，在美声唱法中就要求演唱者身体姿态庄重、稳定；而民族唱法中则要求融入民族特色的表演身段；通俗唱法则一般是边歌边舞。但是无论歌唱作品表达的是悲伤或是痛苦，演唱者都应保持优雅大方的身体姿态，切不可出现动作随意、身体松懈等过于生活化的身体姿态。

（二）脸部表情。

人类的情感可以通过非语言的面部表情来表达，人的诸多情绪都可以通过面部的变化来传递，并且比语言表达更为生动和形象。声乐发声方法应该讲究“眼眉舒展”、“抬笑肌”、“松牙关”等，这些脸部表情会帮助演唱者达到赏心悦目的演唱状态。尤其是演唱者的“微笑”表情，有利于抬起脸部笑肌，打开上口盖，从而利于鼻、口腔等部位的正确发音。脸部表情中重要的是眼神的.交流，俗话说“眼睛是心灵的窗口”，观众可透过眼神体验到演唱者的感情，因此提高眼神的表达能力是声乐形体表演训练中的关键内容之一。这眼神训练的目的，是唤起表演者对歌词内在内容的体验，使与其相关的内涵更生动地出现，更有利于整体把握声乐作品的基调和丰富作品的内容，积累演唱者的经验。所谓内心视像，是演员在表演时能够在自己的内心视觉和想象中，形象地“看”到自己表现的一切。并通过眼神表达出来。演唱者可以根据歌曲的情景融入感情，并在眼神中与观众交流“有所见”“有所言”的感悟，观众则通过察言观色，分享到演唱者所要表达的感情和思想。脸部表情和眼神可以给观众传递对作品的直观感受，丰富生动的脸部表情可以充分地展示作品，而且给观众给观众留下深刻的欣赏印象。

（三）手势动作。

手势动作起落是声乐表演者中又一关键的“亮点”，在演唱中要适当配合手势动作，其效果并不亚于指挥。首先演唱者要将手势融入到歌唱呼吸中，随着音乐的节奏成为流动的一体，而不是用手势打拍唱歌，这样会影响到唱歌气息的连贯性和稳定性，进而产生声音不够统一等问题。在演唱过程中手势可以代表个人的演唱想法，随着声音的强弱变化、扩展收缩，舒缓有力等变化，可以通过手势的变化来协助完成。其中手势动作分类较多，包含指示型、情绪象形型等，手势的利用可以更加细腻地传递音乐旋律，因此要根据不同的音乐风格加以设计、编排和练习。

（四）台位变化。

声乐表演中还有一个重要的形体训练就是台位变化，是指演唱者的步伐移动，歌唱者大部分演唱时间都是站立原地，但是在前奏、间奏、伴舞配合、观众交流、舞台调度等实践段内都需要演唱者适当地变化位置，来满足演唱的整体效果要求。台位的变化需要演唱者注意以下几点：首先确定何时转身和换位，需要几步；而后注意移动步伐的节奏，步伐的幅度和优美性；脚下站立、换位时注意脚步重心的稳定和协调性；无论是在起步、转身、交流等各个环节都应该配合音乐的韵律；最后，注意男女生之间的站姿、步伐区别，做到大方得体与优雅。

三、形体表演总体要求。

（一）形体表演要表达真实的情感，歌唱不仅仅是歌唱技巧的体现，更是一种全身心的运动，一场令人折服的演唱需要演唱者首先感动自己，进而打动观众。

（二）形体表演中的动作都要具有目的性、延续性和协调性，从头到尾地将演唱与动作连贯统一，切忌心猿意马。

（三）形体表演中动作的体现要依托于歌词内容、音乐风格和思想感情，演唱者只有事先充分掌握歌曲的内涵才能对音乐作品进行良好地传递和表达。

（四）形体表演要对演唱起到画龙点睛、锦上添花的效果。

声乐演唱临场表演的训练论文【第五篇】

声乐是高师音乐专业一门重要的基础课程,是训练学生掌握和运用科学的发声方法、声乐演唱艺术的一门科学。要求声乐教学必须严格遵循自身的基本规律,明确对高师声乐教学、声乐演唱的认识,提高教学效率。当前,高师声乐教学存在着局限性和特殊性,在声乐表演中存在着必须克服的严重心理方面的问题。有些学生在舞台上、考场上或在众人面前演唱时,时常因为心理过于紧张而记忆瞬间空白,注意力分散,思考力下降等现象,失去了对歌唱器官的调节能力,导致声乐演唱或考试的失败。因此,在进行声乐教学时不仅需要训练学生的基本表演技能,更重要注重培养学生健康的声乐演唱心理。让学生在临场时调节好心态、克服紧张心理,或把它减少到最低限度。

培养学生端正学习和表演态度。

教师首先应该培养学生端正思想、严肃认真的表演态度。演出的目的是为了表现音乐,展示艺术美,而不是表现个人的英雄主义,要以音乐和观众为出发点,抱着对观众负责的态度,体现出优良的台风意识。在表演中达到忘我的境界,全身心地投入到音乐中去,在力所能及的条件下展示最佳演唱效果。在演出中还要避免对自己的演出效果作过高的企求,以免给自己造成压力,导致表演时精力不集中,从而不能全身心地投入到音乐中去。

注重因材施教选择合适的演唱曲目。

充分理解演唱曲目的内容及含义是学生排除心里紧张的关键,它能为消除紧张心理奠定基础。因此,对作品的分析一定要透彻,要了解作者的创作背景和创作动机,对作品要反复推敲和仔细琢磨。熟悉作品的过程就是得到提高的过程,无论是声音还是情感,都要通过熟练掌握作品来提高认识,《教我如何不想他》是赵元任以优美隽永的音乐,通过对四季各种自然景色富于诗情画意的描写,引人入胜地表现了情思萦绕,独自徘徊咏唱的动人情景,使原诗以韵节谐美而著称更增添了光彩。它反映了“五四”时期青年在挣脱封建礼教的束缚,追求个性解放的潮流。歌曲主调建立在五声音阶,从而使作品的民族风味格外鲜明突出,通过曲调和调性的变化发展,乐段之间运用相同的乐句作为间奏,加强了全曲的统一性,使音乐更为丰富多彩感情表达富于层次。保存了诗的意境,节奏平稳、旋律委婉,含蓄带有叙述性。学生在了解了这些之后,在演唱时自然就会字头柔美些,用委婉、含蓄的声音把原诗的已经表达出来。如果不了解作者的创作动机和时代背景,那就不会知道作者意在怀念、追忆那些生活中存在过的,但又很快消逝了的美好物象,就会把字头唱“爆”“热”,激情外向,演唱不出对美好事物的追忆、怀念之情,而有悖作者原意。

创设条件探索实践消除心理障碍。

参加舞台艺术实践,这也是减少和避免临场紧张的一个重要途径。平时多举行学生音乐会,教师教学组汇报演唱会、社团演出活动等,在大庭广众前多演唱和锻炼,怯场就会愈来愈少。尽可能多地演出,去为任何人演出,举行音乐会或学生音乐会,演出越多,收益越多。在精神状态不正常的状况下演出得越多,情况就越好。对于演出前的走台和预演要同样认真对待,这是一种行之有效的模拟心理训练。在走台和预演时要人为地、有目的地布置演出环境和气氛,使学生的紧张情绪在这种环境中得到控制。演出的过程中,学生们记忆上的瞬间空白和身体不适随时会引起紧张心理。面对这种意外情况,首先要镇静自若,从容应对,要有信心克服紧张心理、排除障碍,使演出持续下去,把造成的不良影响减少到最少。如果发生了这种情况,重要的是不要让它影响到你以后的演奏,你不能让整个演出崩溃,既然出现了就泰然处之,否则你会惊慌失措而造成连锁反应。我国著名男高音歌唱家魏松参加在美国肯尼迪举办的国际声乐比赛当中,正处于决赛阶段的关键时刻,突然身体出现不适,甚至连走到台上的力气都没有了,当时他的思想压力很大,心理也感到很紧张,担心拿不下来,他强忍不适走到台上时,当音乐响起的那一瞬间,他立刻振作精神、恢复了自信,投入到歌唱中去,并忘掉了一切疼痛与杂念,以惊人的毅力和轻松的演唱获得了巨大的成功。他正是以坚持演唱下去的精神和意志,才获得了成功。我们的学生在演出发生意外时,也要及时调整心态,从容自信地把声乐演唱持续完整。

结合自身实际注意调整好状态。

歌唱是一项全身心的协调运动,身体健康状态无疑要影响到歌唱技能的发挥和心理的变化,尤其是歌唱器官不佳,如声带疲劳、喉炎或伤风感冒等,这些都将直接影响和破坏学生演唱技能的正常发挥和声乐演唱心理,从而造成不同程度的紧张心理。因此,表演前一定要学生制定好作息时间表,让他们有计划有节奏地安排作息时间。不要外出旅游或剧烈运动,保证睡眠充足,避免过度疲劳;勿食刺激食物;注意嗓音休息,少讲话,少练声;表演前可以做一套锻炼操,包括准备运动,舒展练习,听听音乐,调节情绪,放松精神,为演出成功做好一切充分的准备。

总之,在平时的训练中,指导和培养学生拥有健康的临场心理是不容忽视的。俗话说:“艺高人胆大”。过硬的基本功是声乐演唱者勇气的来源,使学生在演唱时树立信心,排除临场精神紧张的心理障碍,全身心地投入到声乐演唱中去,把美妙的歌声带给听众。

参考文献。

[1]邹长海.《声乐艺术心理学》[j].人民音乐出版社,2000.

[2]姚青.《歌唱心理调控能力的培养》[j].中国音乐,2000.

浅析歌剧原野声乐旋律创作与声乐表演论文【第六篇】

摘要：在声乐表演中，合理的曲目不仅能够完美地呈现出演唱者的水平，还能够营造出良好的音乐环境，将听众更好地带入音乐情境中，进而促成一场成功的声音表演。由此可见，曲目的合理选择对于声乐的表演非常重要。同时，声乐表演的学生在选择曲目的过程中，融入了自己的主观感受、情感和理解，并且具有一定的广泛性和多样性。因此，如何根据演唱者自身条件和水平，引导其选择最为合适的演唱曲目，已经成为声乐表演教师应重视的问题，也是帮助学生更好地进行声乐表演的关键。本文将基于声乐表演中曲目选择的意义和特点的阐述，对具体如何引导学生选择曲目进行探究。

关键词：声乐表演；曲目选择；曲目选择引导。

0引言。

一场声乐表演的成功是由多方面的因素共同完成的，而表演曲目的选择则是其中最为关键的因素之一。演唱者在选择歌曲时，不仅要考虑自身的演唱水平，还要保证自己的音质、音域、声音的特色和歌曲能够达到统一。[1]由于曲目选择具有广泛性和多样性，并且在很大程度上受到演唱者的主观选择和对歌曲理解的影响。因此，要选择合理的演唱曲目，并不是那么的简单。由于对曲目缺乏合理的选择，导致声乐表演的不成功案例也是屡见不鲜，可尽管曲目合理选择如此重要，但也并没有得到业界和学界的过多关注。

1曲目合理选择的意义。

在一场声乐音乐会中，所展示的不仅仅是演唱者的歌唱水平，还展示了器乐表演与声乐表演的融合度。只有当乐器表演与声乐表演达到一个高度的融合，才能形成良好的音乐氛围，更好地展示出演唱者的演唱技巧、水平和情感，才能更好地打动听众。曲目的合理选择，促进了乐器表演与声乐表演的`融合，有利于提升演唱者心理素质的整合，让演唱者能够更好地进行自我创作。曲目作为一场声乐表演的基础与核心，是构建声乐表演主题，选择演唱方式和技巧的重要基础。可以说，曲目合理的选择对于声乐表演及乐器的演奏都有着决策性的意义。谢飞指出，一位成功的声乐教师表现在能仔细选择成功和进步的曲目，给学生带去挑战的同时，不会对其造成打击，让其锻炼出扎实的演唱技巧和习惯。[2]由此可见，演唱曲目的合理选择是保证演唱事业长久成功的关键因素。

合理地选择曲目，不仅能帮助学生巩固现有的声乐技巧和基础，还能提升其对于声音的应用能力，培养对发声技巧和音乐素材的情感，使其在演唱过程中能够更好地代入自己的感情，展现自己的想法。通过对曲目的合理选择，能够让学生由易到难、从简到繁系统地进行声乐训练，并且让其所接受的音乐理论、音乐史和声乐发展史等方面的知识变得更加系统化、全面化和立体化。[3]教师应该注重曲目的合理选择，了解曲目合理选择的意义所在。然后，再根据学生的声音特点进行有针对性且科学的训练，让曲目发挥其应有的基础作用和核心作用，帮助学生完成一场成功的声乐表演。

2声乐表演曲目选择的特点。

广泛性。

相传，人类在学会说话时就开始学会唱歌。唱歌成为人们表达情感、愿望的重要方式之一。随着唱歌开始系统化、学术化，声乐体系逐渐形成。声乐的演唱曲目和演唱方式也更加丰富与多样化。声乐表演曲目的广泛性主要是指其所跨越的时间和空间范围的广泛。在选择表演曲目时，演唱者既能够选择当下的流行音乐，也可以选择传统的民族音乐，甚至能够对传统的音乐进行改编，使之呈现出不同的音乐风格。同时，演唱者也能够跨越地域的限制，选择其他国家的歌曲进行演唱。

多样性。

声乐曲目的多样性主要体现在声乐的题材上。纵观整个声乐的发展历史，可以了解到，声乐的题材可以分为民歌类型、歌曲类型、歌剧类型和其他类型。[4]民歌主要为信天游、山歌等有地方特色的民族歌曲。而俄罗斯的《伏尔加船夫曲》、意大利的《桑塔・露琪亚》等也属于民歌。歌曲类型的种类比较多，包括艺术歌曲、抒情类歌曲、叙事类歌圩、诙谐歌曲、讽刺歌曲、舞蹈歌曲、古典歌曲等。歌剧唱段类型可以划分为咏叹调、咏叙调、宣叙调和谣唱曲等。而其他类型的歌曲的内容更加多元化，有宗教歌剧、康塔塔弥撒曲、安魂曲、无言歌曲、创作歌曲等。

自由性。

由于每位演唱者的美标准和演唱风格不一样，因此在选择演唱曲目时也会相对的自由。在演唱曲目选择时并没有设立硬性的要求，让每位演唱者都能够根据自己的需求自由地选择。但也正是曲目选择的自由性，才会导致一些演唱者无法合理地选择演唱曲目，选择更易于展现自己演唱水平的歌曲。

主观性。

在选择演唱曲目时，很大程度受到演唱者的主观影响。由于每位演唱者的兴趣爱好、文化素养以及对声乐表演的理解和体会均不一样，因此在选择演唱曲目时总是会凭借自己的喜好，忽略自己的实际演唱水平，选择表演难度更高的曲目，进而造成发声器官疲劳、受损，甚至影响正常演唱水平的表现。

3曲目合理选择的有效方式。

注重结合学生的声部特点。

每个人的嗓音都不一样，所具有的音质、音色也往往独一无二、与众不同。在声乐中，更具人声的特点将男女声音大致分为三种类型，即男/女高音、男/女中音、男/女低音。在同一个声部根据演唱者的音色特点还可以细分为花腔女高音、戏剧女高音、抒情男高音等。所以，在选择表演曲目时一定要注重结合演唱者的声部特点，选择合适的曲目，并进行有针对性的、科学的、系统的联系，以达到良好的演唱效果。在选择演唱曲目时，需要注意的是，即便是同一个音部，对于同一首歌曲的演唱效果也不一样。所以，还要重视演唱者的基本演唱功底和技巧。教师要详细了解每位学生的声部特点，帮助其合理地选择演唱曲目，以更好展示学生的声部特点和优势。

所选曲目应符合学生的嗓音音域。

正如每个人的嗓音都具有各自的特点，所以每个声音的音域也是不同的。学生在日常训练中要重视自己的音色，同时也要发现其中最漂亮的音色所在的音域音区位置。如此，既能够不断增强其唱歌的功底，也能够逐步掌握不同风格的音乐作品，以提升自己在演唱时的音乐表现能力。例如，一些演唱者在换声点常常会出现发音不畅的情况，其原因是，演唱者在从低声区转向中声区或从中声区转向高声区时，由于演唱时声带过于紧张出现破音的情况。要想改变这一情况，应有针对性地进行放松练习，拓展演唱者的音域，逐渐消掉其换声的痕迹。但在实际联系中，由于种种原因，一些演唱者偏向选择一些音域比较宽的大作品。当演唱或训练时，演唱者很容易因为音域不够宽广而出现破音或音色不统一的情况，根本无法准确地表达歌曲的真正含义。并且，长此以往，将会对演唱者的发声器官造成极大的损伤，情况严重的，甚至会对声带造成永久性的伤害，不能再唱歌。在声乐训练中，教师不仅要了解学生音色、音域的不同，还应该对真假混声有正确的认识，引导学生使用高位置的混声，掌握正确的换声方式，避免在联系时对声部造成损伤。

应符合学生的声乐表演水平。

学生的声乐表演水平虽然是一种表现手段，但也是演唱者通过自己对曲目的理解而进行的一种再创作的能力。[5]声乐的表演能力是演唱者在表达曲目时最基本的一种能力，也是最重要的一种能力，演唱者如果没有接受过系统的、科学的训练和实践，在短时间内无法具备高水平的声乐表演能力。声乐表演能力就像节奏对于音乐是一样重要的。演唱者只有掌握歌曲的节奏并且拿捏准确，才能展现出曲目中的感情。教师在选择演唱曲目时，应该结合学生掌控歌曲的能力。例如，学生对于节奏的把控能力较差，没有办法做到对较快的曲目进行连贯的把控，这就要靠平时课下的训练，循序渐进地选择演唱曲目，由易到难逐步提高学生的综合演唱能力。而有些学生则将精力放在完成演出上，为了表演而表演，忽视了情感表达这一主要目的，这时就需要教师注重引导学生对声乐表达能力形成正确的认知，并以此为基础逐步提升学生的声乐演唱水平。

注重学生对曲目的理解及音乐的表现能力。

音乐是人们表达自我情感的一种重要方式，也是体现人们展现音乐审美和自我感受的重要方式。[6]因此，在声乐表演中，学生常常会运用面部表情、肢体语言和其他媒介来抒发自己对音乐的情感。在这一过程中，演唱者对音乐曲目的理解就显得非常重要。音乐的表现能力不仅仅是指演唱者所具备的专业技术能力，也包括了演唱者对音乐曲目的理解，如曲目创作背景、创作者的思想表达、文学、音乐、历史方面知识等。只有将两者融会贯通，才能完美地呈现出一部音乐作品的内涵和感情。教师在训练学生的音乐表现能力时，不仅要重视学生对于表达技巧的掌握，还要加深学生对曲目本身的理解。同时，学生自己也要注重全面培养自身的音乐修养与兴趣爱好，丰富自己的情感体验和个性发展，以便更好地理解体会音乐作品。

4结语。

曲目的合理选择不仅对于声乐表演有关i的影响，对于学生日常的发声技巧训练和声乐表演能力的提升也是非常重要的。教师要重视曲目的合理选择，注重结合学生的声部特点、音域范围、声乐表演能力、理解力和表现力，用科学的发声方法有针对性的、有计划的、有目的的、循序渐进地训练学生的声乐表演能力。同时，教师也要注重培养学生合理选择曲目的能力，帮助学生充分了解自己的声音特点，从而更好地进行自我训练和提升。

参考文献：

声乐表演在主持类的价值论文【第七篇】

演唱者在进行分析的时候,应当不断的问自己。比如作曲家此处为什么会用这样的力度?这种力度的安排在整个曲目中有什么深意?通过反复的追问,促使着自己最大限度的了解到创作者的真实意图。尽管不同的表演者对于每一首声乐的理解会各不相同,但是大致的方向是不会出现偏差的。相反,不同的理解和感受,正是促成声乐表演风格多样化的首要因素。所以,对乐谱进行认真细致的研读,是准确反映作品的需要,也是形成自己表演个性的需要。所谓主观创造性,是指在充分尊重原着基础上的个性化的表现。个性是个人在活动中所表现出来的相对稳定和独特的一种心理特征。声乐演唱者在演唱的过程中,如果能够充分的发挥出自己的个性,那么他的表演一定是成功的,也是能够给人留下深刻的印象的。自从声乐艺术诞生以来,词曲作家的创作和演唱者的表演,是一个密不可分的整体,词曲作家创作出的声乐作品,是声乐演唱的基础。

而声乐演唱者则是在这个基础上再进行一次创作。因为声乐作品这个基础,本身是留有了充分的再创造余地的,如果演唱者没有充分认识到这块余地,没有在这个余地上进行耕耘,那么他的演唱将会缺乏一种个性的光彩。而且作为听众来讲,他们愿意看到同一部作品为不同的演唱者所演绎,他们可以通过比较和鉴别,加深对于这首作品的理解,丰富自己的感受。如果所有人演绎同一个曲目都是千篇1律、千人一面的话,那么一张cd就可以代替所有的演唱者了。所以演唱者要充分发挥自己的主观能动性和创造性,不仅对于音乐作品有着自己正确、独到的诠释,而且还能够充分发挥自己的特长,逐渐形成自己的表演风格,而个人表演风格的形成,正是一个歌唱家在歌唱事业中是否走向成熟的分水岭。从上面的论述可以看出,客观真实性和主观创造性,两者是一个有机的整体。各管真实性是基础,主观创造性是提高,两者更是一种辩证统一的关系。正如帕瓦罗蒂所言:要在对乐谱的依附和创造之间,寻找到一种巧妙地平衡。

声乐表演中审美体现的原则之一再现历史性和呈现时代性的统一。

前文中提到,声乐艺术是一门有着悠久历史的艺术,历史上每一首声乐作品,都有其特定的时代背景,每一首声乐作品都是那个时代的产物。比如巴赫时期的康塔塔,它的内部结构十分精妙,多声部的线条组合,给人以美轮美奂之感,这就是巴洛克风格。莫扎特时期的歌剧,十分重视结构的严谨性,讲求内部结构在逻辑上的关系,这就是古典主义风格。到了舒曼、舒伯特时期,艺术歌曲盛行,这种声乐体裁小巧精美,表演风格较为自由,表演者有着充分的自由发挥空间。时至今日,随着声乐艺术的多元化发展,各种新的风格也是层出不穷,这种历史的丰富性对于演唱者来说,既是一个挑战,也是一个充分发挥的平台。很多演唱者想尽一切办法,走进历史中,从政治、经济、社会等多个方面,对作品进行全方位的分析,力求将作品的风格予以最真实的再现,一边真实的体验和表现作品的'精神内涵和时代风貌,这种钻研的精神是值得充分的肯定的。对于声乐作品历史风貌的准确把握和再现,不仅是对声乐作品和创作者本身的一种肯定和尊重,更是我们表现这首作品的基础。那种对作品的历史环境、历史时期全然不顾的演唱,无疑是一种缺乏声乐理论素养的表现。

但是反过来说,尽管我们今天对作品历史性有着一种尊重的态度和积极的认知,但是我们还是采用的是一种现代人的眼光和思维。这是一个不可改变的客观事实,我们今天的审美原则、审美情趣,已经和当时的历史环境有了翻天覆地的变化。我们身上天生俱来的时代精神和审美观念,必然会影响到我们对历史作品的理解和表现。所以从这个角度来说,彻底的原汁原味,是不可能存在的。既然这个事实不能改变,于是我们能做的则是在充分尊重历史的前提下,为历史的作品注入新的生命,与其将精力和时间放到对于历史的再现上,不如创造性地挖掘作品,为作品赋予新的生命力,去发现那些没有被注意过的、积极的美的质素,以新的时代精神和审美情趣对之加以丰富和创造。这种创造,若干年之后,也将会成为一种历史。由此看来,再现历史性和呈现时代性的统一与融合,也是声乐表演时所需要牢牢把握的原则。不顾作品的历史性,随意进行主观表现,而沉溺于对历史的还原中不能自拔的极端复制,都是不可取的。而且在实际的表演过程中,不同的演唱者会对两者有着不同的侧重,这是充分允许的,也是有意的,因为它有利于声乐表演者表演个性和艺术特长的充分发挥。

声乐表演艺术审美体现原则之二――演唱技巧性与表现性的统一。

声乐演唱的技巧在声乐表演中的重要作用是不言而喻的,古今中外一切卓有成就的声乐表演艺术家,无疑不具有高超与独到的演唱技巧。一名声乐家要在艺术上得以充分表现,没有相应的技巧是不行的,艺术上的自由需要有充分地运用技巧的能力,正因为如此,当今世界上第一流的音乐学府――美国朱丽亚音乐学院流行着这样一句口号:第一是技巧,第二是技巧,第三还是技巧。什么是技巧?技巧绝非仅仅是我们一般理解的那种纯粹的气息控制或几个高音。而是调控生理机理动态的某些心理因素,也就是那些支配我们去达到某一种技术要求的内心活动,假如没有这种心理上的技能,无论怎样做生理上的训练也不可能达到真正高超的技术水准。所以技巧训练是一种受美感心里支配的艺术活动。在发声练习中一定要把它当作艺术享受。所谓艺术享受就是获得审美上的满足,说到技巧必须要与审美结合起来,这一点正是技巧训练的关键。声乐表演艺术中的技巧固然重要,但还有一样东西比技巧更重要,它就是声乐表演中的灵魂。没有灵魂的演唱就好比一具僵死的空壳,它没有生命力,也不可能感染人。声乐表演中的灵魂并非天生具备,而是来自艺术家长期积累的艺术修养和生活体验。在当今,声乐表演艺术迅猛发展,音乐教育的普及和正规化系统化的培养,掌握高超的声乐表演技术技巧的青少年层出不穷,但是真正成为声乐表演艺术家的却并不多见。有些歌唱者虽然掌握了高超的演唱技巧,他们的演唱能以其技巧的高超与华丽而眩人耳目,博得一时的掌声与喝彩,但终究会因为缺乏艺术表现与内在生命而令人感到乏味,这样的歌唱家其实不过是一些声乐匠人而已。我们崇敬的真正声乐表演艺术家绝非如此,他们的演唱决不以狭隘的炫耀技术技巧为荣、为目的。而是把精妙绝伦的表演技巧与艺术表现二者完美的统一,他们的精彩表演不仅给人以审美的愉悦,而且以其丰富的精神内涵与情感表现而撩人心弦、激动心智。中国传统声乐表演美学既很重视表演技巧,也非常重视艺术表现。声乐表演艺术审美的体现原则,无论任何时代任何种类的声乐表演都是普遍使用的,同时也是声乐表演艺术进入完美的理想境界的切实保证。

谈如何克服声乐表演时的恐惧心理【第八篇】

走上舞台，面对观众，唱上几首歌。对于一个技术纯熟，久经缎炼的演员来说，可能易如反掌，可是对于一个初次登台得青年人，就不那么简单了。他们往往由于紧张胆怯，而不能正常发挥，甚至会造成不良的效果。如何克服声乐表演时的恐惧心理呢?下面一起跟网友来了解下吧。

为什么在台下唱得不错，一上台就大打折扣了呢?这就是舞台恐惧(也叫怯场)。产生恐惧的演唱者往往会出现身体僵硬，两腿打颤，心跳加快，气息上浮，声音失控;不是面部紧张就是声音走调，节奏失控。甚至有的人还回大脑突然一片空白一时间什么都记不起来了， 以及浑身冒汗而不知所措。

首先技术要过关。常言说：“艺高人胆大”。实践证明;只要掌握了技艺，才会有信心，有了信心，才会镇定自若，从容不迫，演唱者必须经过长期的努力才能获得技艺，有了好的技艺，思想负担就减少了大半，这是战胜舞台恐惧的关键。其次歌词要背的滚瓜烂熟，达到不用思考就能脱口而出的程度这样，歌唱时只想感情表现，不用再去想 词，同时要多合伴奏，与伴奏取得默契，以免在台上与伴奏脱节产生恐惧。

演出前，如果过多地来考虑得失总想着专家，领导对自己的评价，就会产生害怕心理，这种情况对歌唱非常不利，从自我中摆脱出来 ，八自己的.成败置之肚外，思想全部倾到歌曲的感情、和美好的发生上，排出杂念始终“进入角色”，恐惧也会消失变压力为动力。可以这样想把演出看成是一个征求意见。改进缺点的千载难逢的好机会恐惧也就不翼而飞了。

一个新战士在大靶场上，可能打得很难第一次参加战斗多数要产生恐惧枪就打不准了，但若连续多参加几次就不会出现此状况了。演唱也如此，多排练多参加演出活动就会满满地消除恐惧心理。

如果上台前就感到紧张，可用几次慢而柔的深呼吸来缓解紧张程度，同时为了避免这一现象。在演出前，应多在众人面前试唱几次害羞的心里也能克服，并且正式演出前的走台采排，对克服恐惧心理都是行之有效的方法。

总之初次独唱的人都会产生一些不同程度的恐惧心理既使老演员歌唱手在参加重大比赛时，也会出现紧张所以克服舞台恐惧，应是演唱者共同研究的课题之一。